Arte popolare - Folk art

Pew gruppo di figure dello Staffordshire , Inghilterra, c. 1745, gres smaltato al sale. 7 1/2 × 8 3/8 pollici (19,1 × 21,3 cm)
"Gran calavera eléctrica" ​​di José Guadalupe Posada , Messico, 1900-1913
"Old Bright, il postino", George Smart , c1830s
Stili tradizionali di faience ceramiche di Terra dei Siculi , Romania , in vendita a Budapest nel 2014. Un'idea convenzionale di arte popolare, anche se senza dubbio fatta in condizioni di quasi-industriale.

L'arte popolare copre tutte le forme di arte visiva realizzate nel contesto della cultura popolare . Le definizioni variano, ma generalmente gli oggetti hanno un'utilità pratica di qualche tipo, piuttosto che essere esclusivamente decorativi . I creatori di arte popolare sono tipicamente formati all'interno di una tradizione popolare, piuttosto che nella tradizione artistica della cultura. C'è spesso una sovrapposizione, o un terreno conteso, con l ' " arte ingenua ". L'"arte popolare" non viene utilizzata in relazione alle società tradizionali in cui l' arte etnografica continua a essere prodotta.

I tipi di oggetti coperti dal termine "arte popolare" variano. La forma d'arte è classificata come "divergente... di produzione culturale... compresa dal suo uso in Europa, dove il termine ha avuto origine, e negli Stati Uniti, dove si è sviluppato per la maggior parte lungo linee molto diverse".

Campionatore americano , 1831

Le arti popolari riflettono la vita culturale di una comunità. La forma d'arte comprende la cultura espressiva associata ai campi del folklore e del patrimonio culturale . L'arte popolare tangibile può includere oggetti che storicamente sono realizzati e utilizzati all'interno di una comunità tradizionale. Le arti popolari immateriali possono includere forme come la musica, la danza e le strutture narrative. Ognuna di queste forme d'arte, sia tangibile che intangibile, è stata tipicamente sviluppata per affrontare uno scopo pratico. Una volta che lo scopo è stato perso o dimenticato, di solito non c'è motivo per un'ulteriore trasmissione a meno che l'oggetto o l'azione non siano stati imbevuti di significato al di là della sua praticità iniziale. Queste tradizioni artistiche sono modellate da valori e standard che vengono trasmessi di generazione in generazione, il più delle volte all'interno della famiglia e della comunità, attraverso dimostrazioni, conversazioni e pratiche.

Caratteristiche degli oggetti d'arte popolare

Dettaglio del bastone calendario del XVII secolo scolpito con stemma nazionale, un motivo comune nell'arte popolare norvegese .

Gli oggetti dell'arte popolare sono un sottoinsieme della cultura materiale e includono oggetti che vengono vissuti attraverso i sensi, vedendo e toccando. Tipici della cultura materiale nell'arte, questi oggetti tangibili possono essere maneggiati, ripetutamente rivisti e talvolta rotti. Sono considerate opere d'arte per l'esecuzione tecnica di una forma e di un disegno esistenti; l'abilità si può vedere nella precisione della forma, nella decorazione della superficie o nella bellezza del prodotto finito. Come arte popolare, questi oggetti condividono diverse caratteristiche che li distinguono da altri manufatti della cultura materiale.

Artisti popolari

L'oggetto è creato da un singolo artigiano o da un team di artigiani. L'artigiano lavora all'interno di un quadro culturale stabilito. L'arte popolare ha uno stile e un metodo riconoscibili nella lavorazione dei suoi pezzi, che consente di riconoscere e attribuire i prodotti a un singolo individuo o laboratorio. Questo è stato originariamente articolato da Alois Riegl nel suo studio su Volkskunst, Hausfleiss, und Hausindustrie , pubblicato nel 1894. "Riegl ... ha sottolineato che la mano e le intenzioni individuali dell'artista erano significative, anche nella creatività popolare. l'artista può essere stato obbligato dalle aspettative del gruppo a lavorare all'interno delle norme delle forme e delle convenzioni trasmesse, ma la creatività individuale - che implicava scelte estetiche personali e virtuosismi tecnici - ha salvato le tradizioni ricevute o ereditate dalla stagnazione e ha permesso loro di rinnovarsi in ogni generazione." L'innovazione individuale nel processo produttivo gioca un ruolo importante nel mantenimento di queste forme tradizionali. Molte tradizioni dell'arte popolare come la trapuntatura, le cornici ornamentali e l'intaglio di esche continuano a essere praticate e nuove forme continuano ad emergere.

Gli artisti contemporanei outsider sono spesso autodidatti e il loro lavoro viene solitamente sviluppato in isolamento o in piccole comunità in tutto il paese. Lo Smithsonian American Art Museum ospita oltre 70 artisti folk e autodidatti; ad esempio, Elito Circa , un artista indigeno famoso e riconosciuto a livello internazionale , ha sviluppato i propri stili senza una formazione o una guida professionale.

Fatto a mano

Il taka è un tipo di arte della cartapesta originaria di Paete nelle Filippine .

Gli oggetti d'arte popolare vengono solitamente prodotti in un processo di produzione una tantum. Viene realizzato un solo oggetto alla volta, a mano o con una combinazione di metodi manuali e meccanici, e non sono prodotti in serie . Per effetto della produzione manuale, i singoli pezzi sono considerati unici e solitamente differenziabili da altri oggetti dello stesso tipo. Nel suo saggio su "Oggetti popolari", il folklorista Simon Bronner fa riferimento ai modi di produzione preindustriali, ma gli oggetti dell'arte popolare continuano a essere realizzati come pezzi unici realizzati da artigiani popolari. "La nozione di oggetti popolari tende a enfatizzare il fatto a mano rispetto al fabbricato a macchina. Gli oggetti popolari implicano un modo di produzione comune alla società comunitaria preindustriale in cui le conoscenze e le abilità erano personali e tradizionali". L'arte popolare non ha bisogno di essere vecchia; continua ad essere realizzato a mano oggi in molte regioni del mondo.

Laboratori e apprendisti

La progettazione e la produzione dell'arte popolare vengono apprese e insegnate in modo informale o formale; gli artisti folk non sono autodidatti. L'arte popolare non mira all'espressione individualistica. Invece, «il concetto di arte di gruppo implica, anzi richiede, che gli artisti acquisiscano le loro capacità, sia manuali che intellettuali, almeno in parte dalla comunicazione con gli altri. La comunità ha qualcosa, di solito molto, da dire su ciò che passa per accettabile arte popolare." Storicamente, la formazione in un artigianato è stata fatta come apprendistato con artigiani locali, come il fabbro o lo scalpellino . Poiché le attrezzature e gli strumenti necessari non erano più facilmente disponibili nella comunità, questi mestieri tradizionali si trasferirono nelle scuole tecniche o nelle scuole di arti applicate .

Di proprietà della comunità

L'oggetto è riconoscibile nel suo quadro culturale come di tipo noto. Oggetti simili possono essere trovati nell'ambiente creato da altri individui che assomigliano a questo oggetto. I singoli pezzi di arte popolare faranno riferimento ad altre opere della cultura, anche se mostrano un'esecuzione individuale eccezionale nella forma o nel design. Se non è possibile trovare antecedenti per questo oggetto, potrebbe comunque essere un'opera d'arte ma non è arte popolare. "Mentre la società tradizionale non cancella l'ego, concentra e dirige le scelte che un individuo può accettare in modo accettabile... la persona ben socializzata scoprirà che i limiti non sono inibitori ma utili... Dove le tradizioni sono sane le opere di artisti diversi sono più simili di quanto non siano diversi; sono più uniformi che personali." La tradizione nell'arte popolare emerge attraverso il passaggio di informazioni da una generazione all'altra. Attraverso generazioni di linee familiari, i membri della famiglia trasmettono le conoscenze, le informazioni, le abilità e gli strumenti necessari per continuare la creazione della propria arte popolare. Esempi sono Leon "Peck" Clark, un cestaio del Mississippi, che ha imparato le sue abilità da un membro della comunità; George Lopez di Cordova, New Mexico, che è un intagliatore di santos di sesta generazione e anche i suoi figli scolpiscono; e i cestai Yorok-Karok, che spiegano che i parenti generalmente insegnavano loro a tessere”.

Utilità dell'oggetto

Il tipo noto dell'oggetto deve essere, o essere stato originariamente, utilitaristico; è stato creato per svolgere alcune funzioni nella vita quotidiana della famiglia o della comunità. Questo è il motivo per cui il design continua a essere realizzato. Poiché la forma stessa aveva funzione e scopo, è stata duplicata nel tempo in vari luoghi da individui diversi. Un libro sulla storia dell'arte afferma che "ogni cosa creata dall'uomo nasce da un problema come soluzione mirata". Scritto da George Kubler e pubblicato nel 1962, " The Shape of Time: Remarks on the History of Things " descrive un approccio al cambiamento storico che colloca la storia degli oggetti e delle immagini in un continuum temporale più ampio. Lo scopo dell'arte popolare non è puramente decorativo o mirato a duplicare l'artigianato. Tuttavia, poiché la forma stessa era un tipo distinto con la sua funzione e scopo, l'arte popolare ha continuato a essere copiata nel tempo da individui diversi.

Estetica del genere

1978 Prima pittura indigena, tecnica mista con salsa di soia, acqua e colorazione e smalto su compensato creato da Elito "Amangpintor" Circa , Filippine , 1978

L'oggetto è riconosciuto come eccezionale nella forma e nei motivi decorativi. Essendo parte della comunità, l'artigiano riflette sull'estetica culturale della comunità e può prendere in considerazione la risposta della comunità all'artigianato. Un oggetto può essere creato per soddisfare le aspettative della comunità e l'artista può progettare il prodotto con pregiudizi culturali inespressi per riflettere questo obiettivo. Mentre la forma condivisa indica una cultura condivisa, l'innovazione può consentire al singolo artigiano di incarnare la propria visione. Questa può essere una rappresentazione della manipolazione della cultura collettiva e individuale, all'interno della tradizionale produzione di arte popolare. "Perché l'arte possa progredire, la sua unità deve essere smantellata in modo che alcuni dei suoi aspetti possano essere liberati per l'esplorazione, mentre altri si sottraggano all'attenzione." Questa rappresentazione dicotomica della cultura è tipicamente visibile nel prodotto finale.

Materiali, forme e mestieri

L'arte popolare è progettata in diverse forme, dimensioni e forme. Usa tradizionalmente i materiali che sono a portata di mano nella località e riproduce forme e forme familiari. Il Centro Smithsonian per la vita popolare e il patrimonio culturale ha compilato una pagina di oggetti storici che hanno fatto parte di uno dei loro festival annuali di vita popolare . L'elenco che segue include una campionatura di diversi materiali, forme e artigiani coinvolti nella produzione di oggetti d'arte quotidiana e popolare.

Terminologia correlata

Di seguito sono elencati un vasto assortimento di etichette per un gruppo eclettico di opere d'arte. Tutti questi generi sono creati al di fuori delle strutture istituzionali del mondo dell'arte e non sono considerati "belle arti". C'è sovrapposizione tra queste raccolte etichettate, in modo tale che un oggetto potrebbe essere elencato sotto due o più etichette. Molti di questi raggruppamenti e singoli oggetti potrebbero anche assomigliare all'"arte popolare" nei suoi aspetti, tuttavia potrebbero non allinearsi alle caratteristiche distintive sopra delineate.


Influenza sull'arte mainstream

Opere d'arte, stili e motivi popolari hanno ispirato vari artisti. Ad esempio, Pablo Picasso è stato ispirato da sculture e maschere tribali africane. Natalia Goncharova e altri si sono ispirati alle tradizionali stampe popolari russe chiamate luboks .

Nel 1951, l'artista, scrittrice e curatrice Barbara Jones organizzò la mostra Black Eyes and Lemonade alla Whitechapel Gallery di Londra come parte del Festival of Britain . Questa mostra, insieme alla sua pubblicazione The Unsophisticated Arts , esponeva oggetti di consumo popolari e prodotti in serie insieme all'arte contemporanea in uno dei primi casi di divulgazione della pop art in Gran Bretagna.

Organizzazioni di supporto

Le Nazioni Unite riconoscono e sostengono il patrimonio culturale di tutto il mondo, in particolare l' UNESCO in collaborazione con l' Organizzazione internazionale dell'arte popolare (IOV) . La loro missione dichiarata è quella di "promuovere l'arte, i costumi e la cultura popolari in tutto il mondo attraverso l'organizzazione di festival e altri eventi culturali, ... con enfasi sulla danza, la musica popolare, i canti popolari e l'arte popolare". Sostenendo gli scambi internazionali di gruppi di arte popolare e l'organizzazione di festival e altri eventi culturali, il loro obiettivo è promuovere la comprensione internazionale e la pace nel mondo.

Negli Stati Uniti, il National Endowment for the Arts lavora per promuovere una maggiore comprensione e sostenibilità del patrimonio culturale negli Stati Uniti e nel mondo attraverso la ricerca, l'istruzione e l'impegno della comunità. Come parte di questo, identificano e supportano i compagni di arte popolare NEA nella trapuntatura, nella lavorazione del ferro, nell'intaglio del legno, nella ceramica, nel ricamo, nel vimini, nella tessitura e in altre arti tradizionali correlate. Le linee guida NEA definiscono come criteri per questo premio una dimostrazione di "autenticità, eccellenza e significato all'interno di una particolare tradizione" per gli artisti selezionati. (Linee guida NEA)”. Nel 1966, il primo anno di finanziamento della NEA, il sostegno ai festival popolari nazionali e regionali è stato identificato come una priorità con la prima sovvenzione fatta nel 1967 alla National Folk Festival Association. I festival Folklife sono celebrati in tutto il mondo per incoraggiare e sostenere l'educazione e l'impegno comunitario di diverse comunità etniche.

Arti popolari regionali

Associazioni

Collezioni museali

citazioni

Guarda anche

Riferimenti

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