Aria -Aria

L'aria d'addio di Sultan Bazajet nell'opera Tamerlano di Händel . (Nota l' istruzione da capo .) Prima edizione, Londra, 1719.

In musica, un'aria ( italiano :[ˈaːrja] ; plurale : ari [ˈaːrje] , o arie nell'uso comune, forma diminutiva arietta [aˈrjetta] , plurale ariette , o in inglese semplicemente air ) è un brano autonomo per una voce, con o senza accompagnamento strumentale o orchestrale , normalmente parte di un'opera più ampia.

Il contesto tipico per le arie è l' opera , ma le arie vocali sono presenti anche in oratori e cantate , oppure possono essere arie da concerto indipendenti . Il termine era originariamente usato per riferirsi a qualsiasi melodia espressiva , solitamente, ma non sempre, eseguita da un cantante.

Etimologia

Il termine italiano aria , che deriva dal greco ἀήρ e dal latino aer (aria), apparve per la prima volta in relazione alla musica nel XIV secolo quando indicava semplicemente un modo o uno stile di cantare o suonare. Alla fine del XVI secolo, il termine 'aria' si riferisce a una forma strumentale (cfr. Opere per liuto di Santino Garsi da Parma, 'Aria del Gran Duca'). All'inizio del XVI secolo era di uso comune nel senso di una semplice ambientazione di poesia strofica ; i madrigali melodici , privi di polifonia complessa , erano conosciuti come madrigale arioso .

All'opera

Forma dell'aria nell'opera francese e italiana della fine del XVII secolo

Nel contesto delle opere messe in scena e dei concerti, le arie si sono evolute da semplici melodie in forme strutturate. In tali opere, l'aria cantata, melodica e strutturata si differenziava dal recitativo ( parlare ) più simile a un discorso - in generale, quest'ultimo tendeva a portare la trama, il primo portava più carico emotivo e divenne un'opportunità per i cantanti di mostrare il loro talento vocale.

L'aria si è evoluta tipicamente in una delle due forme. Le arie in forma binaria erano in due sezioni (A – B); le arie in forma ternaria (LA–SI–LA) erano conosciute come arie da capo (letteralmente 'dalla testa', cioè con la sezione iniziale ripetuta, spesso in maniera molto decorata ). Nell'aria da capo l'episodio "SI" sarebbe tipicamente in una tonalità diversa : la tonalità dominante o relativa maggiore . Altre varianti di queste forme si trovano nelle opere francesi della fine del XVII secolo come quelle di Jean-Baptiste Lully che dominarono il periodo del barocco francese; gli assoli vocali nelle sue opere (denominati ovviamente dal termine francese arie ) sono spesso in forma binaria estesa (ABB') o talvolta in forma rondeau (ABACA), (forma analoga al rondò strumentale ).

Nella scuola di compositori italiana della fine del XVII e dell'inizio del XVIII secolo, la forma da capo dell'aria venne gradualmente associata al ritornello (letteralmente, 'piccolo ritorno'), un episodio strumentale ricorrente che era inframmezzato dagli elementi del aria e alla fine fornì, nelle prime opere, l'opportunità di ballare o inserire personaggi. Questa versione della forma dell'aria con ritornelli divenne una caratteristica dominante dell'opera europea per tutto il XVIII secolo. Alcuni scrittori pensano che sia l'origine delle forme strumentali del concerto e della forma sonata . I ritornelli divennero essenziali per la struttura dell'aria: "mentre le parole determinano il carattere di una melodia, gli strumenti del ritornello spesso decidono in quali termini deve essere presentata".

18esimo secolo

All'inizio del XVIII secolo, compositori come Alessandro Scarlatti avevano stabilito la forma dell'aria, e in particolare la sua versione da capo con ritornelli, come elemento chiave dell'opera seria . "Offriva equilibrio e continuità, eppure dava spazio al contrasto. [...] La stessa regolarità delle sue caratteristiche convenzionali consentiva di sfruttare le deviazioni dal normale con effetto rivelatore". Nei primi anni del secolo, le arie in stile italiano iniziarono a prendere il sopravvento nell'opera francese, dando origine infine al genere francese delle ariette , normalmente in una forma ternaria relativamente semplice.

I tipi di aria operistica divennero noti con una varietà di termini a seconda del loro carattere - ad esempio aria parlante ("stile parlante", narrativa in natura), aria di bravura (tipicamente data a un'eroina), aria buffa (aria di tipo comico , tipicamente dato a un basso o basso-baritono ), e così via.

MF Robinson descrive l'aria standard nell'opera seria nel periodo dal 1720 al 1760 come segue:

La prima sezione normalmente iniziava con un ritornello orchestrale dopo il quale il cantante entrava e cantava per intero le parole della prima strofa . Alla fine di questo primo paragrafo vocale la musica, se era in una tonalità maggiore come era di solito, si era modulata sulla dominante . L'orchestra ha poi suonato un secondo ritornello solitamente più corto del primo. Il cantante rientrò e cantò le stesse parole una seconda volta. La musica di questo secondo paragrafo era spesso leggermente più elaborata di quella del primo. C'erano più ripetizioni di parole e forse vocalizzi più floridi. La chiave è tornata alla tonica per la cadenza vocale finale , dopodiché l'orchestra ha completato la sezione con un ritornello finale.

Gluck in un ritratto del 1775 di Joseph Duplessis

La natura e l'attribuzione delle arie ai diversi ruoli nell'opera seria era altamente formalizzata. Secondo il drammaturgo e librettista Carlo Goldoni , nella sua autobiografia,

I tre personaggi principali del dramma debbono cantare cinque arie ciascuno; due nel primo atto, due nel secondo e uno nel terzo. La seconda attrice e il secondo soprano non possono averne che tre, ed i personaggi inferiori devono accontentarsi di una sola aria ciascuno, o due al massimo. L'autore delle parole deve [...] badare che non si succedano due arie patetiche [cioè malinconiche]. Deve distribuire con la stessa precauzione le arie di bravura, le arie d'azione, le arie inferiori, i minuetti ei rondeau. Deve, soprattutto, evitare di dare arie appassionate, arie di bravura, o rondeaus, a personaggi inferiori.

Al contrario, le arie nell'opera buffa (opera comica) erano spesso di carattere specifico rispetto alla natura del personaggio rappresentato (ad esempio la sfacciata serva o l'irascibile corteggiatore o tutore anziano).

Verso la fine del secolo era chiaro che questi formati si stavano fossilizzando. Christoph Willibald Gluck pensava che sia l' opera buffa che l' opera seria si fossero allontanate troppo da ciò che l'opera dovrebbe essere realmente, e sembravano innaturali. Le battute dell'opera buffa erano logore e la ripetizione degli stessi personaggi le faceva sembrare nient'altro che stereotipi. Nell'opera seria il canto era votato a effetti superficiali e il contenuto era poco interessante e stantio. Come nell'opera buffa , i cantanti erano spesso padroni del palcoscenico e della musica, decorando le linee vocali in modo così florido che il pubblico non riusciva più a riconoscere la melodia originale. Gluck voleva riportare l'opera alle sue origini, concentrandosi sul dramma e sulle passioni umane e dando uguale importanza a parole e musica. Gli effetti di queste riforme gluckiste furono visti non solo nelle sue stesse opere ma anche nelle ultime opere di Mozart ; le arie ora diventano molto più espressive delle emozioni individuali dei personaggi e sono entrambe più saldamente ancorate e avanzano nella trama. Richard Wagner loderà le innovazioni di Gluck nel suo saggio del 1850 " Opera and Drama ": "Il compositore musicale si ribellò contro l'ostinazione del cantante"; piuttosto che "dispiegare [ing] i contenuti puramente sensuali dell'Aria al loro tono più alto e più rozzo", Gluck ha cercato di "mettere le catene all'esecuzione di Caprice di quell'Aria, sforzandosi da solo di dare alla melodia [...] un'espressione rispondendo al testo-Parola sottostante". Questo atteggiamento doveva essere alla base dell'aspirante decostruzione dell'aria da parte di Wagner nel suo concetto di Gesamtkunstwerk .

19esimo secolo

Nonostante gli ideali di Gluck, e la tendenza a organizzare i libretti in modo che le arie avessero una parte più organica nel dramma piuttosto che limitarsi a interromperne il flusso, nelle opere del primo Ottocento (ad esempio quelle di Gioachino Rossini e Gaetano Donizetti ) , le arie di bravura rimasero attrazioni centrali e continuarono a svolgere un ruolo importante nella grande opera e nell'opera italiana per tutto il XIX secolo.

Una forma d'aria preferita nella prima metà del XIX secolo nell'opera italiana era la cabaletta , in cui una sezione cantabile simile a una canzone è seguita da una sezione più animata, la cabaletta vera e propria, ripetuta in tutto o in parte. Tipicamente tali arie sarebbero precedute da un recitativo , l'intera sequenza essendo definita scena . Potrebbero esserci anche opportunità di partecipazione di orchestra o coro. Un esempio è Casta diva dall'opera Norma di Vincenzo Bellini .

Dopo il 1850 circa, le forme dell'aria nell'opera italiana iniziarono a mostrare più varietà: molte delle opere di Giuseppe Verdi offrono arie narrative estese per ruoli principali che consentono, nella loro portata, l'intensificazione del dramma e della caratterizzazione. Gli esempi includono la condanna del tribunale di Rigoletto , "Cortigiani, vil razza dannata!" (1851).

Più tardi nel secolo, le opere di Wagner successive al 1850 furono composte a fondo , con un minor numero di elementi facilmente identificabili come arie autonome; mentre il genere italiano dell'opera verista cercava anch'esso di integrare elementi ariosi pur consentendo comunque alcuni 'pezzi da spettacolo'.

Frontespizio delle Variazioni Goldberg (prima edizione, 1741)

Arie da concerto

Le arie da concerto , che non fanno parte di un'opera più ampia, (o talvolta sono state scritte per sostituire o inserire arie nelle proprie opere o opere di altri compositori) sono state scritte da compositori per fornire l'opportunità di esibizione vocale per i cantanti da concerto; esempi sono Ah! perfido , op. 65, di Beethoven , e una serie di arie da concerto di Mozart , tra cui Conservati fedele .

Musica strumentale

Il termine "aria" era spesso usato nel XVII e XVIII secolo per la musica strumentale usata per ballare o variare e modellata sulla musica vocale. Ad esempio, le cosiddette " Variazioni Goldberg " di JS Bach erano intitolate nella loro pubblicazione del 1741 "Clavier Ubung bestehend in einer ARIA mit verschiedenen Verænderungen" ("Esercizio di tastiera, costituito da un'ARIA con diverse variazioni.")

La parola è talvolta usata nella musica contemporanea come titolo per brani strumentali, ad esempio "aria" di Robin Holloway del 1980 per ensemble da camera . o il pezzo per banda di ottoni di Harrison Birtwistle , "Grimethorpe Aria" (1973).

Guarda anche

Riferimenti

Appunti

Fonti

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