Musica barocca -Baroque music

Dipinto di Evaristo Baschenis di strumenti barocchi , tra cui una cetra , violoncello a cinque o sei corde con tasti, violino e due liuti

La musica barocca ( Regno Unito : / b ə ˈ r ɒ k / o US : / b ə ˈ r k / ) è un periodo o uno stile della musica classica occidentale dal 1600 al 1750 circa originato nell'Europa occidentale . Questa era seguì l'era della musica rinascimentale , seguita a sua volta dall'era classica , con lo stile galante che segnò il passaggio tra l'era barocca e quella classica. Il periodo barocco è diviso in tre fasi principali: primo, medio e tardo. Sovrapponendosi nel tempo, sono convenzionalmente datati dal 1580 al 1650, dal 1630 al 1700 e dal 1680 al 1750. La musica barocca costituisce una parte importante del canone della " musica classica " ed è ora ampiamente studiata, eseguita e ascoltata. Il termine " barocco " deriva dalla parola portoghese barroco , che significa " perla deforme ". Le opere di Georg Friedrich Händel e Johann Sebastian Bach sono considerate l'apice del periodo barocco. I principali compositori dell'era barocca includono Claudio Monteverdi , Domenico Scarlatti , Alessandro Scarlatti , Antonio Vivaldi , Henry Purcell , Georg Philipp Telemann , Jean-Baptiste Lully , Jean-Philippe Rameau , Marc-Antoine Charpentier , Arcangelo Corelli , François Couperin , Heinrich Schütz , Dieterich Buxtehude e altri.

Il periodo barocco vide la creazione della tonalità di uso comune , un approccio alla scrittura musicale in cui una canzone o un brano è scritto in una chiave particolare ; questo tipo di armonia ha continuato ad essere ampiamente utilizzato nella musica classica e popolare occidentale . Durante l'era barocca, ci si aspettava che i musicisti professionisti fossero abili improvvisatori sia di linee melodiche soliste che di parti di accompagnamento . I concerti barocchi erano tipicamente accompagnati da un gruppo di basso continuo (composto da strumentisti che suonavano accordi come clavicembalisti e liutisti che improvvisavano accordi da una parte di basso figurato ) mentre un gruppo di strumenti bassi - viola , violoncello , contrabbasso - suonava la linea di basso . Una caratteristica forma barocca era la suite da ballo . Mentre i pezzi in una suite da ballo sono stati ispirati dalla vera musica da ballo, le suite da ballo sono state progettate esclusivamente per l'ascolto, non per i ballerini di accompagnamento.

Durante il periodo, i compositori hanno sperimentato la ricerca di un suono più pieno per ogni parte strumentale (creando così l'orchestra), apportato modifiche alla notazione musicale (lo sviluppo del basso figurato come modo rapido per annotare la progressione di accordi di una canzone o di un pezzo) e sviluppato nuove tecniche di esecuzione strumentale. La musica barocca ha ampliato le dimensioni, la gamma e la complessità dell'esecuzione strumentale e ha anche stabilito le forme miste vocale / strumentale dell'opera , della cantata e dell'oratorio e le forme strumentali del concerto solista e della sonata come generi musicali. La musica polifonica densa e complessa , in cui venivano eseguite simultaneamente più linee melodiche indipendenti (un esempio popolare di questo è la fuga ), era una parte importante di molte opere corali e strumentali barocche. Nel complesso, la musica barocca era uno strumento di espressione e comunicazione.

Etimologia e definizione

L'etimologia di barocco è probabilmente tramite barocco francese (che originariamente significava una perla di forma irregolare) e dal portoghese barroco ("perla irregolare"); imparentato anche con il barrueco spagnolo e il barocco italiano . Il termine è di origine ultima incerta, ma forse dal latino verrūca ("verruca") o forse dal Baroco , termine tecnico della logica scolastica.

Il termine "barocco" è generalmente utilizzato dagli storici della musica per descrivere un'ampia gamma di stili provenienti da un'ampia regione geografica, principalmente in Europa, composti in un periodo di circa 150 anni. Sebbene si sia pensato a lungo che la parola come termine critico fosse stata applicata per la prima volta all'architettura, in realtà essa compare prima in riferimento alla musica, in una recensione anonima e satirica della prima dell'ottobre 1733 di Hippolyte et Aricie di Rameau, stampata nel Mercure de France nel maggio 1734. Il critico insinuò che la novità in quest'opera fosse "du barocque", lamentando che la musica mancava di melodia coerente, era piena di incessanti dissonanze, cambiava costantemente chiave e metro e correva rapidamente attraverso ogni dispositivo compositivo.

Jean-Jacques Rousseau , musicista e compositore oltre che filosofo, scrisse nel 1768 nell'Encyclopédie : "La musica barocca è quella in cui l'armonia è confusa e carica di modulazioni e dissonanze. Il canto è aspro e innaturale, il intonazione difficile e movimento limitato. Sembra che il termine derivi dalla parola 'baroco' usata dai logici." Rousseau si riferiva al termine filosofico baroco , in uso fin dal XIII secolo per descrivere un tipo di argomento accademico elaborato e, per alcuni, inutilmente complicato.

L'applicazione sistematica da parte degli storici del termine "barocco" alla musica di questo periodo è uno sviluppo relativamente recente. Nel 1919, Curt Sachs fu il primo ad applicare sistematicamente alla musica le cinque caratteristiche della teoria del barocco di Heinrich Wölfflin . I critici si sono affrettati a mettere in discussione il tentativo di trasporre le categorie di Wölfflin alla musica, tuttavia, e nel secondo quarto del XX secolo tentativi indipendenti sono stati fatti da Manfred Bukofzer (in Germania e, dopo la sua immigrazione, in America) e da Suzanne Clercx-Lejeune (in Belgio) di utilizzare analisi tecniche autonome piuttosto che astrazioni comparative, al fine di evitare l'adattamento alla musica di teorie basate sulle arti plastiche e sulla letteratura. Tutti questi sforzi hanno portato a un apprezzabile disaccordo sui limiti temporali del periodo, soprattutto per quanto riguarda l'inizio. In inglese il termine acquistò moneta solo negli anni '40, negli scritti di Bukofzer e Paul Henry Lang .

Ancora nel 1960 c'era ancora una notevole controversia nei circoli accademici, in particolare in Francia e Gran Bretagna, se fosse significativo raggruppare musica così diversa come quella di Jacopo Peri , Domenico Scarlatti e Johann Sebastian Bach sotto un'unica rubrica. Tuttavia, il termine è diventato ampiamente utilizzato e accettato per questa vasta gamma di musica. Può essere utile distinguere il barocco dal periodo precedente ( rinascimentale ) e successivo ( classico ) della storia della musica.

Storia

Durante l'era barocca, nuovi sviluppi nella musica hanno avuto origine in Italia, dopodiché ci sono voluti fino a 20 anni prima che fossero ampiamente adottati nel resto della pratica della musica classica occidentale . Ad esempio, i compositori italiani passarono allo stile galante intorno al 1730, mentre i compositori tedeschi come Johann Sebastian Bach continuarono in gran parte a scrivere in stile barocco fino al 1750.

Fasi della musica barocca
Sottoperiodo Tempo In Italia Altrove
Primo barocco 1580–1650
Barocco medio 1630–1700
Tardo barocco 1680–1750

Musica del primo barocco (1580–1650)

La Camerata fiorentina era un gruppo di umanisti, musicisti, poeti e intellettuali della Firenze tardorinascimentale che si riuniva sotto il patrocinio del conte Giovanni de' Bardi per discutere e guidare le tendenze nelle arti, in particolare nella musica e nel teatro . In riferimento alla musica, hanno basato i loro ideali su una percezione del dramma musicale classico (soprattutto greco antico ) che valorizzava il discorso e l'orazione. Di conseguenza, hanno rifiutato l'uso della polifonia (linee melodiche indipendenti e multiple) e della musica strumentale da parte dei loro contemporanei e hanno discusso di dispositivi musicali dell'antica Grecia come la monodia , che consisteva in un assolo di canto accompagnato da un kithara (un antico strumento a corde strimpellate). Le prime realizzazioni di queste idee, tra cui Dafne e L'Euridice di Jacopo Peri , segnarono l'inizio dell'opera, che fu un catalizzatore per la musica barocca.

Per quanto riguarda la teoria musicale, l'uso più diffuso del basso figurato (noto anche come basso completo ) rappresenta l'importanza crescente dell'armonia come base lineare della polifonia. L'armonia è il risultato finale del contrappunto e il basso figurato è una rappresentazione visiva di quelle armonie comunemente impiegate nell'esecuzione musicale. Con il basso figurato, numeri, alterazioni o simboli venivano posti sopra la linea di basso che veniva letta dai suonatori di strumenti a tastiera come i clavicembalisti o gli organisti a canne (o liutisti ). I numeri, alterazioni o simboli indicano al tastierista quali intervalli devono essere suonati sopra ogni nota di basso. Il tastierista improvvisava una voce di accordi per ogni nota di basso. I compositori iniziarono a occuparsi di progressioni armoniche , e impiegarono anche il tritono , percepito come un intervallo instabile, per creare dissonanza (era usato nell'accordo di settima dominante e nell'accordo diminuito ). Un interesse per l'armonia era esistito anche tra alcuni compositori del Rinascimento, in particolare Carlo Gesualdo ; Tuttavia, l'uso dell'armonia orientato alla tonalità (un focus su una chiave musicale che diventa la "nota di casa" di un brano), piuttosto che alla modalità , segna il passaggio dal periodo rinascimentale al periodo barocco. Ciò ha portato all'idea che alcune sequenze di accordi, piuttosto che semplici note, potessero fornire un senso di chiusura alla fine di un pezzo, una delle idee fondamentali che divenne nota come tonalità .

Incorporando questi nuovi aspetti della composizione, Claudio Monteverdi ha favorito il passaggio dallo stile musicale rinascimentale a quello del periodo barocco. Ha sviluppato due stili individuali di composizione: l'eredità della polifonia rinascimentale ( prima pratica ) e la nuova tecnica del basso continuo del barocco ( seconda pratica ). Con il basso continuo, un piccolo gruppo di musicisti suonava la linea di basso e gli accordi che formavano l'accompagnamento di una melodia . Il gruppo del basso continuo utilizzava tipicamente uno o più tastieristi e un liutaio che suonava la linea di basso e improvvisava gli accordi e diversi strumenti bassi (ad esempio, viola basso , violoncello , contrabbasso ) che suonavano la linea di basso. Con la scrittura delle opere L'Orfeo e L'incoronazione di Poppea , tra le altre, Monteverdi portò una notevole attenzione a questo nuovo genere. Questo stile veneziano fu portato in Germania da Heinrich Schütz , il cui stile diversificato si evolse anche nel periodo successivo.

Le trame strumentali idiomatiche divennero sempre più importanti. In particolare, lo stile luthé -la rottura irregolare e imprevedibile delle progressioni di accordi, in contrasto con lo schema regolare degli accordi rotti - indicato dall'inizio del XX secolo come stile brisé , si è affermato come una trama coerente nella musica francese da Robert Ballard , nei suoi libri di liuto del 1611 e 1614, e di Ennemond Gaultier . Questa figurazione idiomatica del liuto fu successivamente trasferita al clavicembalo, ad esempio nella musica per tastiera di Louis Couperin e Jean-Henri D'Anglebert , e continuò ad avere un'influenza importante sulla musica per tastiera per tutto il XVIII e l'inizio del XIX secolo (ad esempio , la musica di Johann Sebastian Bach e Frédéric Chopin ).

Musica mediobarocca (1630–1700)

L'ascesa della corte centralizzata è una delle caratteristiche economiche e politiche di quella che viene spesso definita l' età dell'assolutismo , personificata da Luigi XIV di Francia. Lo stile del palazzo e il sistema di corte dei costumi e delle arti che promuoveva divennero il modello per il resto d'Europa. La realtà del crescente mecenatismo ecclesiastico e statale ha creato la domanda di musica pubblica organizzata, poiché la crescente disponibilità di strumenti ha creato la domanda di musica da camera , che è musica per un piccolo ensemble di strumentisti.

Un esempio preminente di compositore di corte è Jean-Baptiste Lully . Ha acquistato i brevetti dalla monarchia per essere l'unico compositore di opere per il re di Francia e per impedire ad altri di far mettere in scena opere. Completò 15 tragedie liriche e lasciò incompiuto Achille et Polyxène . Lully fu uno dei primi esempi di direttore d'orchestra ; batteva il tempo con un grande staff per tenere insieme i suoi gruppi.

Musicalmente, non ha stabilito la norma dominata dagli archi per le orchestre, che è stata ereditata dall'opera italiana, e la disposizione tipicamente francese in cinque parti (violini, viole - nelle dimensioni hautes-contre, tailles e quintes - e violini bassi ) aveva stato utilizzato nel balletto dal tempo di Luigi XIII. Tuttavia, introdusse questo insieme nel teatro lirico, con le parti superiori spesso raddoppiate da flauti dolci, flauti e oboi e il basso da fagotti. Trombe e timpani venivano spesso aggiunti per scene eroiche.

Il periodo medio barocco in Italia è definito dall'emergere degli stili vocali di cantata , oratorio e opera durante gli anni '30 del Seicento e un nuovo concetto di melodia e armonia che elevava lo status della musica a uno di uguaglianza con le parole, che precedentemente era stato considerato preminente. La monodia florida e coloratura del primo barocco lasciò il posto a uno stile melodico più semplice e levigato. Queste melodie sono state costruite da idee brevi, delimitate in modo cadenzato, spesso basate su schemi di danza stilizzati tratti dalla sarabanda o dalla courante . Anche le armonie potrebbero essere più semplici rispetto alla monodia del primo barocco, per mostrare un'espressione più leggera sulla corda e crescendo e diminuendo su note più lunghe. Le linee di basso di accompagnamento erano più integrate con la melodia, producendo un'equivalenza contrappuntistica delle parti che in seguito portò al dispositivo di un'anticipazione di basso iniziale della melodia dell'aria. Questa semplificazione armonica ha portato anche a un nuovo dispositivo formale di differenziazione del recitativo (una parte più parlata dell'opera) e dell'aria (una parte dell'opera che utilizzava melodie cantate). I più importanti innovatori di questo stile furono i romani Luigi Rossi e Giacomo Carissimi , che furono rispettivamente compositori principalmente di cantate e oratori, e il veneziano Francesco Cavalli , che fu principalmente un compositore d'opera. In seguito importanti praticanti di questo stile includono Antonio Cesti , Giovanni Legrenzi e Alessandro Stradella .

Arcangelo Corelli è ricordato come influente per i suoi successi sull'altro lato della tecnica musicale - come violinista che ha organizzato la tecnica e la pedagogia del violino - e nella musica puramente strumentale, in particolare la sua difesa e sviluppo del concerto grosso . Mentre Lully era sistemato a corte, Corelli è stato uno dei primi compositori a pubblicare ampiamente ea far eseguire la sua musica in tutta Europa. Come per la stilizzazione e l'organizzazione dell'opera di Lully, il concerto grosso è costruito su forti contrasti: le sezioni si alternano tra quelle suonate dall'intera orchestra e quelle suonate da un gruppo più piccolo. Sezioni veloci e sezioni lente sono state giustapposte l'una contro l'altra. Tra i suoi allievi è annoverato Antonio Vivaldi , che in seguito compose centinaia di opere basate sui principi delle sonate e dei concerti a trio di Corelli.

In contrasto con questi compositori, Dieterich Buxtehude non era una creatura di corte ma era invece un musicista di chiesa, ricoprendo gli incarichi di organista e Werkmeister alla Marienkirche di Lubecca. I suoi doveri come Werkmeister prevedevano di fungere da segretario, tesoriere e direttore aziendale della chiesa, mentre la sua posizione di organista includeva suonare per tutti i servizi principali, a volte in collaborazione con altri strumentisti o cantanti, che erano anche pagati dalla chiesa. Interamente al di fuori dei suoi doveri ecclesiastici ufficiali, organizzò e diresse una serie di concerti nota come Abendmusiken , che includeva esibizioni di opere teatrali sacre considerate dai suoi contemporanei come l'equivalente delle opere.

Francia:

Musica tardo barocca (1680–1750)

Il lavoro di George Frideric Handel, Johann Sebastian Bach e dei loro contemporanei, tra cui Domenico Scarlatti, Antonio Vivaldi , Jean-Philippe Rameau, Georg Philipp Telemann, e altri fecero avanzare l'era barocca al culmine.

  • alias Alto Barocco

Esordio

Italia:

Marc-Antoine Charpentier
Marc-Antoine Charpentier

Francia:

Adozione più ampia

Italia:

Proliferazione:

Francia:

Europa centrale :

Passaggio all'era classica

Musica galante :

I figli maggiori e gli allievi di Bach :

Scuola di Mannheim :


Cronologia dei compositori

Giovanni Battista Pergolesi Baldassare Galuppi Carlos Seixas Johann Adolf Hasse Riccardo Broschi Johann Joachim Quantz Pietro Locatelli Giuseppe Tartini Leonardo Vinci Johann Friedrich Fasch Francesco Geminiani Nicola Porpora Silvius Leopold Weiss George Frideric Handel Domenico Scarlatti Johann Sebastian Bach Johann Gottfried Walther Jean-Philippe Rameau Johann David Heinichen Georg Philipp Telemann Jan Dismas Zelenka Antonio Vivaldi Tomaso Albinoni Johann Caspar Ferdinand Fischer Antonio Caldara Francois Couperin Alessandro Scarlatti Henry Purcell Marin Marais Arcangelo Corelli Johann Pachelbel Heinrich Ignaz Biber Dieterich Buxtehude Marc Antoine Charpentier Jean-Baptiste Lully Jean-Henri d'Anglebert Johann Heinrich Schmelzer Barbara Strozzi Johann Jakob Froberger Giacomo Carissimi Antonio Bertali William Lawes Francesco Cavalli Samuel Scheidt Heinrich Schütz Girolamo Frescobaldi Gregorio Allegri Claudio Monteverdi Jan Pieterszoon Sweelinck Jacopo Peri

Strumenti

stringhe

Clavicembalo a doppio manuale di Vital Julian Frey, da Jean-Claude Goujon (1749)
Spartiti individuali per un'arpa del diciassettesimo secolo.

Legni

Ottone

Tastiere

Percussione

Stili e forme

Sala da ballo

Esibizione di un grande ensemble strumentale nel sontuoso Teatro Argentina , raffigurato da Panini (1747)

Una caratteristica della forma barocca era la suite da ballo . Alcune suite da ballo di Bach sono chiamate partite , anche se questo termine è usato anche per altre raccolte di brani. Mentre i pezzi in una suite da ballo sono stati ispirati dalla vera musica da ballo, le suite da ballo sono state progettate per l'ascolto, non per i ballerini di accompagnamento. I compositori hanno utilizzato una varietà di diversi movimenti di danza nelle loro suite da ballo. Una suite da ballo è spesso composta dai seguenti movimenti :

  • Overture  - La suite barocca iniziava spesso con un'ouverture francese ("Ouverture" in francese), un movimento lento seguito da una successione di danze di diverso tipo, principalmente le seguenti quattro:
  • Allemande  – Spesso il primo ballo di una suite strumentale , l'allemande era un ballo molto popolare che ebbe le sue origini nell'era del Rinascimento tedesco. L'allemande veniva suonato a un tempo moderato e poteva iniziare su qualsiasi ritmo della battuta.
  • Courante  – Il secondo ballo è il courante, un vivace ballo francese in tre metri . La versione italiana si chiama corrente.
  • Sarabanda  – La sarabanda, una danza spagnola, è la terza delle quattro danze di base ed è una delle più lente delle danze barocche. È anche in metro triplo e può iniziare su qualsiasi battuta della battuta, sebbene vi sia un'enfasi sulla seconda battuta, creando il caratteristico ritmo 'intermittente', o giambico, della sarabanda.
  • Gigue  - La gigue è una danza barocca allegra e vivace in metro composto, tipicamente il movimento conclusivo di una suite strumentale e il quarto dei suoi tipi di danza di base. La giga può iniziare su qualsiasi movimento della battuta ed è facilmente riconoscibile per la sua sensazione ritmica. La gigue è nata nelle isole britanniche . La sua controparte nella musica popolare è il jig .

Questi quattro tipi di danza (allemande, courante, sarabande e gigue) costituiscono la maggior parte delle suite del XVII secolo; le suite successive interpolano uno o più balli aggiuntivi tra la sarabanda e la giga:

  • Gavotte  - La gavotta può essere identificata da una varietà di caratteristiche; è in4
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    tempo e inizia sempre sulla terza battuta della battuta, anche se in alcuni casi può suonare come la prima battuta, poiché la prima e la terza battuta sono le battute forti in tempi quadrupli. La gavotta viene suonata a un tempo moderato, anche se in alcuni casi può essere suonata più velocemente.
  • Bourrée  - La bourrée è simile alla gavotte così com'è2
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    tempo, anche se inizia nella seconda metà dell'ultimo movimento della battuta, creando una sensazione diversa al ballo. La bourrée viene comunemente suonata a un tempo moderato, sebbene per alcuni compositori, come Handel, possa essere eseguita a un tempo molto più veloce.
  • Minuetto  – Il minuetto è forse il più noto dei balli barocchi in metro triplo. Non ha anacrusi. In alcune suite possono esserci un Minuetto I e II, suonati in successione, con il Minuetto I ripetuto ma senza le ripetizioni interne.
  • Passepied  - Il passepied è una danza veloce in forma binaria e metro triplo che ha avuto origine come danza di corte in Bretagna . Esempi possono essere trovati in suite successive come quelle di Bach e Handel.
  • Rigaudon  - Il rigaudon è una vivace danza francese in doppio metro, simile alla bourrée, ma ritmicamente più semplice. Ha avuto origine come una famiglia di danze popolari della Francia meridionale strettamente imparentate, tradizionalmente associate alle province di Vavarais, Linguadoca , Delfinato e Provenza .

Inoltre, ci sono numerose altre forme di danza e altri brani che potrebbero essere inclusi in una suite, come Polonaise , Loure , Scherzo , Air , ecc.

Altre caratteristiche

  • Preludio  : una suite potrebbe essere iniziata da un preludio, un pezzo lento scritto in uno stile improvvisato. Alcuni preludi barocchi non furono completamente scritti; è stata invece indicata una sequenza di accordi, con l'aspettativa che lo strumentista potesse improvvisare una parte melodica utilizzando la struttura armonica indicata. Il preludio non era basato su un tipo di danza.
  • Entrée  - A volte un entrée è composto come parte di una suite; ma lì è musica puramente strumentale e non viene eseguita alcuna danza. È un'introduzione, un pezzo simile a una marcia suonato durante l'ingresso di un gruppo di ballo, o suonato prima di un balletto. Di solito dentro4
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    tempo. È legato all'"intrada" italiana.
  • Basso continuo  - una sorta di accompagnamento continuo annotato con un nuovo sistema di notazione musicale, basso figurato , solitamente per uno o più strumenti bassi di sostegno (es. violoncello ) e uno o più strumenti per suonare gli accordi (es. strumenti a tastiera come clavicembalo , canne organo o liuto )
  • Il concerto (un pezzo solista con accompagnamento orchestrale) e concerto grosso
  • Monody  : una conseguenza della canzone
  • Omofonia  - musica con una voce melodica e accompagnamento cordale ritmicamente simile (e subordinato) (questo e la monodia sono in contrasto con la tipica trama rinascimentale , la polifonia )
  • Forme musicali drammatiche come l'opera, dramma per musica
  • Forme strumentali-vocali combinate, come l' oratorio e la cantata , che utilizzavano entrambi cantanti e orchestra
  • Nuove tecniche strumentali, come tremolo e pizzicato
  • L' aria da capo "godeva la sicurezza".
  • L' aria del ritornello - ripetute brevi interruzioni strumentali di passaggi vocali.
  • Lo stile concertato : contrasto nel suono tra gruppi di strumenti.
  • Ornamenti estesi , tipicamente improvvisati da cantanti e strumentisti (ad esempio, trilli , mordenti , ecc.)

generi

Vocale

Strumentale

Appunti

Riferimenti

Ulteriori letture

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link esterno