Antica arte greca - Ancient Greek art

L' altare ellenistico di Pergamo : da sinistra a destra Nereo , Doris , un gigante , Oceano
Ade rapisce Persefone , pittura murale del IV secolo a.C. nella piccola tomba reale macedone a Vergina

L'arte greca antica si distingue tra quella di altre culture antiche per il suo sviluppo di rappresentazioni naturalistiche ma idealizzate del corpo umano, in cui le figure maschili in gran parte nude erano generalmente al centro dell'innovazione. Il tasso di sviluppo stilistico tra circa il 750 e il 300 aC era notevole per gli standard antichi e nelle opere sopravvissute si vede meglio nella scultura . Ci furono importanti innovazioni nella pittura, che devono essere essenzialmente ricostruite per la mancanza di originali sopravvivenze di qualità, oltre al distinto campo della ceramica dipinta.

L'architettura greca , tecnicamente molto semplice, stabilì uno stile armonioso con numerose convenzioni dettagliate che furono in gran parte adottate dall'architettura romana e sono ancora seguite in alcuni edifici moderni. Usava un vocabolario di ornamento che era condiviso con la ceramica, la lavorazione dei metalli e altri media, e aveva un'enorme influenza sull'arte eurasiatica , specialmente dopo che il buddismo lo portò oltre il mondo greco espanso creato da Alessandro Magno . Il contesto sociale dell'arte greca includeva sviluppi politici radicali e un grande aumento della prosperità; sono ben note le altrettanto impressionanti conquiste greche nella filosofia , nella letteratura e in altri campi.

L'arte più antica dei greci è generalmente esclusa dall'"antica arte greca", e invece conosciuta come arte neolitica greca seguita da arte egea ; quest'ultimo comprende l' arte cicladica e l'arte delle culture minoica e micenea dell'età del bronzo greca . L'arte dell'antica Grecia è solitamente divisa stilisticamente in quattro periodi: geometrico , arcaico , classico ed ellenistico . L'età geometrica è di solito datata intorno al 1000 aC, anche se in realtà si sa poco dell'arte in Grecia durante i precedenti 200 anni, tradizionalmente conosciuti come il Medioevo greco . Il VII secolo aC vide il lento sviluppo dello stile arcaico, come esemplificato dallo stile a figure nere della pittura vascolare. Intorno al 500 a.C., poco prima dell'inizio delle guerre persiane (dal 480 a.C. al 448 a.C.), è generalmente considerato la linea di demarcazione tra il periodo arcaico e quello classico, e il regno di Alessandro Magno (dal 336 a.C. al 323 a.C.) è considerato come separare il periodo classico da quello ellenistico. Da un certo punto del I secolo aC in poi viene utilizzato "greco-romano", o termini più locali per il mondo greco orientale.

In realtà, non c'è stato un brusco passaggio da un periodo all'altro. Forme d'arte si sono sviluppate a velocità diverse nelle diverse parti del mondo greco e, come in ogni epoca, alcuni artisti hanno lavorato in stili più innovativi di altri. Le forti tradizioni locali, e le esigenze dei culti locali , consentono agli storici di individuare le origini anche di opere d'arte rinvenute lontano dal luogo di origine. L'arte greca di vario genere era ampiamente esportata. L'intero periodo ha visto un aumento generalmente costante della prosperità e dei legami commerciali all'interno del mondo greco e con le culture vicine.

Il tasso di sopravvivenza dell'arte greca differisce nettamente tra i media. Abbiamo enormi quantità di ceramiche e monete, molte sculture in pietra, anche se ancora più copie romane, e alcune grandi sculture in bronzo. Mancano quasi del tutto la pittura, vasi di metallo pregiato e qualsiasi cosa in materiali deperibili compreso il legno. Il guscio di pietra di un certo numero di templi e teatri è sopravvissuto, ma poco della loro vasta decorazione.

Ceramica

Particolare di un vaso a figure nere , c. 540. Vengono utilizzati anche il bianco, che non ha portato bene, e un diverso rosso-viola.

Per convenzione, vasi finemente dipinti di tutte le forme sono chiamati "vasi", e ci sono oltre 100.000 pezzi superstiti significativamente completi, che danno (con le iscrizioni che molti portano) intuizioni senza precedenti su molti aspetti della vita greca. Le ceramiche scultoree o architettoniche, anche molto spesso dipinte, sono indicate come terrecotte e sopravvivono anche in grandi quantità. In gran parte della letteratura, "ceramica" significa solo vasi dipinti o "vasi". Ceramiche è stata la principale forma di corredi funerari depositate nelle tombe, spesso come "urne funerarie" contenente le cremati ceneri, ed è stato ampiamente esportato.

Il famoso e caratteristico stile della pittura vascolare greca con figure raffigurate dai contorni decisi, con linee sottili all'interno dei contorni, raggiunse il suo apice dal 600 al 350 a.C. circa, e si divide nei due stili principali, quasi capovolti l'uno dell'altro, del nero -figura e pittura a figure rosse , l'altro colore che forma lo sfondo in ogni caso. Altri colori erano molto limitati, normalmente a piccole aree di bianco e a quelle più grandi di un diverso rosso violaceo. Entro i limiti di queste tecniche e di altre forti convenzioni, i pittori vascolari hanno raggiunto risultati notevoli, combinando raffinatezza e potente espressione. La tecnica del fondo bianco consentiva una maggiore libertà nella rappresentazione, ma non si indossava bene ed era principalmente realizzata per la sepoltura.

Interno di coppa attica a figure rosse , 450 . circa

Convenzionalmente, si dice che gli antichi greci realizzassero la maggior parte dei vasi di ceramica per l'uso quotidiano, non per la visualizzazione. Fanno eccezione i grandi vasi monumentali arcaici realizzati come sepolcri , i trofei vinti ai giochi, come le anfore panatenee ripiene di olio d'oliva, e pezzi realizzati appositamente per essere lasciati nelle tombe; alcune boccette di profumo hanno un fondo salva-soldi appena sotto la bocca, quindi una piccola quantità le fa sembrare piene. Negli ultimi decenni molti studiosi hanno messo in dubbio questo, vedendo una produzione molto maggiore di quella che si pensava in passato come fatta per essere collocata nelle tombe, come sostituto più economico degli articoli in metallo sia in Grecia che in Etruria.

Ceramiche più superstite consiste di navi per la memorizzazione, servire o bere liquidi come anfore , crateri (ciotole per mescolare vino e acqua), Hydria (vasi di acqua), ciotole libagioni, olio e bottiglie di profumo per la toilette, caraffe e bicchieri. I recipienti dipinti per servire e mangiare cibo sono molto meno comuni. La ceramica dipinta era alla portata anche della gente comune, e un pezzo "decentemente decorato con circa cinque o sei figure costava circa due o tre giorni di salario". Anche le miniature furono prodotte in gran numero, principalmente per l'uso come offerte nei templi. Nel periodo ellenistico fu prodotta una gamma più ampia di ceramiche, ma la maggior parte di essa è di scarsa importanza artistica.

Fondo bianco , attico, c. 460, Cilice di Apollo , che versa una libagione , particolare.

In periodi precedenti anche città greche piuttosto piccole producevano ceramiche per il proprio locale. Questi variavano ampiamente nello stile e negli standard. La ceramica distintiva che si classifica come arte è stata prodotta su alcune delle isole dell'Egeo , a Creta e nelle ricche colonie greche dell'Italia meridionale e della Sicilia . Nel tardo periodo arcaico e primo classico, tuttavia, le due grandi potenze commerciali, Corinto e Atene , arrivarono a dominare. La loro ceramica fu esportata in tutto il mondo greco, cacciando le varietà locali. I vasi di Corinto e Atene si trovano fino alla Spagna e all'Ucraina e sono così comuni in Italia che furono raccolti per la prima volta nel XVIII secolo come "vasi etruschi". Molti di questi vasi sono prodotti di serie di bassa qualità. Infatti, dal V secolo aC, la ceramica era diventata un'industria e la pittura su ceramica cessò di essere un'importante forma d'arte.

La gamma di colori che potevano essere usati sui vasi era ristretta dalla tecnologia della cottura: nero, bianco, rosso e giallo erano i più comuni. Nei tre periodi precedenti i vasi lasciavano il loro colore chiaro naturale e venivano decorati con ingobbio che diventava nero nel forno.

La ceramica greca è spesso firmata, a volte dal vasaio o dal maestro della ceramica, ma solo occasionalmente dal pittore. Centinaia di pittori sono, tuttavia, identificabili dalle loro personalità artistiche: dove le loro firme non sono sopravvissute vengono nominati per le loro scelte di soggetto, come "il Pittore di Achille ", dal vasaio per cui lavorarono, come il Tardo arcaico " Kleophrades Painter " , o anche dalle loro sedi moderne, come il " pittore di Berlino " tardo arcaico .

Storia

Cratere geometrico medio , alto 99 cm, attico, c. 800-775 aC

La storia della ceramica greca antica è divisa stilisticamente in cinque periodi:

  • il Protogeometrico del 1050 a.C. circa
  • il geometrico da circa 900 aC
  • il Tardo Geometrico o Arcaico del 750 aC circa
  • la figura nera dell'inizio del VII secolo a.C.
  • e la figura rossa del 530 a.C. circa

Durante i periodi Protogeometrico e Geometrico , la ceramica greca era decorata con disegni astratti, nel primo solitamente eleganti e di grandi dimensioni, con molto spazio non dipinto, ma nel Geometrico spesso coprendo fittamente la maggior parte della superficie, come nei grandi vasi del Maestro Dipylon , che lavorò intorno al 750. Lui e altri ceramisti del suo tempo iniziarono a introdurre sagome molto stilizzate di uomini e animali, in particolare cavalli. Questi rappresentano spesso processioni funebri, o battaglie, presumibilmente rappresentative di quelle combattute dal defunto.

Alla fase geometrica seguì un periodo orientalizzante alla fine dell'VIII secolo, quando alcuni animali, molti mitici o non originari della Grecia (come rispettivamente la sfinge e il leone) furono adattati dal Vicino Oriente, accompagnati da motivi decorativi, come il loto e la palmetta. Questi sono stati mostrati molto più grandi delle figure precedenti. Lo stile della capra selvatica è una variante regionale, che mostra molto spesso le capre . Le figure umane non furono così influenzate dall'Oriente, ma divennero anche più grandi e dettagliate.

La tecnica a figure nere completamente matura , con l'aggiunta di dettagli rossi e bianchi e incisioni per contorni e dettagli, ebbe origine a Corinto all'inizio del VII secolo aC e fu introdotta in Attica circa una generazione dopo; fiorì fino alla fine del VI secolo aC. La tecnica a figure rosse , inventata intorno al 530 aC, ha invertito questa tradizione, con i vasi dipinti di nero e le figure dipinte in rosso. I vasi a figure rosse sostituirono lentamente lo stile a figure nere. A volte i vasi più grandi erano incisi e dipinti. I temi erotici, sia eterosessuali che omosessuali maschili , divennero comuni.

Intorno al 320 aC la bella pittura vascolare figurativa era cessata ad Atene e in altri centri greci, con lo stile policromo di Kerch un'ultima fioritura; fu probabilmente sostituito da carpenteria metallica per la maggior parte delle sue funzioni. West Slope Ware , con motivi decorativi su un corpo smaltato nero , continuò per oltre un secolo dopo. La pittura italiana a figure rosse terminò intorno al 300, e nel secolo successivo i vasi Hadra relativamente primitivi , probabilmente da Creta , le ceramiche Centuripe dalla Sicilia e le anfore panatenaiche , ormai una tradizione congelata, erano gli unici grandi vasi dipinti ancora realizzati.

Lavorazione in metallo

Il Cratere Derveni , IV secolo a.C., con Dioniso e Arianna visti qui.

La lavorazione dei metalli fini era un'arte importante nell'antica Grecia, ma la produzione successiva è molto scarsamente rappresentata da sopravvivenze, la maggior parte delle quali provengono dai confini del mondo greco o oltre, dalla Francia o dalla Russia. Navi e gioielli sono stati prodotti secondo standard elevati ed esportati lontano. Gli oggetti in argento, che all'epoca valevano più rispetto all'oro che ai tempi moderni, erano spesso incisi dal fabbricante con il loro peso, poiché erano trattati in gran parte come riserve di valore e probabilmente venivano venduti o rifusi prima del tempo. lungo.

Durante le fasi geometriche e arcaica, la produzione di grandi serbatoi metallici era un'importante espressione di creatività greca, e una fase importante nello sviluppo di tecniche bronzeworking, come la fusione e sbalzo martellamento. I primi santuari, in particolare Olimpia , hanno restituito molte centinaia di vasi tripodi o vasi sacrificali , per lo più in bronzo , depositati come votivi . Questi avevano una ciotola poco profonda con due manici sollevati in alto su tre gambe; nelle versioni successive il supporto e la ciotola erano pezzi diversi. Durante il periodo orientalizzante, tali tripodi erano frequentemente decorati con protomi figurali , a forma di grifoni , sfingi e altre creature fantastiche.

Le spade, l' elmo greco e spesso le armature per il corpo come la corazza muscolare erano realizzate in bronzo, a volte decorate in metallo prezioso, come nella corazza Ksour Essef del III secolo . Armatura e "fasce-scudi" sono due dei contesti per lembi di scene a bassorilievo arcaiche, che erano anche attaccate a vari oggetti in legno; la band sul Vix Krater è un grande esempio. Altro oggetto di uso comune erano gli specchi in bronzo lucido, inizialmente con schienali decorati e maniglie in kore; il successivo tipo "specchio pieghevole" aveva pezzi di copertura incernierati, spesso decorati con una scena a rilievo, tipicamente erotica. Le monete sono descritte di seguito.

Dal tardo arcaico la migliore lavorazione dei metalli ha tenuto il passo con gli sviluppi stilistici della scultura e delle altre arti, e Fidia è tra gli scultori noti per averla praticata. Il gusto ellenistico incoraggiava esibizioni molto intricate di virtuosismo tecnico, tendendo a "astuzia, fantasia o eccessiva eleganza". Molte o la maggior parte delle forme delle ceramiche greche sono state prese da forme usate per la prima volta in metallo, e negli ultimi decenni c'è stata una visione crescente che gran parte dei più bei vasi pittorici riutilizzati disegni da argentieri per vasi con incisioni e sezioni placcate in un metallo diverso, lavorando da disegni disegnati.

Sopravvivenze eccezionali di quella che potrebbe essere stata una classe relativamente comune di grandi vasi di bronzo sono due crateri a volute , per mescolare vino e acqua. Questi sono il Vix Krater , c. 530 aC, alto 1,63 m (5'4") e oltre 200 kg (450 libbre) di peso, con una capacità di circa 1.100 litri e trovato nella sepoltura di una donna celtica nella Francia moderna, e nel cratere Derveni del IV secolo , 90,5 cm (35 pollici) di altezza. Le élite di altri vicini dei greci, come i Traci e gli Sciti , erano appassionati consumatori di oggetti in metallo greci e probabilmente serviti da orafi greci stabiliti nei loro territori, che adattavano i loro prodotti al gusto locale Tali pezzi ibridi formano gran parte dei sopravvissuti, tra cui il Tesoro di Panagyurishte , il Tesoro di Borovo e altri tesori della Tracia , e diverse sepolture scitiche, che probabilmente contenevano opere di artisti greci con sede negli insediamenti greci sul Mar Nero . Come con altre arti di lusso, il cimitero reale macedone di Vergina ha prodotto oggetti di alta qualità dalla cuspide dei periodi classico ed ellenistico.

I gioielli per il mercato greco sono spesso di ottima qualità, con una forma insolita costituita da ghirlande d'oro intricate e molto delicate che imitano forme vegetali, indossate sulla testa. Questi erano probabilmente raramente, se mai, indossati in vita, ma erano dati come votivi e indossati in morte. Molti dei ritratti di mummie Fayum li indossano. Alcuni pezzi, specialmente nel periodo ellenistico, sono abbastanza grandi da offrire spazio per le figure, così come il gusto scitico per pezzi relativamente consistenti in oro.

Scultura monumentale

Cavalieri dal fregio del Partenone , intorno al 440 a.C.

I greci decisero molto presto che la forma umana era il soggetto più importante per lo sforzo artistico. Considerando che i loro dei avevano una forma umana, c'era poca distinzione tra il sacro e il secolare nell'arte: il corpo umano era sia secolare che sacro. Un nudo maschile di Apollo o Eracle aveva solo lievi differenze di trattamento con uno dei campioni olimpici di boxe di quell'anno. Nel periodo arcaico la forma scultorea più importante era il kouros (plurale kouroi ), il nudo maschile in piedi (vedi ad esempio Biton e Kleobis ). Anche il kore (plurale korai ), o figura femminile vestita in piedi, era comune, ma poiché la società greca non consentiva l'esposizione pubblica di nudità femminile fino al IV secolo a.C., il kore è considerato di minore importanza nello sviluppo della scultura . Alla fine del periodo la scultura architettonica sui templi stava diventando importante.

Come per la ceramica, i greci non producevano sculture monumentali solo per esibizioni artistiche. Le statue erano commissionate da individui aristocratici o dallo stato, e utilizzate per commemorazioni pubbliche, come offerte a templi, oracoli e santuari (come è spesso dimostrato dalle iscrizioni sulle statue), o come segnalini per tombe. Le statue del periodo arcaico non erano tutte destinate a rappresentare individui specifici. Erano rappresentazioni di un ideale: bellezza, pietà, onore o sacrificio. Si trattava sempre di raffigurazioni di giovani uomini, di età compresa tra l'adolescenza e la prima maturità, anche se poste sulle tombe di cittadini (presumibilmente) anziani. I Kouroi erano tutti stilisticamente simili. Le graduazioni nella statura sociale della persona che commissionava la statua erano indicate dalle dimensioni piuttosto che dalle innovazioni artistiche.

A differenza degli autori, coloro che praticavano le arti visive, compresa la scultura, inizialmente avevano uno status sociale basso nell'antica Grecia, sebbene scultori sempre più importanti potessero diventare famosi e piuttosto ricchi, e spesso firmavano le loro opere (sfortunatamente, spesso sul piedistallo, che in genere diventava separato dalla statua stessa). Plutarco ( Vita di Pericle , II) disse: "ammiriamo l'opera d'arte ma disprezziamo chi l'ha fatta"; questa era una visione comune nel mondo antico. La scultura greca antica è classificata dai consueti periodi stilistici di "arcaico", "classico" ed "ellenistico", cui si aggiungono alcuni extra che si applicano principalmente alla scultura, come lo stile dedalico orientalizzante e lo stile severo della prima scultura classica.

Materiali, forme

Rara grande statua in terracotta tardo arcaica di Zeus e Ganimede , Olimpia .

Le sculture greche antiche sopravvissute erano per lo più fatte di due tipi di materiale. La pietra, in particolare il marmo o altri calcari di alta qualità, era usata più frequentemente e scolpita a mano con strumenti di metallo. Le sculture in pietra potevano essere autoportanti completamente scolpite a tutto tondo (statue), o rilievi solo parzialmente scolpiti ancora attaccati a una placca di fondo, ad esempio nei fregi architettonici o nelle stele tombali .

Le statue di bronzo erano di rango più elevato, ma sono sopravvissute in numero molto inferiore, a causa della riutilizzabilità dei metalli. Di solito erano realizzati con la tecnica della cera persa . Le statue crisoelefantine , o in oro e avorio, erano le immagini di culto nei templi ed erano considerate la più alta forma di scultura, ma sono sopravvissuti solo alcuni pezzi frammentari. Erano normalmente a grandezza naturale, costruiti attorno a una cornice di legno, con sottili lastre d' avorio intagliate che rappresentano la carne e fogli di foglia d'oro , probabilmente su legno, che rappresentano gli indumenti, le armature, i capelli e altri dettagli.

In alcuni casi, pasta di vetro, vetro e pietre preziose e semipreziose sono state utilizzate per dettagli come occhi, gioielli e armi. Altre grandi statue acrolitiche usavano la pietra per le parti in carne, e il legno per il resto, e le statue di marmo avevano talvolta acconciature in stucco . La maggior parte delle sculture era dipinta (vedi sotto), e molti indossavano gioielli veri e avevano occhi intarsiati e altri elementi in materiali diversi.

Occasionalmente veniva impiegata la terracotta, per grandi statue. Pochi esempi di questo sono sopravvissuti, almeno in parte a causa della fragilità di tali statue. L'eccezione più nota a questa è una statua di Zeus che trasporta Ganimede trovata ad Olimpia , eseguita intorno al 470 a.C. In questo caso la terracotta è dipinta. C'erano indubbiamente sculture puramente in legno, che possono essere state molto importanti nei primi periodi, ma in effetti non sono sopravvissute.

Arcaico

Kleobis e Biton , kouroi del periodo arcaico, c. 580 aC, Museo Archeologico di Delfi

L' arte cicladica dell'età del bronzo , intorno al 1100 a.C., aveva già mostrato un'insolita attenzione per la figura umana, di solito mostrata in una semplice posizione frontale e in piedi con le braccia incrociate sullo stomaco. Tra le caratteristiche più piccole erano scolpiti solo il naso, a volte gli occhi e il seno femminile, anche se le figure erano apparentemente dipinte di solito e potrebbero aver originariamente avuto un aspetto molto diverso.

Ispirandosi alla monumentale scultura in pietra dell'Egitto e della Mesopotamia , durante il periodo arcaico i Greci ricominciarono a scolpire nella pietra. Le figure autoportanti condividono la solidità e l'atteggiamento frontale caratteristici dei modelli orientali, ma le loro forme sono più dinamiche di quelle della scultura egiziana, come ad esempio la Dama di Auxerre e il Torso di Hera (primo periodo arcaico, c. 660-580 a.C., entrambi al Louvre, Parigi). Dopo il 575 a.C. circa, figure come queste, sia maschili che femminili, portavano il cosiddetto sorriso arcaico . Questa espressione, che non ha una specifica adeguatezza alla persona o alla situazione raffigurata, potrebbe essere stata un espediente per conferire alle figure una caratteristica umana distintiva.

Prevalevano tre tipi di figure: il giovane nudo in piedi (kouros), la ragazza drappeggiata in piedi (kore) e, meno frequentemente, la donna seduta. Tutti enfatizzano e generalizzano i tratti essenziali della figura umana e mostrano una comprensione sempre più accurata dell'anatomia umana. I giovani erano statue sepolcrali o votive. Ne sono un esempio Apollo (Metropolitan Museum of Art, New York), opera giovanile; lo Strangford Apollo di Anafi (British Museum, Londra), opera molto più tarda; e l'Anavyssos Kouros ( Museo Archeologico Nazionale di Atene ). Più della muscolatura e della struttura scheletrica è visibile in questa statua che nelle opere precedenti. Le ragazze in piedi e drappeggiate hanno una vasta gamma di espressioni, come nelle sculture del Museo dell'Acropoli di Atene . Il loro drappeggio è scolpito e dipinto con la delicatezza e la meticolosità tipiche dei dettagli della scultura di questo periodo.

Rilievi arcaici sono sopravvissuti da molte tombe e da edifici più grandi a Foce del Sele (ora nel museo di Paestum ) in Italia, con due gruppi di pannelli di metope , da circa 550 e 510, e il Tesoro dei Sifni a Delfi, con fregi e un piccolo frontone . Parti, tutte ora nei musei locali, sopravvivono dei grandi gruppi di frontoni triangolari del Tempio di Artemide, Corfù (c. 580), dominato da un'enorme Gorgone , e del Vecchio Tempio di Atena ad Atene (c. 530-500).

Classico

Il Bronzo Artemision , Poseidone o Zeus , c. 460 aC, Museo Archeologico Nazionale , Atene . Questo capolavoro di scultura classica fu trovato dai pescatori al largo di Capo Artemisio nel 1928. È alto più di 2 m.

Nel periodo classico ci fu una rivoluzione nella statuaria greca, solitamente associata all'introduzione della democrazia e alla fine della cultura aristocratica associata al kouroi . Il periodo classico ha visto cambiamenti nello stile e nella funzione della scultura. Le pose divennero più naturalistiche (vedi l' Auriga di Delfi per un esempio del passaggio a una scultura più naturalistica) e l'abilità tecnica degli scultori greci nel rappresentare la forma umana in una varietà di pose aumentò notevolmente. Dal 500 aC circa le statue iniziarono a raffigurare persone reali. Si dice che le statue di Armodio e Aristogitone erette ad Atene per segnare il rovesciamento della tirannia siano stati i primi monumenti pubblici a persone reali.

"Il primo vero ritratto di un individuo europeo": copia di epoca romana di un busto di Temistocle perduto nel 470 aC in stile Severo .

Allo stesso tempo la scultura e le statue furono utilizzate per usi più ampi. I grandi templi dell'era classica come il Partenone ad Atene e il Tempio di Zeus ad Olimpia, richiedevano sculture in rilievo per fregi decorativi e sculture a tutto tondo per riempire i campi triangolari dei frontoni . La difficile sfida estetica e tecnica ha stimolato molto in termini di innovazione scultorea. Purtroppo queste opere sopravvivono solo in frammenti, i più famosi dei quali sono i Marmi del Partenone , metà dei quali si trovano al British Museum.

La statuaria funeraria si è evoluta durante questo periodo dal kouros rigido e impersonale del periodo arcaico ai gruppi familiari altamente personali del periodo classico. Questi monumenti si trovano comunemente nei sobborghi di Atene, che anticamente erano cimiteri alla periferia della città. Sebbene alcuni di essi rappresentino tipi "ideali" - la madre in lutto, il figlio rispettoso - raffiguravano sempre più persone reali, mostrando in genere il defunto che si congedava dignitosamente dalla sua famiglia. Sono tra i resti più intimi e toccanti degli antichi greci.

Nel periodo classico conosciamo per la prima volta i nomi dei singoli scultori. Fidia ha supervisionato la progettazione e la costruzione del Partenone . Prassitele rese rispettabile il nudo femminile per la prima volta nel periodo tardo classico (metà del IV secolo): la sua Afrodite di Cnido , che sopravvive in copie, fu definita da Plinio la più grande statua del mondo.

Le opere più famose del periodo classico per i contemporanei erano la colossale Statua di Zeus ad Olimpia e la Statua di Atena Parthenos nel Partenone. Entrambi erano criselefantini ed eseguiti da Fidia o sotto la sua direzione, e sono ora perduti, sebbene esistano ancora copie più piccole (in altri materiali) e buone descrizioni di entrambi. Le loro dimensioni e magnificenza spinsero gli imperatori a catturarli nel periodo bizantino , ed entrambi furono trasferiti a Costantinopoli , dove furono successivamente distrutti dagli incendi.

Ellenistico

La Venere di Milo , scoperta nell'isola greca di Milos , 130-100 a.C., Louvre

Il passaggio dal periodo classico a quello ellenistico avvenne nel IV secolo a.C. In seguito alle conquiste di Alessandro Magno (336 a.C.-323 a.C.), la cultura greca si diffuse fino all'India , come rivelano gli scavi di Ai-Khanoum nell'Afghanistan orientale , e la civiltà dei greco-battriani e degli indo-greci . L'arte greco-buddista rappresentava un sincretismo tra l'arte greca e l'espressione visiva del buddismo. Così l'arte greca divenne più diversificata e più influenzata dalle culture dei popoli attirati nell'orbita greca.

Secondo alcuni storici dell'arte, è anche diminuito in qualità e originalità. Questo, però, è un giudizio che gli artisti e gli amanti dell'arte dell'epoca non avrebbero condiviso. In effetti, molte sculture precedentemente considerate capolavori classici sono ora riconosciute come ellenistiche. L'abilità tecnica degli scultori ellenistici è chiaramente evidente in opere importanti come la Vittoria alata di Samotracia e l' altare di Pergamo . Nuovi centri di cultura greca, in particolare nella scultura, si svilupparono ad Alessandria , Antiochia , Pergamo e in altre città, dove le nuove monarchie erano laute mecenate. Nel II secolo la potenza nascente di Roma aveva anche assorbito gran parte della tradizione greca, e anche una proporzione crescente dei suoi prodotti.

Durante questo periodo la scultura divenne più naturalistica, e anche espressiva; l'interesse nel rappresentare gli estremi dell'emozione a volte spinto all'estremo. Soggetti di genere di persone comuni, donne, bambini, animali e scene domestiche divennero soggetti accettabili per la scultura, commissionata da famiglie benestanti per l'ornamento delle loro case e giardini; il Ragazzo con la Spina ne è un esempio. Furono prodotti ritratti realistici di uomini e donne di tutte le età e gli scultori non si sentivano più obbligati a rappresentare le persone come ideali di bellezza o perfezione fisica.

Il mondo di Dioniso , un idillio pastorale popolato da satiri , menadi , ninfe e sileni , era stato spesso raffigurato in precedenti pitture vascolari e figurine, ma raramente in sculture a grandezza naturale. Ora tali opere furono fatte, sopravvissute in copie tra cui il Fauno Barberini , il Torso di Belvedere e il Satiro che riposa ; i Centauri Furietti e l' Ermafrodito dormiente riflettono temi correlati. Allo stesso tempo, le nuove città ellenistiche sorte in tutto l' Egitto , la Siria e l' Anatolia richiedevano statue raffiguranti gli dei e gli eroi della Grecia per i loro templi e luoghi pubblici. Questo fece della scultura, come della ceramica, un'industria, con la conseguente standardizzazione e qualche abbassamento della qualità. Per questi motivi sono sopravvissute molte più statue ellenistiche rispetto al periodo classico.

Alcune delle sculture ellenistiche più note sono la Vittoria alata di Samotracia (II o I secolo a.C.), la statua di Afrodite dall'isola di Melos conosciuta come la Venere di Milo (metà del II secolo a.C.), il Gallo morente (circa 230 a.C.), e il gruppo monumentale Laocoonte e i suoi figli (fine I secolo a.C.). Tutte queste statue raffigurano temi classici, ma il loro trattamento è molto più sensuale ed emotivo di quanto avrebbe permesso il gusto austero del periodo classico o le sue capacità tecniche.

Il gruppo di statue a più figure era un'innovazione ellenistica, probabilmente del 3 ° secolo, prendendo le epiche battaglie dei precedenti rilievi del frontone del tempio dalle loro pareti e posizionandole come gruppi di statue a grandezza naturale. Il loro stile è spesso chiamato " barocco ", con pose del corpo stravagantemente contorte ed espressioni intense nei volti. I rilievi sull'altare di Pergamo sono i sopravvissuti originali più vicini, ma si ritiene che diverse opere ben note siano copie romane di originali ellenistici. Questi includono il Gallo morente e il Gallo Ludovisi , così come un meno noto Gallo in ginocchio e altri, tutti ritenuti copiare le commissioni di Pergamena di Attalo I per commemorare la sua vittoria intorno al 241 sui Galli di Galazia , probabilmente comprendente due gruppi.

Il Gruppo Laocoonte , il Toro Farnese , Menelao che sorregge il corpo di Patroclo ("gruppo Pasquino"), Arrotino , e le sculture di Sperlonga , sono altri esempi. Dal II secolo lo stile neo-attico o neoclassico è visto da diversi studiosi sia come una reazione agli eccessi barocchi, ritornando a una versione dello stile classico, sia come una continuazione dello stile tradizionale per le statue di culto. I laboratori nello stile divennero principalmente produttori di copie per il mercato romano, che preferiva copie di pezzi classici piuttosto che ellenistici.

Le scoperte fatte dalla fine del XIX secolo intorno all'antica città egiziana di Heracleum (ora sommersa) includono una rappresentazione di Iside del IV secolo a.C., insolitamente sensuale, dettagliata e femminista (al contrario di quella deificata) , che segna una combinazione di egiziano ed ellenistico forme che iniziano intorno al periodo della conquista dell'Egitto da parte di Alessandro Magno . Tuttavia questo non era tipico della scultura di corte tolemaica , che generalmente evitava di mescolare stili egiziani con il suo stile ellenistico abbastanza convenzionale, mentre i templi nel resto del paese continuavano a utilizzare versioni tardive delle formule egiziane tradizionali. Gli studiosi hanno proposto uno "stile alessandrino" nella scultura ellenistica, ma in effetti c'è poco che lo colleghi ad Alessandria.

La scultura ellenistica fu anche caratterizzata da un aumento di scala, che culminò nel Colosso di Rodi (fine del III secolo), che aveva le stesse dimensioni della Statua della Libertà . L'effetto combinato di terremoti e saccheggi ha distrutto questa e altre grandissime opere di questo periodo.

figurine

Figurine di terracotta

Vaso in ceramica a forma di Afrodite all'interno di una conchiglia; da Attica , Grecia classica , scoperta nel Phanagoria cimitero, Taman Penisola ( Bosforo Unito , Russia meridionale ), 1 ° trimestre del 4 ° secolo aC, Museo dell'Ermitage , San Pietroburgo .

L'argilla è un materiale frequentemente utilizzato per la realizzazione di statuette votive o idoli, anche prima della civiltà minoica e continuando fino al periodo romano. Durante l'VIII secolo a.C. le tombe in Beozia contengono spesso "idoli a campana", statuine femminili con gambe mobili: la testa, piccola rispetto al resto del corpo, è appollaiata all'estremità di un lungo collo, mentre il corpo è molto pieno, a forma di campana. Le tombe degli eroini arcaiche , per gli eroi locali, potrebbero ricevere un gran numero di figurine di forma rozza, con figurazione rudimentale, che rappresentano generalmente personaggi con le braccia alzate.

Nel periodo ellenistico la maggior parte delle statuette in terracotta hanno perso la loro natura religiosa e rappresentano personaggi della vita quotidiana. Le figurine di Tanagra , provenienti da uno dei numerosi centri di produzione, sono prodotte in serie utilizzando stampi e poi dipinte dopo la cottura. Bambole, figure di dame vestite alla moda e di attori, alcuni di questi probabilmente ritratti, furono tra i nuovi soggetti, raffigurati con uno stile raffinato. Questi erano economici e inizialmente esposti in casa proprio come le moderne figurine ornamentali, ma erano spesso sepolti con i loro proprietari. Allo stesso tempo, città come Alessandria , Smirne o Tarso hanno prodotto un'abbondanza di figurine grottesche, che rappresentano individui con membri deformi, occhi sporgenti e contorti. Tali figurine erano anche realizzate in bronzo.

Per le terrecotte architettoniche dipinte, vedere Architettura sotto.

Figurine di metallo

Figurine di metallo, principalmente bronzo, sono un ritrovamento estremamente comune nei primi santuari greci come Olimpia , dove sono stati trovati migliaia di tali oggetti, per lo più raffiguranti animali. Di solito sono prodotti con la tecnica della cera persa e possono essere considerati la fase iniziale nello sviluppo della scultura in bronzo greca. I motivi più comuni durante il periodo geometrico erano cavalli e cervi, ma sono raffigurati anche cani, bovini e altri animali. Occasionalmente compaiono figure umane. La produzione di piccoli votivi metallici continuò per tutta l'antichità greca. In epoca classica ed ellenistica si diffusero anche statuette in bronzo più elaborate, strettamente legate alla scultura monumentale . Gli esempi di alta qualità sono stati accuratamente raccolti dai ricchi greci e in seguito dai romani, ma relativamente pochi sono sopravvissuti.

Architettura

Due templi greci del primo ordine arcaico dorico a Paestum , in Italia, con capitelli molto più larghi di quelli successivi.
Tempio di Efesto , Atene , dorico maturo ben conservato, fine del V secolo a.C.

L'architettura (che significa edifici eseguiti secondo un design esteticamente considerato) cessò in Grecia dalla fine del periodo miceneo (circa 1200 aC) fino al VII secolo, quando la vita e la prosperità urbane ripresero al punto da poter intraprendere l'edilizia pubblica. Poiché la maggior parte degli edifici greci nei periodi arcaico e antico erano fatti di legno o mattoni di fango , di essi non rimane nulla tranne alcune planimetrie, e non ci sono quasi fonti scritte sull'architettura antica o sulle descrizioni degli edifici. La maggior parte della nostra conoscenza dell'architettura greca proviene dagli edifici sopravvissuti del periodo tardo arcaico, classico, ellenistico e romano (poiché l' antica architettura romana usava pesantemente gli stili greci) e da fonti scritte tardive come Vitruvio (I secolo a.C.). Ciò significa che c'è una forte propensione verso i templi , gli edifici principali più comuni per sopravvivere. Qui i blocchi squadrati di pietra usati per i muri servivano per costruzioni successive, e così spesso tutto ciò che sopravvive sono parti di colonne e metope più difficili da riciclare.

Per la maggior parte del periodo è stato utilizzato un rigoroso sistema di costruzione di pilastri e architravi in pietra , tenuto in posizione solo dalla gravità. La mensola era conosciuta nella Grecia micenea e l' arco era conosciuto al più tardi dal V secolo, ma fino al periodo romano non fu fatto quasi alcun uso di queste tecniche. Il legno è stato utilizzato solo per i soffitti e le travi del tetto in prestigiosi edifici in pietra. L'uso di grandi tegole in cotto, tenute in posizione solo da scanalature, richiedeva che i tetti avessero una falda bassa.

Fino all'epoca ellenistica solo gli edifici pubblici venivano costruiti utilizzando lo stile formale della pietra; questi includevano soprattutto i templi e gli edifici del tesoro più piccoli che spesso li accompagnavano, e furono costruiti a Delfi da molte città. Altri tipi di edifici, spesso non coperti, erano l' agorà centrale , spesso con una o più stoa colonnate intorno, i teatri , il ginnasio e palestra o scuola di lotta, l' ekklesiasterion o bouleuterion per le assemblee e i propilei o porte monumentali. Gli edifici rotondi per varie funzioni erano chiamati a tholos e le strutture in pietra più grandi erano spesso mura difensive della città.

Le tombe furono per la maggior parte del periodo realizzate solo come elaborate mausolee ai margini del mondo greco, specialmente in Anatolia. Le case private erano costruite intorno a un cortile dove i fondi consentivano e mostravano pareti vuote sulla strada. A volte avevano una seconda storia, ma molto raramente seminterrati. Di solito erano costruiti nella migliore delle ipotesi con le macerie e si sa relativamente poco di loro; almeno per i maschi, gran parte della vita veniva trascorsa al di fuori di loro. Alcuni palazzi del periodo ellenistico sono stati scavati.

Il Tesoro ateniese ricostruito a Delfi

I templi e alcuni altri edifici come i tesori di Delfi furono progettati come un cubo o, più spesso, un rettangolo fatto di calcare , di cui la Grecia ha abbondanza, e che fu tagliato in grandi blocchi e vestito. Questo era integrato da colonne, almeno sul fronte d'ingresso, e spesso su tutti i lati. Altri edifici avevano una pianta più flessibile e anche le case più ricche sembrano mancare di molti ornamenti esterni. Il marmo era un materiale da costruzione costoso in Grecia: il marmo di alta qualità proveniva solo dal Monte Pentelus in Attica e da alcune isole come Paro , e il suo trasporto in grandi blocchi era difficile. Fu utilizzato principalmente per la decorazione scultorea , non strutturalmente, tranne che negli edifici più grandiosi del periodo classico come il Partenone di Atene.

C'erano due principali ordini classici dell'architettura greca, il dorico e lo ionico , con l' ordine corinzio che apparve solo nel periodo classico e non divenne dominante fino al periodo romano. Le caratteristiche più evidenti dei tre ordini sono i capitelli delle colonne, ma ci sono differenze significative in altri punti di disegno e decorazione tra gli ordini. Questi nomi erano usati dagli stessi greci e riflettevano la loro convinzione che gli stili discendessero dai greci dorici e ionici dei secoli bui, ma è improbabile che ciò sia vero. Il dorico fu il più antico, probabilmente comparso per la prima volta in pietra all'inizio del VII secolo, essendosi sviluppato (sebbene forse non molto direttamente) dai predecessori in legno. Era usato nella Grecia continentale e nelle colonie greche in Italia. Lo stile ionico fu utilizzato per la prima volta nelle città della Ionia (ora costa occidentale della Turchia) e in alcune isole dell'Egeo, probabilmente a partire dal VI secolo. Lo stile dorico era più formale e austero, quello ionico più rilassato e decorativo. L'ordine corinzio più ornato era uno sviluppo successivo dello ionico, inizialmente apparentemente utilizzato solo all'interno degli edifici e utilizzando forme ioniche per tutto tranne che per i capitelli. Il famoso e ben conservato Monumento Corinzio di Lisicrate vicino all'Acropoli di Atene (335/334) è il primo uso noto dell'ordine corinzio all'esterno di un edificio.

La maggior parte degli edifici greci sopravvissuti più noti, come il Partenone e il Tempio di Efesto ad Atene, sono dorici. L' Eretteo , vicino al Partenone, invece, è ionico. L'ordine ionico divenne dominante nel periodo ellenistico, poiché il suo stile più decorativo si adattava meglio all'estetica del periodo rispetto al dorico più sobrio. Alcuni dei migliori edifici ellenistici sopravvissuti, come la Biblioteca di Celso , possono essere visti in Turchia, in città come Efeso e Pergamo . Ma nella più grande delle città ellenistiche, Alessandria d' Egitto , non sopravvive quasi nulla.

Design della moneta

Tetradramma ateniese con testa di Atena e gufo , dopo il 449 a.C. La moneta più accettata nel mondo mediterraneo.
Oro 20 statere di Eucratide di Battriana circa 150 aC, la più grande moneta d'oro dell'antichità. 169,2 grammi, diametro 58 mm.

Le monete furono (probabilmente) inventate in Lidia nel VII secolo a.C., ma furono inizialmente ampiamente utilizzate dai Greci, e i Greci stabilirono il canone del design delle monete che è stato seguito da allora. Il design delle monete oggi segue ancora in modo riconoscibile i modelli discendenti dall'antica Grecia. I greci non vedevano il design delle monete come una delle principali forme d'arte, sebbene alcune fossero progettate in modo costoso da importanti orafi, specialmente al di fuori della stessa Grecia, tra i regni dell'Asia centrale e nelle città siciliane desiderose di promuoversi. Tuttavia, la durabilità e l'abbondanza delle monete le hanno rese una delle più importanti fonti di conoscenza dell'estetica greca. Le monete greche sono l'unica forma d'arte del mondo greco antico che può ancora essere acquistata e posseduta da collezionisti privati ​​di modesti mezzi.

Le monete più diffuse, utilizzate ben oltre i loro territori nativi e copiate e forgiate da altri, erano il tetradramma ateniese , emesso dal c. 510 a c. 38 aC, e in età ellenistica il tetradramma macedone , entrambi d'argento. Entrambi hanno mantenuto lo stesso design familiare per lunghi periodi. I designer greci hanno iniziato la pratica di mettere un ritratto di profilo sul dritto delle monete. Questo era inizialmente un ritratto simbolico del dio protettore o dea della città che emette la moneta: Atena per Atene , Apollo a Corinto, Demetra a Tebe e così via. Successivamente furono usate teste di eroi della mitologia greca, come Eracle sulle monete di Alessandro Magno .

I primi ritratti umani sulle monete sono state quelle di Impero achemenide Satrapi in Asia Minore , a cominciare dai generali ateniesi esiliati Temistocle che è diventato un satrapo di Magnesia circa 450 aC, e continuando in particolare con i dinasti di Licia verso la fine del 5 ° secolo. Le città greche in Italia come Siracusa iniziarono a mettere le teste di persone reali sulle monete nel IV secolo aC, così come i successori ellenistici di Alessandro Magno in Egitto , Siria e altrove. Sul rovescio delle loro monete le città greche mettono spesso un simbolo della città: una civetta per Atene, un delfino per Siracusa e così via. Anche la collocazione di iscrizioni sulle monete iniziò in epoca greca. Tutte queste usanze furono poi proseguite dai Romani.

Le monete artisticamente più ambiziose, progettate da orafi o incisori di gemme, provenivano spesso dai confini del mondo greco, da nuove colonie nel primo periodo e da nuovi regni in seguito, come forma di commercializzazione dei loro "marchi" in termini moderni. Tra le città più grandi, anche Corinto e Siracusa emettevano monete costantemente attraenti. Alcune delle monete greco-battriane sono considerate i migliori esempi di monete greche con grandi ritratti con "una bella miscela di realismo e idealizzazione", comprese le più grandi monete coniate nel mondo ellenistico: la più grande moneta d'oro fu coniata da Eucratide ( regnò nel 171-145 aC), la più grande moneta d'argento del re indo-greco Aminta Nikator (regnò nel 95-90 aC circa). I ritratti "mostrano un grado di individualità mai eguagliato dalle raffigurazioni spesso blande dei loro contemporanei reali più a ovest".

La pittura

Affresco della tomba macedone di Agios Athanasios, Salonicco , Grecia, IV secolo a.C.

I greci sembrano aver valutato la pittura al di sopra persino della scultura, e dal periodo ellenistico l'apprezzamento informato e persino la pratica della pittura erano componenti di un'educazione da gentiluomo. L' ekphrasis era una forma letteraria consistente nella descrizione di un'opera d'arte, e abbiamo un corpo considerevole di letteratura sulla pittura e sui pittori greci, con ulteriori aggiunte in latino, sebbene nessuno dei trattati degli artisti citati sia sopravvissuto. Purtroppo non abbiamo quasi nessuno dei dipinti più prestigiosi, su tavola oa fresco , di cui questa letteratura si è occupata.

Il contrasto con la pittura vascolare è totale. Non ci sono affatto menzioni di ciò in letteratura, ma oltre 100.000 esempi sopravvissuti, che danno a molti singoli pittori un'opera rispettabile sopravvissuta. La nostra idea di come fosse la migliore pittura greca deve essere tratta da un'attenta considerazione dei paralleli tra la pittura vascolare, le copie tardo greco-romane in mosaico e affresco, alcuni esempi molto recenti di pittura reale nella tradizione greca e la letteratura antica .

C'erano diverse tradizioni di pittura interconnesse nell'antica Grecia. A causa delle loro differenze tecniche, hanno subito sviluppi alquanto differenziati. La prima pittura sembra essersi sviluppata lungo linee simili alla pittura vascolare, fortemente dipendente dai contorni e dalle aree piatte di colore, ma poi è fiorita e si è sviluppata nel momento in cui la pittura vascolare è andata in declino. Entro la fine del periodo ellenistico, gli sviluppi tecnici includevano la modellazione per indicare i contorni in forme, ombre, scorci, alcune forme probabilmente imprecise di prospettiva, sfondi interni e paesaggistici e l'uso di colori cangianti per suggerire la distanza nei paesaggi, in modo che "il greco gli artisti avevano tutti i dispositivi tecnici necessari per una pittura completamente illusionistica".

Pannello e pittura murale

La forma d'arte più comune e rispettata, secondo autori come Plinio o Pausania , erano i dipinti su tavola , dipinti individuali e portatili su tavole di legno. Le tecniche utilizzate erano l' encausto (cera) e la tempera . Tali dipinti normalmente raffiguravano scene figurative, inclusi ritratti e nature morte ; abbiamo le descrizioni di molte composizioni. Sono stati raccolti e spesso esposti in spazi pubblici. Pausania descrive tali mostre ad Atene ea Delfi . Conosciamo i nomi di molti pittori famosi, principalmente del periodo classico ed ellenistico, dalla letteratura (vedi elenco espandibile a destra). Il più famoso di tutti gli antichi pittori greci fu Apelle di Kos , che Plinio il Vecchio lodò per aver "superato tutti gli altri pittori che lo precedettero o lo succedettero".

Purtroppo, a causa della deperibilità dei materiali utilizzati e dei grandi sconvolgimenti della fine dell'antichità, non è sopravvissuta nessuna delle famose opere di pittura su tavola greca, né alcuna delle copie che senza dubbio esistevano, e che ci danno la maggior parte la nostra conoscenza della scultura greca. Abbiamo sopravvivenze leggermente più significative di composizioni murali. I più importanti esempi greci sopravvissuti prima del periodo romano sono i pannelli Pitsa di qualità piuttosto bassa del c. 530 aC, la Tomba del Tuffatore da Paestum , e vari dipinti dalle tombe reali di Vergina . Più numerosi dipinti in tombe etrusche e campane sono basati su stili greci. In epoca romana, ci sono una serie di dipinti murali a Pompei e nell'area circostante, così come nella stessa Roma, alcuni dei quali si pensa siano copie di specifici capolavori precedenti.

In particolare copie di specifici affreschi sono stati identificati con sicurezza nel Mosaico di Alessandro e in Villa Boscoreale . C'è un grande gruppo di sopravvivenze archeologiche greco-romane molto successive dalle condizioni aride dell'Egitto, i ritratti di mummie Fayum , insieme al simile Tondo Severan , e un piccolo gruppo di miniature di ritratti dipinti in vetro dorato . Le icone bizantine derivano anche dalla tradizione della pittura su tavola encausta e i manoscritti miniati bizantini a volte hanno continuato per secoli uno stile illusionistico greco.

Scena del simposio nella tomba del tuffatore a Paestum , c. 480 aC

La tradizione della pittura murale in Grecia risale almeno all'età del bronzo minoica e micenea , con la ricca decorazione ad affresco di siti come Cnosso , Tirinto e Micene . Non è chiaro se vi sia continuità tra questi antecedenti e le successive pitture murali greche.

I dipinti murali sono spesso descritti in Pausania e molti sembrano essere stati prodotti nei periodi classico ed ellenistico. A causa della mancanza di architettura sopravvissuta intatta, non molti sono conservati. Gli esempi più notevoli sono una scena monumentale arcaica del VII secolo a.C. di combattimento oplitico dall'interno di un tempio a Kalapodi (vicino a Tebe ) e gli elaborati affreschi della "Tomba di Filippo" del IV secolo e della "Tomba di Persefone" a Vergina in Macedonia , o la tomba di Agios Athanasios, Salonicco , a volte suggerito di essere strettamente legato ai dipinti su tavola di alta qualità sopra menzionati. L'insolita sopravvivenza della Tomba delle Palmette (III secolo a.C., scavata nel 1971) con pittura in buone condizioni comprende i ritratti della coppia sepolta all'interno sul timpano .

La tradizione della pittura murale greca si riflette anche nelle decorazioni funerarie contemporanee nelle colonie greche in Italia , ad esempio la famosa Tomba del Tuffatore a Paestum . Alcuni studiosi suggeriscono che i celebri affreschi romani in siti come Pompei siano i diretti discendenti della tradizione greca e che alcuni di essi copino famosi dipinti su tavola.

Schema cromatico ricostruito della trabeazione su un tempio dorico

Policromia: pittura su statuaria e architettura

Tracce di pittura raffiguranti motivi ricamati sul peplo di una corea arcaica , Museo dell'Acropoli

Gran parte della scultura figurativa o architettonica dell'antica Grecia era dipinta in modo colorato. Questo aspetto della pietra greca è descritto come policromo (dal greco πολυχρωμία , πολύ = molti e χρώμα = colore). A causa dell'intensa esposizione agli agenti atmosferici, la policromia su scultura e architettura è sostanzialmente o totalmente sbiadita nella maggior parte dei casi.

Sebbene la parola policromo sia stata creata dalla combinazione di due parole greche, non era usata nell'antica Grecia. Il termine fu coniato all'inizio del XIX secolo da Antoine Chrysostôme Quatremère de Quincy.

Architettura

La pittura è stata utilizzata anche per migliorare gli aspetti visivi dell'architettura. Alcune parti della sovrastruttura dei templi greci erano abitualmente dipinte fin dal periodo arcaico. Tale policromia architettonica potrebbe assumere la forma di colori vivaci applicati direttamente sulla pietra (evidente ad esempio sul Partenone , o di elaborati motivi, spesso elementi architettonici in terracotta (esempi arcaici a Olimpia e Delfi ) .A volte, le terrecotte raffiguravano anche scene figurative , così come le metope in terracotta del VII secolo a.C. di Thermon .

Schema di colori ricostruito su un arciere troiano dal tempio di Aphaia , Egina .

Scultura

La maggior parte delle sculture greche erano dipinte con colori forti e luminosi; questa si chiama " policromia ". La pittura era spesso limitata a parti raffiguranti vestiti, capelli e così via, con la pelle lasciata nel colore naturale della pietra o del bronzo, ma poteva anche coprire le sculture nella loro totalità; la pelle femminile in marmo tendeva ad essere incolore, mentre la pelle maschile poteva essere un marrone chiaro. La pittura della scultura greca non deve essere vista solo come un miglioramento della loro forma scolpita, ma ha le caratteristiche di uno stile artistico distinto.

Ad esempio, è stato recentemente dimostrato che le sculture frontonali del Tempio di Aphaia a Egina sono state dipinte con motivi audaci ed elaborati, raffiguranti, tra gli altri dettagli, abiti fantasia. La policromia delle statue di pietra era parallela all'uso di materiali diversi per distinguere la pelle, i vestiti e altri dettagli nelle sculture crisoelefantine e l'uso di metalli diversi per raffigurare labbra, unghie, ecc. Su bronzi di alta qualità come i bronzi di Riace .

Pittura su vaso

La più copiosa testimonianza dell'antica pittura greca sopravvive sotto forma di pitture vascolari . Questi sono descritti nella sezione " ceramica " sopra. Danno almeno un senso dell'estetica della pittura greca. Le tecniche coinvolte, tuttavia, erano molto diverse da quelle utilizzate nella pittura di grande formato. Lo stesso vale probabilmente per il soggetto rappresentato. Sembra che i pittori di vasi fossero di solito specialisti all'interno di un laboratorio di ceramica, né pittori in altri media né ceramisti. Va inoltre tenuto presente che la pittura vascolare, sebbene di gran lunga la fonte superstite più cospicua della pittura greca antica, non era tenuta nella massima considerazione nell'antichità e non è mai menzionata nella letteratura classica.

Mosaici

Il mosaico della caccia al cervo , fine del IV secolo a.C., da Pella ; la figura a destra è forse Alessandro Magno a causa della data del mosaico insieme alla raffigurata ascendente dei suoi capelli con la parte centrale ( anastole ); la figura a sinistra che brandisce un'ascia a doppio taglio (associata a Efesto ) è forse Efestione , uno dei fedeli compagni di Alessandro.
Pavimento non spazzato , copia romana del mosaico di Sosus di Pergamon
Un mosaico pavimentale domestico raffigurante Atena , dal "Quartiere dei gioielli" di Delo , Grecia, fine del II o inizio del I secolo a.C.

I mosaici furono inizialmente realizzati con ciottoli arrotondati, e successivamente con vetro con tessere che davano più colore e una superficie piana. Erano popolari nel periodo ellenistico, dapprima come decorazione per i pavimenti dei palazzi, ma poi per le abitazioni private. Spesso un'immagine centrale emblema in un pannello centrale è stata completata in un lavoro molto più fine rispetto alla decorazione circostante. I motivi di Xenia , dove una casa mostrava esempi della varietà di cibi che gli ospiti potrebbero aspettarsi di gustare, forniscono la maggior parte degli esemplari sopravvissuti di natura morta greca . In generale il mosaico deve essere considerato come un dipinto di copiatura media secondaria, spesso molto direttamente, come nel Mosaico di Alessandro .

Il pavimento non spazzato di Sosus di Pergamon (c. 200 aC) era un trompe-l'œil originale e famoso , noto da molte copie greco-romane. Secondo John Boardman , Sosus è l'unico artista di mosaici il cui nome è sopravvissuto; le sue Colombe sono anche citate in letteratura e copiate. Tuttavia, Katherine MD Dunbabin afferma che due diversi mosaicisti hanno lasciato la loro firma sui mosaici di Delos . L'artista del mosaico della caccia al cervo del IV secolo a.C. ha forse lasciato anche la sua firma come Gnosi , sebbene questa parola possa essere un riferimento al concetto astratto di conoscenza.

I mosaici sono un elemento significativo dell'arte macedone sopravvissuta , con un gran numero di esempi conservati nelle rovine di Pella , l'antica capitale macedone , nell'odierna Macedonia centrale . Mosaici come il mosaico "Caccia al cervo e al leone" dimostrano qualità illusionistiche e tridimensionali che si trovano generalmente nei dipinti ellenistici, sebbene la ricerca rustica macedone della caccia sia nettamente più pronunciata rispetto ad altri temi. I mosaici del II secolo a.C. di Delo , in Grecia, furono giudicati da François Chamoux come rappresentanti l'apice dell'arte musiva ellenistica, con stili simili che continuarono per tutto il periodo romano e forse gettarono le basi per l'uso diffuso dei mosaici nel mondo occidentale attraverso al medioevo .

Gemme incise

Apollonio di Atene, anello in oro con ritratto in granato , c. 220 aC

La gemma incisa era un'arte di lusso di alto prestigio; Pompeo e Giulio Cesare furono tra i collezionisti successivi. La tecnica ha un'antica tradizione nel Vicino Oriente e i sigilli cilindrici , il cui disegno appare solo quando arrotolati su argilla umida, da cui si sviluppò il tipo ad anello piatto, si diffusero nel mondo minoico, comprese parti della Grecia e di Cipro . La tradizione greca emerse sotto l'influenza minoica sulla cultura elladica continentale e raggiunse un apogeo di sottigliezza e raffinatezza nel periodo ellenistico.

Gemme greche rotonde o ovali (insieme ad oggetti simili in osso e avorio) si trovano dall'VIII al VII secolo a.C., di solito con animali in energiche pose geometriche, spesso con un bordo segnato da punti o un bordo. I primi esempi sono per lo più in pietre più morbide. Le gemme del VI secolo sono più spesso ovali, con dorso a scarabeo (in passato questo tipo era chiamato "scarabaeus"), e figure umane o divine oltre che animali; la forma scarabeo fu apparentemente adottata dalla Fenicia .

Le forme sono sofisticate per l'epoca, nonostante le dimensioni solitamente ridotte delle gemme. Nel V secolo le gemme divennero un po' più grandi, ma ancora alte solo 2-3 centimetri. Nonostante ciò, vengono mostrati dettagli molto fini, comprese le ciglia su una testa maschile, forse un ritratto. Quattro gemme firmate da Dexamenos di Chios sono le più belle del periodo, due raffiguranti aironi .

La scultura in rilievo divenne comune nel V secolo a.C. in Grecia, e gradualmente la maggior parte delle spettacolari gemme scolpite furono in rilievo. Generalmente un'immagine in rilievo è più impressionante di una ad intaglio; nella prima forma il destinatario di un documento lo vedeva nella ceralacca impressa, mentre nei rilievi successivi era il possessore del sigillo che lo conservava per sé, segnalando probabilmente l'emergere di gemme destinate ad essere raccolte o indossate come ciondoli di gioielli in collane e simili, piuttosto che usati come sigilli - quelli successivi sono a volte piuttosto grandi da usare per sigillare le lettere. Tuttavia, le iscrizioni sono di solito ancora al contrario ("scrittura a specchio"), quindi si leggono correttamente solo sulle impressioni (o guardando da dietro con pietre trasparenti). Questo aspetto spiega in parte anche la raccolta di impronte in gesso o cera da gemme, che possono essere più facili da apprezzare rispetto all'originale.

Sculture e cammei in pietra dura più grandi , rari nella forma ad intaglio, sembrano aver raggiunto la Grecia intorno al III secolo; la Tazza Farnese è l'unico grande esempio ellenistico sopravvissuto (a seconda delle date assegnate al Cammeo Gonzaga e alla Coppa dei Tolomei ), ma altre imitazioni in pasta vitrea con ritratti suggeriscono che in questo periodo furono realizzati cammei a forma di gemma. Le conquiste di Alessandro avevano aperto nuove rotte commerciali verso il mondo greco e ampliato la gamma di gemme disponibili.

Ornamento

Una tipica varietà di motivi ornamentali su un vaso attico di c. 530.

La sintesi nel periodo arcaico del repertorio nativo di semplici motivi geometrici con motivi importati, per lo più a base vegetale, dall'estremo oriente creò un considerevole vocabolario di ornamento, che artisti e artigiani usavano con disinvoltura e scioltezza. Oggi questo vocabolario si ritrova soprattutto nell'ampio corpus di ceramiche dipinte, oltre che nei resti architettonici, ma in origine sarebbe stato utilizzato in un'ampia gamma di media, in quanto una sua versione successiva è utilizzata nel Neoclassicismo europeo .

Gli elementi di questo vocabolario includono il meandro geometrico o "chiave greca", uovo e dardo , perlina e bobina , rotolo vitruviano , arabescato , e dal mondo vegetale le foglie d'acanto stilizzate , volute , palmette e mezze palmette, volute vegetali di vari tipi , rosetta , fiore di loto e fiore di papiro . Originariamente utilizzati in modo prominente sui vasi arcaici, man mano che la pittura figurativa si sviluppò, questi furono solitamente relegati a servire come bordi che delimitano i bordi del vaso o diverse zone di decorazione. L'architettura greca era nota per aver sviluppato convenzioni sofisticate per l'utilizzo di modanature e altri elementi ornamentali architettonici, che utilizzavano questi motivi in ​​un insieme armoniosamente integrato.

Anche prima del periodo classico, questo vocabolario aveva influenzato l'arte celtica, e l'espansione del mondo greco dopo Alessandro, e l'esportazione di oggetti greci ancora più lontano, espose gran parte dell'Eurasia , comprese le regioni del nord del subcontinente indiano. dove il buddismo si stava espandendo e creando arte greco-buddista . Man mano che il buddismo si diffondeva nell'Asia centrale fino alla Cina e al resto dell'Asia orientale , in una forma che faceva grande uso dell'arte religiosa, le versioni di questo vocabolario venivano portate con sé e utilizzate per circondare immagini di buddha e altre immagini religiose, spesso con una dimensione e enfasi che sarebbe sembrata eccessiva agli antichi greci. Il vocabolario è stato assorbito nell'ornamento dell'India, della Cina, della Persia e di altri paesi asiatici, oltre a svilupparsi ulteriormente nell'arte bizantina . I romani hanno ripreso il vocabolario più o meno nella sua interezza e, sebbene molto alterato, può essere rintracciato in tutta l'arte medievale europea , in particolare nell'ornamento a base vegetale.

L'arte islamica , dove l'ornamento sostituisce in gran parte la figurazione, sviluppò il rotolo vegetale bizantino nel pieno, infinito arabesco , e soprattutto dalle conquiste mongole del XIV secolo ricevette nuove influenze dalla Cina, compresi i discendenti del vocabolario greco. Dal Rinascimento in poi, molti di questi stili asiatici sono stati rappresentati su tessuti, porcellane e altri beni importati in Europa e hanno influenzato l'ornamento, un processo che continua ancora.

Altre arti

A sinistra: un'anfora ellenistica in vetro scavata da Olbia , Sardegna , datata al II secolo aC A destra: satiro ellenistico che indossa un perizoma rustico (perizoma) e porta un pedum (bastone da pastore). Applicazione in avorio, probabilmente per mobili.

Sebbene il vetro sia stato prodotto a Cipro nel IX secolo aC e sia stato considerevolmente sviluppato entro la fine del periodo, ci sono solo poche sopravvivenze di opere in vetro prima del periodo greco-romano che mostrano la qualità artistica della migliore opera. La maggior parte dei sopravvissuti sono piccole bottiglie di profumo, in stili "piumati" colorati di fantasia simili ad altri vetri mediterranei . Il vetro ellenistico divenne più economico e accessibile a una popolazione più ampia.

Nessun mobile greco è sopravvissuto, ma ci sono molte immagini di esso su vasi e rilievi commemorativi, ad esempio quello di Hegeso . Evidentemente era spesso molto elegante, così come gli stili che ne derivarono dal XVIII secolo in poi. Sono sopravvissuti alcuni pezzi di avorio intagliato che venivano usati come intarsi, come a Vergina, e alcune sculture in avorio; questa era un'arte di lusso che poteva essere di ottima qualità.

È chiaro dalle pitture vascolari che i greci spesso indossavano abiti elaborati e l'abilità nella tessitura era il segno della donna rispettabile. Sopravvivono due lussuosi pezzi di stoffa, dalla tomba di Filippo di Macedonia . Ci sono numerosi riferimenti a tendaggi decorativi sia per le case che per i templi, ma nessuno di questi è sopravvissuto.

Diffusione e eredità

Fregio greco-buddista di Gandhara con devoti, con foglie di piantaggine , in stile ellenistico, all'interno di colonne corinzie , I-II secolo d.C., Buner, Swat, Pakistan , Victoria and Albert Museum

L'arte greca antica ha esercitato una notevole influenza sulla cultura di molti paesi del mondo, soprattutto nel trattamento della figura umana. Anche in Occidente l'architettura greca era enormemente influente, e sia in Oriente che in Occidente l'influenza della decorazione greca può essere fatta risalire ai giorni nostri. L'arte etrusca e romana derivava in gran parte e direttamente dai modelli greci, e gli oggetti e l'influenza greci raggiunsero l'arte celtica a nord delle Alpi, così come in tutto il mondo mediterraneo e in Persia.

In Oriente, le conquiste di Alessandro Magno avviarono diversi secoli di scambi tra culture greche, centroasiatiche e indiane, che furono molto aiutate dalla diffusione del buddismo , che presto raccolse molti tratti e motivi greci nell'arte greco-buddista , che sono stati poi trasmessi come parte di un pacchetto culturale nell'Asia orientale , fino al Giappone , tra artisti che erano senza dubbio completamente ignari dell'origine dei motivi e degli stili utilizzati.

Dopo il Rinascimento in Europa, l' estetica umanista e gli elevati standard tecnici dell'arte greca hanno ispirato generazioni di artisti europei, con un grande risveglio nel movimento del neoclassicismo iniziato a metà del XVIII secolo, in coincidenza con un più facile accesso dall'Europa occidentale alla Grecia stesso, e una rinnovata importazione di originali greci, più notoriamente i marmi di Elgin dal Partenone. Fino al XIX secolo, la tradizione classica derivata dalla Grecia ha dominato l'arte del mondo occidentale.

Storiografia

Hypnos e Thanatos che trasportano il corpo di Sarpedonte dal campo di battaglia di Troia ; particolare di una lekythos attica a fondo bianco , c. 440 aC.

Le classi superiori romane ellenizzate della tarda repubblica e del primo impero generalmente accettavano la superiorità greca nelle arti senza molti cavilli, sebbene l'elogio di Plinio per la scultura e la pittura degli artisti pre-ellenistici possa essere basato su precedenti scritti greci piuttosto che su molte conoscenze personali . Plinio e altri autori classici erano conosciuti nel Rinascimento, e questa supposizione della superiorità greca era di nuovo generalmente accettata. Tuttavia i critici nel Rinascimento e molto più tardi non erano chiari quali opere fossero in realtà greche.

Come parte dell'Impero ottomano , la stessa Grecia poteva essere raggiunta solo da pochissimi europei occidentali fino alla metà del XVIII secolo. Non solo i vasi greci trovati nei cimiteri etruschi, ma anche (in modo più controverso) i templi greci di Paestum furono considerati etruschi, o comunque italici, fino alla fine del XVIII secolo e oltre, un equivoco prolungato dal sentimento nazionalista italiano.

Gli scritti di Johann Joachim Winckelmann , in particolare i suoi libri Pensieri sull'imitazione delle opere greche nella pittura e nella scultura (1750) e Geschichte der Kunst des Alterthums ("Storia dell'arte antica", 1764) furono i primi a distinguere nettamente tra greco antico, dell'arte etrusca e romana, e definiscono periodi all'interno dell'arte greca, tracciando una traiettoria dalla crescita alla maturità e poi all'imitazione o alla decadenza che continua ad avere influenza fino ai giorni nostri.

Il completo districamento delle statue greche dalle loro copie romane successive e una migliore comprensione dell'equilibrio tra grecità e romanità nell'arte greco-romana avrebbero richiesto molto più tempo, e forse continuano ancora. L'arte greca, in particolare la scultura, continuò a godere di un'enorme reputazione, e lo studio e la copiatura costituirono gran parte della formazione degli artisti, fino alla caduta dell'arte accademica alla fine del XIX secolo. Durante questo periodo, l'attuale corpus noto dell'arte greca, e in misura minore dell'architettura, si è notevolmente ampliato. Lo studio dei vasi sviluppò un'enorme letteratura tra la fine del XIX e il XX secolo, molto basata sull'identificazione delle mani dei singoli artisti, con Sir John Beazley come figura di spicco. Questa letteratura generalmente presumeva che la pittura vascolare rappresentasse lo sviluppo di un mezzo indipendente, solo in termini generali attingendo allo sviluppo stilistico in altri media artistici. Questa ipotesi è stata sempre più messa in discussione negli ultimi decenni e alcuni studiosi ora lo vedono come un mezzo secondario, che rappresenta in gran parte copie a buon mercato di oggetti in metallo ora perduti, e in gran parte realizzati non per uso ordinario, ma per depositare nelle sepolture.

Guarda anche

Appunti

Riferimenti

Ulteriori letture

  • Shanks, Michael (1999). Arte e Città Stato greca . Cambridge: Cambridge University Press. ISBN 0 521 56117 5.
  • Betancourt, Philip P. Introduzione all'arte egea . Filadelfia: INSTAP Academic Press, 2007.
  • Brucia, Lucilla. Arte ellenistica: da Alessandro Magno ad Augusto . Los Angeles: J. Paul Getty Museum, 2004.
  • Coldstream, JN Grecia geometrica: 900-700 aC . 2a ed. Londra: Routledge, 2003.
  • Jenkins, Ian, Celeste Farge e Victoria Turner. Definire la bellezza: il corpo nell'arte greca antica . Londra: British Museum, 2015.
  • Langdon, Susan Helen. Arte e identità nella Grecia dell'età oscura, 1100-700 aC Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Ling, Roger. Fare arte classica: processo e pratica . Stroud, Gloucestershire: Tempus, 2000.
  • Moon, Warren G. Arte e iconografia dell'antica Grecia . Madison: University of Wisconsin Press, 1983.
  • Pedley, John Griffiths. Arte greca e archeologia . 5a ed. Upper Saddle River, NJ: Prentice Hall, 2012.
  • Plantzos, Dimitris. Gemme incise ellenistiche . Oxford: Clarendon Press, 1999.
  • Pollitt, JJ L' arte nell'età ellenistica . Cambridge: Cambridge University Press, 1986.
  • --. Arte ed esperienza nella Grecia classica . Cambridge: Cambridge University Press, 1972.
  • Smith, Tyler Jo e Dimitris Plantzos. Un compagno di arte greca . Somerset: Wiley, 2012.
  • Stewart, Andrew F. La Grecia classica e la nascita dell'arte occidentale . Cambridge: Cambridge University Press, 2008.
  • Yatromanolakis, Dimitrios. Epigrafia dell'arte: antiche iscrizioni greche di vasi e dipinti su vasi . Oxford: Archeopress, 2016.

link esterno