Compositore - Composer

Compositore classico Mozart

Un compositore ( latino compōnō ; letteralmente "colui che mette insieme") è una persona che scrive musica , in particolare musica classica in qualsiasi forma, compresa la musica vocale (per un cantante o un coro ), musica strumentale , musica elettronica e musica che combina più forme. Un compositore può creare musica di qualsiasi genere musicale , inclusi, ad esempio, musica classica , teatro musicale , blues , musica popolare , jazz e musica popolare . I compositori spesso esprimono le loro opere in una partitura musicale scritta usando la notazione musicale .

Molti compositori sono, o erano, anche abili esecutori di musica.

Compositori e interpreti

La notazione musicale serve come un insieme di indicazioni per un esecutore, ma c'è un intero continuum di possibilità riguardo a quanto l'esecutore determina la forma finale del lavoro reso nell'esecuzione.

Anche in un brano strumentale occidentale convenzionale, in cui tutte le melodie , gli accordi e le linee di basso sono scritte in notazione musicale, l'esecutore ha un certo margine di manovra per aggiungere un'interpretazione artistica all'opera, variando la sua o la sua articolazione e fraseggio , scegliendo per quanto tempo eseguire fermate (note tenute) o pause e, nel caso di strumenti ad arco, legni o ottoni, decidere se utilizzare effetti espressivi come il vibrato o il portamento . Per un cantante o un esecutore strumentale, il processo di decisione su come eseguire la musica che è stata precedentemente composta e annotata è chiamato "interpretazione". Le diverse interpretazioni della stessa opera musicale da parte di esecutori possono variare notevolmente, in termini di tempi scelti e stile di esecuzione o canto o fraseggio delle melodie. Interpretano i compositori e i cantautori che presentano la propria musica, così come quelli che eseguono la musica degli altri. Il corpo standard di scelte e tecniche presenti in un dato momento e in un dato luogo è indicato come pratica esecutiva , mentre l'interpretazione è generalmente utilizzata per indicare le scelte individuali di un artista.

Sebbene una composizione musicale abbia spesso un unico autore, non è sempre così. Un'opera musicale può avere più compositori, cosa che spesso accade nella musica popolare quando una band collabora per scrivere una canzone, o nel teatro musicale , dove le canzoni possono essere scritte da una persona, l' orchestrazione delle parti di accompagnamento e la scrittura dell'ouverture è fatto da un orchestratore e le parole possono essere scritte da una terza persona.

Un brano musicale può essere composto anche con parole, immagini o, nel XX e XXI secolo, programmi per computer che spiegano o annotano come il cantante o il musicista dovrebbero creare suoni musicali. Esempi di questo vanno dai campanelli a vento che tintinnano al vento, alla musica d'avanguardia del XX secolo che utilizza la notazione grafica , alle composizioni testuali come Aus den sieben Tagen , ai programmi per computer che selezionano i suoni per i brani musicali. La musica che fa un uso massiccio della casualità e del caso è chiamata musica aleatoria ed è associata a compositori contemporanei attivi nel XX secolo, come John Cage , Morton Feldman e Witold Lutosławski .

La natura e i mezzi di variazione individuale della musica sono vari, a seconda della cultura musicale del paese e del periodo in cui è stata scritta. Ad esempio, la musica composta in epoca barocca , in particolare con tempi lenti, era spesso scritta a contorni netti, con l'aspettativa che l'esecutore aggiungesse ornamenti improvvisati alla linea melodica durante un'esibizione. Tale libertà generalmente diminuiva nelle epoche successive, correlandosi con l'aumento dell'uso da parte dei compositori di partiture più dettagliate sotto forma di dinamica, articolazione eccetera; i compositori diventano uniformemente più espliciti nel modo in cui volevano che la loro musica fosse interpretata, anche se il modo in cui queste sono dettate in modo rigoroso e minuzioso varia da un compositore all'altro. A causa di questa tendenza dei compositori a diventare sempre più specifici e dettagliati nelle loro istruzioni all'esecutore, alla fine si sviluppò una cultura per cui la fedeltà all'intenzione scritta del compositore divenne molto apprezzata (vedi, ad esempio, l' edizione Urtext ). Questa cultura musicale è quasi certamente legata all'alta stima (confinante con la venerazione) in cui i principali compositori classici sono spesso tenuti dagli esecutori.

Il movimento esecutivo storicamente informato ha fatto rivivere in una certa misura la possibilità per l'esecutore di elaborare in modo serio la musica indicata nella partitura, in particolare per la musica barocca e la musica del primo periodo classico . Il movimento potrebbe essere considerato un modo per creare una maggiore fedeltà all'originale in opere composte in un momento che prevedeva che gli artisti improvvisassero. In generi diversi dalla musica classica, l'esecutore ha generalmente più libertà; così, per esempio, quando un esecutore di musica popolare occidentale crea una "cover" di una canzone precedente, ci sono poche aspettative sulla resa esatta dell'originale; né la fedeltà esatta è necessariamente molto apprezzata (con la possibile eccezione di trascrizioni "nota per nota" di famosi assoli di chitarra ).

Nella musica d'arte occidentale, il compositore in genere orchestra le proprie composizioni, ma nel teatro musicale e nella musica pop, i cantautori possono assumere un arrangiatore per eseguire l'orchestrazione. In alcuni casi, un cantautore pop potrebbe non usare affatto la notazione e comporre invece la canzone nella sua mente e poi riprodurla o registrarla a memoria. Nel jazz e nella musica popolare, alle registrazioni degne di nota di artisti influenti viene dato il peso che gli spartiti scritti hanno nella musica classica. Lo studio della composizione è stato tradizionalmente dominato dall'esame dei metodi e della pratica della musica classica occidentale, ma la definizione di composizione è abbastanza ampia per la creazione di canzoni e brani strumentali di musica popolare e tradizionale e per includere opere spontaneamente improvvisate come quelle di artisti free jazz e percussionisti africani come i batteristi Ewe .

Storia

Il livello di distinzione tra compositori e altri musicisti varia, il che influisce su questioni come il diritto d'autore e la deferenza data alle singole interpretazioni di un particolare brano musicale. Nello sviluppo della musica classica europea , la funzione di comporre musica inizialmente non ebbe un'importanza molto maggiore di quella di eseguirla. La conservazione delle singole composizioni non ha ricevuto un'attenzione enorme e i musicisti generalmente non hanno avuto scrupoli a modificare le composizioni per l'esecuzione. Per quanto il ruolo del compositore nella musica d'arte occidentale abbia visto una continua solidificazione, negli idiomi alternativi (es. jazz , musica sperimentale ) è diventato in qualche modo sempre più complesso o vago. Ad esempio, in certi contesti la linea tra compositore e interprete , sound designer , arrangiatore , produttore e altri ruoli può essere piuttosto confusa.

Stele di marmo greco antico , il cosiddetto epitaffio di Seikilos , con poesia e notazione musicale incise sulla pietra

Il termine "compositore" è spesso usato per riferirsi a compositori di musica strumentale , come quelli che si trovano nella musica classica, jazz o altre forme d' arte e musica tradizionale . Nella musica popolare e popolare , il compositore è solitamente chiamato cantautore , poiché la musica assume generalmente la forma di una canzone . Dalla metà del 20 ° secolo, il termine si è ampliato per accogliere i creatori di musica elettroacustica , in cui i compositori creano direttamente materiale sonoro in uno qualsiasi dei vari media elettronici , come nastro reel-to-reel e unità di effetti elettronici , che possono essere presentati ad un pubblico riproducendo un nastro o altra registrazione sonora, o facendo esibire dal vivo strumentisti e cantanti con materiale preregistrato. Questo è distinto da una concezione ottocentesca di composizione strumentale, in cui l'opera era rappresentata esclusivamente da uno spartito musicale che doveva essere interpretato dagli esecutori .

Grecia antica

La musica era una parte importante della vita sociale e culturale nell'antica Grecia . Sappiamo che i compositori hanno scritto musica notata durante l'era greca perché gli studiosi hanno trovato l' epitaffio di Seikilos . L'epitaffio, scritto tra il 200 aC e il 100 dC, è il più antico esempio sopravvissuto di una composizione musicale completa, inclusa la notazione musicale, nel mondo. La canzone, la cui melodia è registrata, insieme al suo testo, nell'antica notazione musicale greca , è stata trovata incisa su una lapide, una stele , nei pressi di Aydın , in Turchia (non lontano da Efeso ). È un canto ionico ellenistico nelle specie dell'ottava frigia o nei toni iastiani .

Medioevo

Léonin o Pérotin
Breves dies hominis
Notazione musicale da un messale cattolico , c. 1310–1320

Durante l' era della musica medievale (dal 476 al 1400), i compositori scrivevano canti monofonici (singola linea melodica) nei servizi della Chiesa cattolica romana . La musica occidentale ha quindi iniziato a diventare più una forma d'arte con i progressi nella notazione musicale. L'unico repertorio medievale europeo che sopravvive da prima dell'800 circa è il canto liturgico monofonico della Chiesa cattolica romana, la cui tradizione centrale era chiamata canto gregoriano. Accanto a queste tradizioni di musica sacra e sacra esisteva una vibrante tradizione di canti profani ( canti non religiosi). Esempi di compositori di questo periodo sono Léonin , Pérotin e Guillaume de Machaut .

Rinascimento

TL de Victoria
Amicus meus
Allegoria della musica di Filippino Lippi

Durante l' era della musica rinascimentale (c. 1400-1600) i compositori tendevano a concentrarsi maggiormente sulla scrittura di canzoni su temi secolari (non religiosi), come l'amore cortese . Intorno al 1450 fu inventata la stampa , che rese gli spartiti stampati molto meno costosi e più facili da produrre in serie (prima dell'invenzione della stampa, tutta la musica notata veniva copiata a mano). La maggiore disponibilità di spartiti ha contribuito a diffondere gli stili musicali dei compositori più rapidamente e in un'area più ampia. Verso la metà del XV secolo, i compositori scrivevano musica sacra riccamente polifonica, in cui diverse linee melodiche si intrecciavano simultaneamente. Compositori di spicco di quest'epoca includono Guillaume Du Fay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley e Orlande de Lassus . Mentre l'attività musicale si spostava dalla chiesa alle corti aristocratiche, re, regine e principi si contendevano i migliori compositori. Molti importanti compositori di spicco provenivano dai Paesi Bassi, dal Belgio e dalla Francia settentrionale. Sono chiamati i compositori franco-fiammingi. Hanno ricoperto importanti incarichi in tutta Europa, soprattutto in Italia. Altri paesi con una vivace attività musicale includevano Germania, Inghilterra e Spagna.

Barocco

JS Bach
Toccata e fuga

Durante l' epoca barocca della musica (1600-1750), i compositori ampliarono la gamma e la complessità della musica che stavano scrivendo. L'era della musica barocca è iniziata quando i compositori hanno guardato indietro alla musica greca antica per l'ispirazione per creare opere (musica vocale drammatica accompagnata da orchestra ). Un altro stile chiave dei compositori di musica utilizzato durante questa era era la musica contrappuntistica . Questo stile di scrittura richiedeva ai compositori di avere una conoscenza avanzata della teoria musicale, poiché la musica contrappuntistica implica linee melodiche multiple e indipendenti suonate da strumenti o cantate da voci. C'erano rigide regole di contrappunto che i compositori dovevano imparare. Tedeschi compositori barocchi ha scritto per i piccoli ensemble , tra cui archi , ottoni e legni , così come cori e per strumenti a tastiera, come organo a canne , clavicembalo e clavicordo . Durante questo periodo, i compositori svilupparono diverse forme musicali importanti che durarono in periodi successivi quando furono espanse e si evolvettero ulteriormente, tra cui la fuga , l' invenzione , la sonata e il concerto . Lo stile tardo barocco era polifonicamente complesso e riccamente decorato. Alcuni dei compositori più noti dell'era barocca includono Claudio Monteverdi , Heinrich Schütz , Jean-Baptiste Lully , Dieterich Buxtehude , Arcangelo Corelli , Henry Purcell , François Couperin , Antonio Vivaldi , Georg Philipp Telemann , Jean-Philippe Rameau , Johann Sebastian Bach e George Frideric Handel .

Classicismo

WA Mozart
Sinfonia 40 sol minore

I compositori di musica del periodo classico (1750-1830) guardavano all'arte e alla filosofia dell'antica Grecia e di Roma, agli ideali di equilibrio, proporzione ed espressione disciplinata. A parte quando scrivono opere religiose, i compositori si sono spostati verso la scrittura in una trama più leggera, chiara e notevolmente più semplice, usando melodie strumentali che tendevano ad essere quasi vocali e cantabili. Nuovi generi sono stati sviluppati dai compositori. Lo stile principale era l' omofonia , in cui una melodia prominente e una parte di accompagnamento cordale subordinata sono chiaramente distinte.

I compositori si sono concentrati sulla musica strumentale . Fu dominato dall'ulteriore sviluppo di forme musicali inizialmente definite nel periodo barocco: la sonata , il concerto e la sinfonia . Altri generi principali erano il trio , il quartetto d'archi , la serenata e il divertimento . La sonata era la forma più importante e sviluppata. Sebbene anche i compositori barocchi abbiano scritto sonate, lo stile classico della sonata è completamente distinto. Tutte le principali forme strumentali dell'epoca classica, dai quartetti d'archi alle sinfonie e ai concerti, erano basate sulla struttura della sonata.

Uno dei cambiamenti più importanti apportati nel periodo classico fu lo sviluppo dei concerti pubblici. L'aristocrazia svolgeva ancora un ruolo significativo nella sponsorizzazione di concerti e composizioni, ma ora era possibile per i compositori sopravvivere senza essere dipendenti permanenti di regine o principi. La crescente popolarità della musica classica ha portato ad una crescita del numero e dei tipi di orchestre. L'espansione dei concerti orchestrali ha reso necessaria la costruzione di grandi spazi per spettacoli pubblici. La musica sinfonica comprese le sinfonie, l'accompagnamento musicale al balletto e i generi vocali/strumentali misti come l' opera e l' oratorio divennero più popolari.

I compositori più noti del Classicismo sono Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven e Franz Schubert . Beethoven e Schubert sono anche considerati compositori nella parte successiva dell'era classica, quando iniziò a muoversi verso il Romanticismo.

Romanticismo

R. Wagner
Die Walküre

Durante l' era della musica romantica (c. dal 1810 al 1900), i compositori trasformarono gli stili e le forme rigide dell'era classica in brani espressivi più appassionati e drammatici. I compositori hanno tentato di aumentare l'espressione emotiva e il potere della loro musica e hanno cercato di descrivere verità più profonde o sentimenti umani. Con poemi sinfonici , i compositori hanno cercato di raccontare storie ed evocare immagini o paesaggi usando la musica strumentale. Alcuni compositori hanno promosso l' orgoglio nazionalista con musica orchestrale patriottica ispirata alla musica popolare . Per i compositori, le qualità emotive ed espressive della musica hanno avuto la precedenza sui libri di testo e sulla tradizione. I compositori romantici sono cresciuti nell'idiosincrasia e sono andati oltre nel sincretismo esplorando diverse forme d'arte in un contesto musicale (come la letteratura ), la storia (figure storiche e leggende) o la natura stessa. L'amore romantico o il desiderio era un tema prevalente in molte opere composte durante questo periodo. In alcuni casi, le strutture formali del periodo classico continuarono ad essere utilizzate (ad esempio, la forma sonata usata nei quartetti d'archi e nelle sinfonie ), ma queste forme furono ampliate e alterate. In molti casi, i compositori hanno esplorato nuovi approcci da utilizzare per generi, forme e funzioni esistenti. Inoltre, i compositori hanno creato nuove forme che sono state ritenute più adatte al nuovo argomento. L'opera e il balletto continuarono a svilupparsi.

Negli anni successivi al 1800, la musica sviluppata da Ludwig van Beethoven e Franz Schubert introdusse uno stile più drammatico ed espressivo. Nel caso di Beethoven, motivi brevi , sviluppati organicamente, vennero a sostituire la melodia come unità compositiva più significativa (un esempio è la caratteristica figura di quattro note utilizzata nella sua Quinta Sinfonia ). Compositori romantici successivi come Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák e Gustav Mahler usarono accordi più insoliti e più dissonanze per creare tensione drammatica. Hanno generato opere musicali complesse e spesso molto più lunghe. Durante il periodo tardo romantico, i compositori esplorarono drammatiche alterazioni cromatiche della tonalità , come accordi estesi e accordi alterati , che creavano nuovi "colori" sonori. I compositori dell'era romantica hanno aumentato le dimensioni dell'orchestra aggiungendo musicisti e utilizzando nuovi strumenti, creando un suono più potente. Alcune orchestre wagneriane includevano più arpe, enormi sezioni di archi e tube wagneriane .

Musica del 20° e 21° secolo

Gruppo jazz composto dal contrabbassista Reggie Workman , dal sassofonista tenore Pharoah Sanders e dal batterista Idris Muhammad , che si esibisce nel 1978

Nel XIX secolo, uno dei modi principali con cui le nuove composizioni divennero note al pubblico era la vendita di spartiti, che gli amanti della musica amatoriale eseguivano a casa sul loro pianoforte o altri strumenti. Con la musica del 20 ° secolo , c'è stato un grande aumento nell'ascolto della musica poiché la radio ha guadagnato popolarità e i fonografi sono stati utilizzati per riprodurre e distribuire musica. Nel 20 ° secolo, i compositori classici contemporanei sono stati anche influenzati dalla musica jazz basata sull'improvvisazione afroamericana . L'influenza jazz può essere vista nella musica di Third Stream e nelle composizioni di Leonard Bernstein . Il focus della musica d'arte è stato caratterizzato dall'esplorazione di nuovi ritmi, stili e suoni. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg e John Cage sono stati tutti compositori influenti nella musica d'arte del XX secolo. Cage ha scritto composizioni per strumenti classici tradizionali e insoliti dispositivi di produzione del suono non normalmente considerati strumenti, come le radio. L'invenzione della registrazione del suono e la capacità di modificare la musica su nastro hanno dato origine a un nuovo sottogenere della musica classica, comprese le scuole di composizione elettronica acusmatica e Musique concrète , in cui i compositori realizzavano brani utilizzando registratori a bobina e apparecchiature elettroniche.

Ruolo delle donne

Compositore e pianista del XIX secolo Clara Schumann

Nel 1993, la musicologa americana Marcia Citron ha chiesto "[perché] la musica composta da donne è così marginale rispetto al repertorio 'classico' standard?" Citron "esamina le pratiche e gli atteggiamenti che hanno portato all'esclusione delle compositrici dal ' canone ' ricevuto delle opere musicali eseguite". Sostiene che nel 1800 le compositrici scrivevano tipicamente canzoni d'arte per l'esecuzione in piccoli recital piuttosto che sinfonie destinate all'esecuzione con un'orchestra in una grande sala, con quest'ultime opere viste come il genere più importante per i compositori; poiché le compositrici non scrivevano molte sinfonie, erano considerate non degne di nota come compositrici.

Secondo Abbey Philips, "le musiciste hanno avuto difficoltà a sfondare e ad ottenere il credito che meritano". Nel corso delle epoche medievali, la maggior parte della musica d'arte è stato creato per scopi liturgici (religiosi) e per i punti di vista circa i ruoli delle donne che si sono svolte dai leader religiosi, poche donne composte questo tipo di musica, con la suora Hildegard von Bingen essere tra le eccezioni. La maggior parte dei testi universitari di storia della musica tratta quasi esclusivamente del ruolo dei compositori maschi. Inoltre, pochissime opere di compositrici fanno parte del repertorio standard della musica classica. In Concise Oxford History of Music , " Clara Shumann [ sic ] è una delle uniche compositrici menzionate", ma altre importanti compositrici del periodo di pratica comune includono Fanny Mendelssohn e Cécile Chaminade , e probabilmente la più influente insegnante di compositori durante il metà del 20 ° secolo era Nadia Boulanger . Philips afferma che "[durante] il XX secolo le donne che componevano/suonavano ricevevano molta meno attenzione rispetto alle loro controparti maschili".

Le donne oggi vengono prese più sul serio nel campo della musica da concerto, sebbene le statistiche su riconoscimenti, premi, occupazione e opportunità complessive siano ancora sbilanciate verso gli uomini.

Raggruppamento

I compositori famosi hanno la tendenza a raggrupparsi in città specifiche nel corso della storia. Sulla base di oltre 12.000 compositori di spicco elencati in Grove Music Online e utilizzando tecniche di misurazione del conteggio delle parole , è possibile identificare quantitativamente le città più importanti per la musica classica.

Parigi è stata il centro principale per la musica classica in tutti i periodi. Fu classificato quinto nel XV e XVI secolo, ma primo nel XVII e nel XX secolo inclusi. Londra è stata la seconda città più significativa: ottava nel XV secolo, settima nel XVI, quinta nel XVII, seconda nel XVIII e XIX secolo e quarta nel XX secolo. Roma era in cima alla classifica nel XV secolo, scese al secondo posto nel XVI e XVII secolo, ottava nel XVIII secolo, nona nel XIX secolo ma tornata al sesto nel XX secolo. Berlino appare tra le prime dieci classifiche solo nel XVIII secolo ed è stata classificata come terza città più importante sia nel XIX che nel XX secolo. New York City è entrata in classifica nel XIX secolo (al quinto posto) e si è attestata al secondo posto nel XX secolo. I modelli sono molto simili per un campione di 522 migliori compositori.

Addestramento

I compositori classici professionisti hanno spesso un background nell'esecuzione di musica classica durante la loro infanzia e adolescenza, sia come cantante in un coro , come musicista in un'orchestra giovanile , o come esecutore su uno strumento solista (ad esempio, pianoforte , organo a canne o violino ). Gli adolescenti che aspirano a diventare compositori possono continuare i loro studi post-secondari in una varietà di contesti di formazione formale, inclusi college, conservatori e università. I conservatori , che sono il sistema di formazione musicale standard in Francia e in Quebec (Canada), offrono lezioni ed esperienza di canto orchestrale e corale amatoriale per studenti di composizione. Le università offrono una vasta gamma di programmi di composizione, tra cui diplomi di laurea, master in musica e dottorati in arti musicali . Inoltre, ci sono una varietà di altri programmi di formazione come campi estivi e festival classici, che danno agli studenti l'opportunità di ricevere coaching dai compositori.

laurea

I diplomi di laurea in composizione (denominati B.Mus. o BM) sono programmi quadriennali che includono lezioni individuali di composizione, esperienza con orchestra/coro amatoriale e una sequenza di corsi di storia della musica, teoria musicale e corsi di arti liberali (ad es. , letteratura inglese), che danno allo studente una formazione più completa. Di solito, gli studenti di composizione devono completare brani o brani significativi prima di laurearsi. Non tutti i compositori possiedono un B.Mus. nella composizione; i compositori possono anche essere in possesso di un B.Mus. nella performance musicale o nella teoria musicale.

Maestri

Il Master of Music (M.mus.) in composizione consiste in lezioni private con un professore di composizione, esperienza di ensemble e corsi di laurea in storia della musica e teoria musicale, insieme a uno o due concerti con brani dello studente di composizione. Un Master in musica (denominato M.Mus. o MM) è spesso una credenziale minima richiesta per le persone che desiderano insegnare composizione in un'università o in un conservatorio. Un compositore con un M.Mus. potrebbe essere un professore o di istruttore presso un'università, ma sarebbe difficile nei 2010s per ottenere un tenure track professore posizione con questo grado.

dottorato

Per diventare un professore di ruolo, molte università richiedono un dottorato . In composizione, il dottorato chiave è il Doctor of Musical Arts , piuttosto che il PhD ; il dottorato viene assegnato in musica, ma tipicamente per materie come musicologia e teoria musicale .

Dottore in Arti Musicali (denominato DMA, DMA, D.Mus.A. o A.Mus.D) i diplomi in composizione offrono un'opportunità di studio avanzato al più alto livello artistico e pedagogico, richiedendo solitamente oltre 54 ore di credito aggiuntive oltre un master (che è di circa 30+ crediti oltre a un diploma di laurea). Per questo motivo l'ammissione è altamente selettiva. Gli studenti devono presentare esempi delle loro composizioni. Se disponibili, alcune scuole accetteranno anche registrazioni video o audio di esecuzioni di brani dello studente. Sono richiesti esami di storia della musica, teoria musicale, addestramento all'orecchio/dettato e un esame di ammissione.

Gli studenti devono preparare composizioni significative sotto la guida dei professori di composizione della facoltà. Alcune scuole richiedono agli studenti di composizione DMA di presentare concerti delle loro opere, che in genere sono eseguiti da cantanti o musicisti della scuola. Il completamento di corsi avanzati e una media B minima sono altri requisiti tipici di un programma DMA. Durante un programma DMA, uno studente di composizione può acquisire esperienza nell'insegnamento a studenti universitari di musica.

Altri percorsi

Alcuni compositori classici non hanno completato programmi di composizione, ma hanno concentrato i loro studi sull'esecuzione della voce o di uno strumento o sulla teoria musicale e hanno sviluppato le loro capacità compositive nel corso di una carriera in un'altra occupazione musicale.

Occupazione

Durante il Medioevo, la maggior parte dei compositori lavorava per la chiesa cattolica e componeva musica per le funzioni religiose come melodie cantate . Durante l' era della musica rinascimentale , i compositori lavoravano tipicamente per i datori di lavoro aristocratici. Mentre gli aristocratici in genere richiedevano ai compositori di produrre una quantità significativa di musica religiosa, come le messe , i compositori scrissero anche molte canzoni non religiose sul tema dell'amore cortese : l' amore rispettoso e reverenziale di una grande donna da lontano. Le canzoni d'amore cortese erano molto popolari durante l'era rinascimentale. Durante l' era della musica barocca , molti compositori erano impiegati da aristocratici o come impiegati della chiesa. Durante il periodo classico , i compositori iniziarono a organizzare più concerti pubblici a scopo di lucro, il che aiutò i compositori a essere meno dipendenti dai lavori aristocratici o ecclesiastici. Questa tendenza è continuata nell'era della musica romantica nel XIX secolo. Nel XX secolo, i compositori iniziarono a cercare lavoro come professori nelle università e nei conservatori. Nel 20 ° secolo, i compositori hanno anche guadagnato denaro dalla vendita delle loro opere, come pubblicazioni di spartiti delle loro canzoni o brani o come registrazioni sonore delle loro opere.

Guarda anche

Riferimenti

link esterno