Jackson Pollock - Jackson Pollock

Jackson Pollock
Jackson Pollock.jpg
Ritratto in studio a circa 16 anni
Nato
Paul Jackson Pollock

( 1912-01-28 )28 gennaio 1912
Cody, Wyoming , Stati Uniti
Morto 11 agosto 1956 (1956-08-11)(all'età di 44 anni)
Springs, New York , Stati Uniti
Formazione scolastica Lega degli studenti d'arte di New York
Conosciuto per La pittura
Lavoro notevole
Movimento Espressionismo astratto
Coniugi
( M.  1945)
Patrono(i) Peggy Guggenheim

Paul Jackson Pollock / p ɒ l ə k / (28 Gennaio 1912 - 11 Agosto, 1956), è stato un pittore americano e una figura importante nel espressionista astratto movimento. È stato ampiamente notato per la sua " tecnica a goccia " di versare o spruzzare vernice liquida per uso domestico su una superficie orizzontale, consentendogli di visualizzare e dipingere le sue tele da tutte le angolazioni. Era anche chiamato pittura all-over e pittura d' azione , poiché copriva l'intera tela e usava la forza di tutto il suo corpo per dipingere, spesso in uno stile di danza frenetico. Questa forma estrema di astrazione divide i critici: alcuni ne elogiano l'immediatezza della creazione, altri ne deridono gli effetti casuali. Nel 2016, il dipinto di Pollock intitolato Number 17A è stato segnalato per aver raccolto 200 milioni di dollari in un acquisto privato.

Personalità solitaria e volubile, Pollock ha lottato con l'alcolismo per la maggior parte della sua vita. Nel 1945 sposò l'artista Lee Krasner , che divenne un'importante influenza sulla sua carriera e sulla sua eredità. Pollock è morto all'età di 44 anni in un incidente stradale legato all'alcol mentre era alla guida. Nel dicembre 1956, quattro mesi dopo la sua morte, Pollock ricevette una mostra retrospettiva commemorativa al Museum of Modern Art (MoMA) di New York City. Una mostra più ampia e completa del suo lavoro si tenne lì nel 1967. Nel 1998 e nel 1999, il suo lavoro fu onorato con mostre retrospettive su larga scala al MoMA e alla Tate di Londra.

Primi anni (1912-1936)

Paul Jackson Pollock è nato a Cody, nel Wyoming , nel 1912, il più giovane di cinque figli. I suoi genitori, Stella May (nata McClure) e LeRoy Pollock, sono nati e cresciuti a Tingley, Iowa , e hanno studiato alla Tingley High School. La madre di Pollock è sepolta nel cimitero di Tingley, nella contea di Ringgold, Iowa . Suo padre era nato con il cognome McCoy, ma aveva preso il cognome dei suoi genitori adottivi, vicini che lo avevano adottato dopo che i suoi genitori erano morti a distanza di un anno l'uno dall'altro. Stella e LeRoy Pollock erano presbiteriani ; erano di origine irlandese e scozzese-irlandese , rispettivamente. LeRoy Pollock era un agricoltore e in seguito un agrimensore per il governo, spostandosi per diversi lavori. Stella, orgogliosa dell'eredità della sua famiglia come tessitrice, realizzava e vendeva abiti da adolescente. Nel novembre 1912 Stella portò i suoi figli a San Diego; Jackson aveva solo 10 mesi e non sarebbe mai tornato da Cody. Successivamente è cresciuto in Arizona e Chico, California .

Mentre viveva nel quartiere di Vermont Square a Los Angeles, si iscrisse alla Manual Arts High School , dalla quale fu espulso. Era già stato espulso nel 1928 da un altro liceo. Durante la sua prima infanzia, Pollock ha esplorato la cultura dei nativi americani durante i viaggi di rilevamento con suo padre. Fu anche fortemente influenzato dai muralisti messicani , in particolare José Clemente Orozco , il cui affresco Prometeo chiamò in seguito "il più grande dipinto del Nord America".

Nel 1930, seguendo il fratello maggiore Charles Pollock , si trasferì a New York City, dove entrambi studiarono con Thomas Hart Benton alla Art Students League . Il soggetto rurale americano di Benton ha avuto poca influenza sul lavoro di Pollock, ma il suo uso ritmico della pittura e la sua feroce indipendenza sono stati più duraturi. All'inizio degli anni '30, Pollock trascorse un'estate in tournée negli Stati Uniti occidentali insieme a Glen Rounds , un compagno di studi d'arte, e Benton, il loro insegnante.

Carriera (1936-1954)

Pollock è stato introdotto all'uso della vernice liquida nel 1936 in un laboratorio sperimentale a New York City dal muralista messicano David Alfaro Siqueiros . In seguito utilizzò la colata di pittura come una delle numerose tecniche su tele dei primi anni '40, come Maschile e femminile e Composizione con colata I . Dopo il suo trasferimento a Springs, New York , iniziò a dipingere con le sue tele disposte sul pavimento dello studio e sviluppò quella che in seguito fu chiamata la sua tecnica "a goccia ".

Dal 1938 al 1942 Pollock ha lavorato per il WPA Federal Art Project . Durante questo periodo Pollock stava cercando di affrontare il suo alcolismo consolidato; dal 1938 al 1941 ha subito la psicoterapia junghiana con il Dr. Joseph L. Henderson e successivamente con la Dr. Violet Staub de Laszlo nel 1941-42. Henderson lo ha coinvolto attraverso la sua arte, incoraggiando Pollock a fare disegni. Concetti e archetipi junghiani sono stati espressi nei suoi dipinti. Alcuni storici hanno ipotizzato che Pollock potesse avere un disturbo bipolare . Pollock ha firmato un contratto di galleria con Peggy Guggenheim nel luglio 1943. Ha ricevuto l'incarico di creare il murale di 2,4 x 6,1 m ( 8 x 20 piedi) (1943) per l'ingresso alla sua nuova casa di città. Su suggerimento del suo amico e consigliere Marcel Duchamp , Pollock dipinse l'opera su tela, piuttosto che sul muro, in modo che fosse portatile. Dopo aver visto il grande murale, il critico d'arte Clement Greenberg ha scritto: "Ho dato un'occhiata e ho pensato: 'Ora è una grande arte' e sapevo che Jackson era il più grande pittore che questo paese avesse prodotto". Il catalogo che introduceva la sua prima mostra descriveva il talento di Pollock come "vulcanico. Ha fuoco. È imprevedibile. È indisciplinato. Si riversa da sé in una prodigalità minerale, non ancora cristallizzata".

Periodo di gocciolamento

I dipinti più famosi di Pollock sono stati realizzati durante il "periodo di gocciolamento" tra il 1947 e il 1950. È diventato famoso in seguito a una pubblicazione di quattro pagine dell'8 agosto 1949 sulla rivista Life che chiedeva: "È il più grande pittore vivente negli Stati Uniti?" Grazie alla mediazione di Alfonso Ossorio , amico intimo di Pollock e dello storico dell'arte Michel Tapié , il giovane gallerista Paul Facchetti , dal 7 marzo 1952, riuscì a realizzare la prima mostra delle opere di Pollock dal 1948 al 1951 nel suo Studio Paul Facchetti a Parigi e in Europa. Al culmine della sua fama, Pollock abbandonò bruscamente lo stile a goccia.

Il lavoro di Pollock dopo il 1951 era di colore più scuro, inclusa una collezione dipinta in nero su tele non preparate . Questi dipinti sono stati definiti i suoi "Black versamenti" e quando li ha esposti alla Betty Parsons Gallery di New York, nessuno di loro è stato venduto. Parsons ne ha poi venduto uno a un amico a metà prezzo. Queste opere mostrano Pollock che cerca di trovare un equilibrio tra astrazione e rappresentazione della figura .

In seguito tornò a usare il colore e continuò con elementi figurativi. Durante questo periodo, Pollock si era trasferito alla Sidney Janis Gallery , una galleria più commerciale; la richiesta del suo lavoro da parte dei collezionisti è stata grande. In risposta a questa pressione, insieme alla frustrazione personale, il suo alcolismo si approfondì.

Relazione con Lee Krasner

I due artisti si incontrarono mentre entrambi esponevano alla McMillen Gallery nel 1942. Krasner non aveva familiarità, ma era incuriosito dal lavoro di Pollock e andò nel suo appartamento, senza preavviso, per incontrarlo dopo la mostra in galleria. Nell'ottobre 1945, Pollock e Lee Krasner si sposarono in una chiesa con due testimoni presenti per l'evento. A novembre si trasferirono fuori città nell'area di Springs , nell'East Hampton, sulla costa meridionale di Long Island . Con l'aiuto di un prestito anticipato di Peggy Guggenheim, acquistarono una casa con struttura in legno e un fienile a 830 Springs Fireplace Road. Pollock ha trasformato il fienile in uno studio. In quello spazio, perfezionò la sua grande tecnica "a goccia" di lavorare con la pittura, con la quale si sarebbe identificato in modo permanente. Quando la coppia si è trovata libera dal lavoro, si è divertita a passare il tempo insieme cucinando e cucinando, lavorando in casa e in giardino e intrattenendo gli amici.

Lo studio di Pollock a Springs, New York

L'influenza di Krasner sull'arte di suo marito fu qualcosa che i critici iniziarono a rivalutare dalla seconda metà degli anni '60 a causa dell'ascesa del femminismo in quel momento. La vasta conoscenza e formazione di Krasner nell'arte e nelle tecniche moderne l'hanno aiutata ad aggiornare Pollock su ciò che dovrebbe essere l'arte contemporanea. Si ritiene spesso che Krasner abbia insegnato a suo marito i principi dominanti della pittura modernista. Pollock fu quindi in grado di cambiare il suo stile per adattarlo a un genere di arte moderna più organizzato e cosmopolita, e Krasner divenne l'unico giudice di cui poteva fidarsi. All'inizio del matrimonio dei due artisti, Pollock si fidava delle opinioni della sua controparte su ciò che funzionava o meno nei suoi pezzi. Krasner è stato anche responsabile di presentarlo a molti collezionisti, critici e artisti, tra cui Herbert Matter , che lo avrebbero aiutato a promuovere la sua carriera di artista emergente. Il mercante d'arte John Bernard Myers una volta disse "non ci sarebbe mai stato un Jackson Pollock senza un Lee Pollock", mentre il collega pittore Fritz Bultman si riferiva a Pollock come alla "creazione, il suo Frankenstein" di Krasner, entrambi riconoscendo l'immenso impatto che Krasner ebbe sulla carriera di Pollock .

L'influenza di Jackson Pollock sull'opera d'arte di sua moglie è spesso discussa dagli storici dell'arte. Molte persone pensavano che Krasner avesse iniziato a riprodurre e reinterpretare i caotici schizzi di vernice di suo marito nel proprio lavoro. Ci sono diversi resoconti in cui Krasner intendeva usare la propria intuizione, come un modo per avvicinarsi alla tecnica "Io sono la natura" di Pollock per riprodurre la natura nella sua arte.

Gli anni successivi e la morte (1955-1956)

La tomba di Jackson Pollock nella parte posteriore con la tomba di Lee Krasner di fronte nel cimitero di Green River

Nel 1955 Pollock dipinse Scent and Search , i suoi ultimi due dipinti. Nel 1956 non dipingeva affatto, ma realizzava sculture a casa di Tony Smith : costruzioni di filo metallico, garza e gesso. Modellati per fusione in sabbia, hanno superfici fortemente strutturate simili a quelle che Pollock spesso creava nei suoi dipinti.

La relazione di Pollock e Krasner iniziò a sgretolarsi nel 1956, a causa del continuo alcolismo e dell'infedeltà di Pollock che coinvolgeva Ruth Kligman . L'11 agosto 1956, alle 22:15, Pollock morì in un incidente d'auto a bordo della sua Oldsmobile decappottabile mentre guidava sotto l'effetto dell'alcol. All'epoca Krasner era in visita ad amici in Europa e lei tornò bruscamente dopo aver appreso la notizia da un'amica. Anche una dei passeggeri, Edith Metzger, è rimasta uccisa nell'incidente, avvenuto a meno di un miglio dalla casa di Pollock. L'altra passeggera, Ruth Kligman, artista e amante di Pollock, è sopravvissuta. Nel dicembre 1956, quattro mesi dopo la sua morte, Pollock ricevette una mostra retrospettiva commemorativa al Museum of Modern Art (MoMA) di New York City. Una mostra più ampia e completa del suo lavoro si tenne lì nel 1967. Nel 1998 e nel 1999, il suo lavoro fu onorato con mostre retrospettive su larga scala al MoMA e alla Tate di Londra.

Per il resto della sua vita, la sua vedova Lee Krasner ha gestito la sua tenuta e ha assicurato che la reputazione di Pollock rimanesse forte nonostante le mutevoli tendenze del mondo dell'arte. La coppia è sepolta nel cimitero di Green River a Springs con un grande masso che segna la sua tomba e uno più piccolo che segna la sua.

Arte

Influenza e tecnica

Il lavoro di Thomas Hart Benton , Pablo Picasso e Joan Miró ha influenzato Pollock. Pollock iniziò a utilizzare vernici a base di resine sintetiche chiamate smalti alchidici , che a quel tempo erano un nuovo mezzo. Pollock ha descritto questo uso delle pitture per la casa, invece delle pitture d'artista, come "una crescita naturale per un bisogno". Ha usato pennelli induriti, bastoncini e persino siringhe per imbastire come applicatori di vernice. Si pensa che la tecnica di Pollock di versare e gocciolare la vernice sia una delle origini del termine action painting . Con questa tecnica, Pollock è stato in grado di ottenere un mezzo più immediato per creare arte, la pittura ora scorre letteralmente dal suo strumento prescelto sulla tela. Sfidando la convenzione della pittura su una superficie verticale, ha aggiunto una nuova dimensione essendo in grado di visualizzare e applicare la pittura alle sue tele da tutte le direzioni.

Un'influenza definitiva su Pollock fu il lavoro dell'artista americana ucraina Janet Sobel (1894-1968) (nata Jennie Lechovsky). Peggy Guggenheim incluse il lavoro di Sobel nella sua The Art of This Century Gallery nel 1945. Jackson Pollock e il critico d'arte Clement Greenberg videro il lavoro di Sobel lì nel 1946 e in seguito Greenberg notò che Sobel era "un'influenza diretta sulla tecnica di pittura a goccia di Jackson Pollock". Nel suo saggio "American-Type Painting", Greenberg ha notato che quelle opere erano le prime di pittura all-over che aveva visto, e ha detto: "Pollock ha ammesso che queste immagini avevano fatto impressione su di lui".

Mentre dipingeva in questo modo, Pollock si allontanò dalla rappresentazione figurativa e sfidò la tradizione occidentale di usare cavalletto e pennello. Ha usato la forza di tutto il suo corpo per dipingere, che è stata espressa sulle grandi tele. Nel 1956, la rivista Time soprannominò Pollock "Jack the Dripper" per il suo stile pittorico.

Il mio dipinto non viene dal cavalletto. Preferisco attaccare la tela non tesa al muro duro o al pavimento. Ho bisogno della resistenza di una superficie dura. Sul pavimento sono più a mio agio. Mi sento più vicino, più parte del quadro, perché così posso camminarci intorno, lavorare dai quattro lati ed essere letteralmente nel quadro.

Continuo ad allontanarmi dai soliti strumenti del pittore come cavalletto, tavolozza, pennelli, ecc. Preferisco bastoncini, cazzuole, coltelli e vernice fluida gocciolante o un impasto pesante con aggiunta di sabbia, vetro rotto o altri corpi estranei.

Quando sono nel mio dipinto, non sono consapevole di quello che sto facendo. È solo dopo una sorta di periodo di "conoscenza" che vedo quello che ho fatto. Non ho paura di apportare modifiche, distruggere l'immagine, ecc., perché il dipinto ha una vita propria. Cerco di lasciarlo passare. È solo quando perdo il contatto con il dipinto che il risultato è un disastro. Altrimenti c'è pura armonia, un facile dare e avere, e il dipinto viene bene.

—  Jackson Pollock, La mia pittura , 1956

Pollock osservò le dimostrazioni di pittura su sabbia dei nativi americani negli anni '40. Riferendosi al suo stile di pittura sul pavimento, Pollock ha dichiarato: "Mi sento più vicino, più parte del dipinto, poiché in questo modo posso camminarci intorno, lavorare dai quattro lati ed essere letteralmente nel dipinto. Questo è simile a i metodi dei pittori di sabbia indiani dell'Occidente." Altre influenze sulla sua tecnica a goccia includono i muralisti messicani e l' automatismo surrealista . Pollock ha negato di aver fatto affidamento su "l'incidente"; di solito aveva un'idea di come voleva che apparisse un'opera particolare. La sua tecnica combinava il movimento del suo corpo, sul quale aveva il controllo, il flusso viscoso della pittura, la forza di gravità e l'assorbimento della pittura nella tela. Era una miscela di fattori controllabili e incontrollabili. Lanciando, gocciolando, versando e schizzando, si muoveva energicamente intorno alla tela, quasi come in una danza, e non si fermava finché non vedeva ciò che voleva vedere.

L'articolo dell'artista austriaco Wolfgang Paalen sull'arte totemica degli indigeni della British Columbia, in cui il concetto di spazio nell'arte totemista è considerato dal punto di vista di un artista, ha influenzato anche Pollock; Pollock possedeva una copia firmata e dedicata del numero amerindi della rivista di Paalen (DYN 4-5, 1943). Aveva anche visto i dipinti surrealisti di Paalen in una mostra del 1940. Un'altra forte influenza deve essere stata la tecnica del fumo surrealista di Paalen , che attraeva i pittori alla ricerca di nuovi modi per rappresentare ciò che veniva chiamato "l'invisibile" o il "possibile". La tecnica è stata dimostrata una volta nel laboratorio di Matta, di cui Steven Naifeh riferisce: "Una volta, quando Matta stava dimostrando la tecnica surrealista [di Paalen] Fumage, Jackson [Pollock] si rivolse a (Peter) Busa e disse in un sussurro teatrale: 'Posso fallo senza il fumo. ' " L'amico pittore di Pollock, Fritz Bultman, ha persino affermato: "È stato Wolfgang Paalen a iniziare tutto".

Nel 1950, Hans Namuth , un giovane fotografo, voleva fotografare Pollock al lavoro, sia fermi che in movimento. Pollock ha promesso di iniziare un nuovo dipinto appositamente per la sessione fotografica, ma quando Namuth è arrivato, Pollock si è scusato e gli ha detto che il dipinto era finito.

Il fotografo Hans Namuth ha ampiamente documentato le tecniche pittoriche uniche di Pollock

Namuth ha detto che quando è entrato in studio:

Una tela gocciolante ricopriva l'intero pavimento... Ci fu silenzio assoluto... Pollock guardò il quadro. Poi, inaspettatamente, raccolse lattina e pennello e iniziò a muoversi sulla tela. Era come se improvvisamente si fosse accorto che il dipinto non era finito. I suoi movimenti, inizialmente lenti, divennero gradualmente più veloci e più danzanti come se gettasse sulla tela pittura nera, bianca e color ruggine. Ha completamente dimenticato che io e Lee eravamo lì; non sembrava sentire il clic dell'otturatore della fotocamera... La mia sessione fotografica è durata finché ha continuato a dipingere, forse mezz'ora. In tutto questo tempo Pollock non si è fermato. Come si potrebbe mantenere questo livello di attività? Alla fine ha detto: "Questo è tutto".

I dipinti più belli di Pollock ... rivelano che la sua linea all-over non dà origine a aree positive o negative: non siamo fatti per sentire che una parte della tela richiede di essere letta come figura, astratta o figurativa, contro un'altra parte della tela letta come fondo. Non c'è dentro né fuori la linea di Pollock o lo spazio attraverso il quale si muove. ... Pollock è riuscito a liberare la linea non solo dalla sua funzione di rappresentare oggetti nel mondo, ma anche dal suo compito di descrivere o delimitare forme o figure, sia astratte che figurative, sulla superficie della tela.

—  Karmel, 132

Dalla denominazione alla numerazione

Continuando a eludere la ricerca dello spettatore di elementi figurativi nei suoi dipinti, Pollock abbandonò i titoli e iniziò a numerare le sue opere. Ha detto a questo proposito: "[L] guarda passivamente e cerca di ricevere ciò che il dipinto ha da offrire e non portare un soggetto o un'idea preconcetta di ciò che stanno cercando". Sua moglie disse: "Prima dava ai suoi quadri titoli convenzionali... ma ora li numera semplicemente. I numeri sono neutri. Fanno sì che le persone guardino un quadro per quello che è: pittura pura".

Dibattito critico

Il lavoro di Pollock è stato oggetto di importanti dibattiti critici. Il critico Robert Coates una volta ha deriso un certo numero di opere di Pollock come "semplici esplosioni disorganizzate di energia casuale, e quindi prive di significato". Reynold's News , in un titolo del 1959, diceva: "Questa non è arte, è uno scherzo di cattivo gusto". Il pittore astratto francese Jean Hélion , d'altra parte, ha osservato vedendo per la prima volta un Pollock: "Ha riempito lo spazio in continuazione perché non aveva un inizio né una fine". Clement Greenberg ha sostenuto il lavoro di Pollock su basi formalistiche. Si adatta bene alla visione di Greenberg della storia dell'arte come progressiva purificazione della forma ed eliminazione del contenuto storico. Considerava il lavoro di Pollock come il miglior dipinto del suo tempo e il culmine della tradizione occidentale attraverso il cubismo e Cézanne a Manet .

In un articolo del 1952 su ARTnews , Harold Rosenberg coniò il termine " pittura d'azione " e scrisse che "ciò che doveva andare sulla tela non era un quadro ma un evento. Il grande momento arrivò quando si decise di dipingere 'solo per dipingere' . Il gesto sulla tela era un gesto di liberazione dal valore: politico, estetico, morale". Molte persone presumevano che avesse modellato il suo paradigma di "pittore d'azione" su Pollock.

Il Congress for Cultural Freedom , un'organizzazione per promuovere la cultura e i valori americani, sostenuta dalla Central Intelligence Agency (CIA), ha sponsorizzato mostre del lavoro di Pollock. Alcuni studiosi di sinistra, tra cui Eva Cockcroft , hanno sostenuto che il governo degli Stati Uniti e l'élite ricca hanno abbracciato Pollock e l'espressionismo astratto per collocare gli Stati Uniti in prima linea nell'arte globale e svalutare il realismo socialista . Cockcroft scrisse che Pollock divenne "un'arma della Guerra Fredda ".

Pollock ha descritto la sua arte come "il movimento ha reso visibili i ricordi, arrestati nello spazio".

Eredità

Impatto

La colorazione di Pollock su tela grezza è stata adattata dai pittori Color Field Helen Frankenthaler e Morris Louis . Frank Stella ha fatto della "composizione all-over" un segno distintivo delle sue opere degli anni '60. L' artista degli Happenings Allan Kaprow , gli scultori Richard Serra ed Eva Hesse e molti artisti contemporanei hanno mantenuto l'enfasi di Pollock sul processo di creazione; sono stati influenzati dal suo approccio al processo, piuttosto che dall'aspetto del suo lavoro.

Nel 2004, One: Number 31, 1950 è stato classificato come l'ottavo pezzo di arte moderna più influente in un sondaggio di 500 artisti, curatori, critici e commercianti.

Nella cultura pop e nei media

Nel 1960, l' album di Ornette Coleman Free Jazz: A Collective Improvisation presentava un dipinto di Pollock, The White Light , come copertina.

All'inizio degli anni '90, tre gruppi di cineasti stavano sviluppando progetti biografici di Pollock, ciascuno basato su una fonte diversa. Il progetto che all'inizio sembrava più avanzato era una joint venture tra la Barwood Films di Barbra Streisand e la TriBeCa Productions di Robert De Niro (i genitori di De Niro erano amici di Krasner e Pollock). La sceneggiatura, di Christopher Cleveland, doveva essere basata sulla biografia orale di Jeffrey Potter del 1985, To a Violent Grave , una raccolta di ricordi degli amici di Pollock. Streisand doveva interpretare il ruolo di Lee Krasner e De Niro doveva interpretare Pollock. Un secondo doveva essere basato su Love Affair (1974), un libro di memorie di Ruth Kligman , che era l'amante di Pollock nei sei mesi prima della sua morte. Questo doveva essere diretto da Harold Becker , con Al Pacino nel ruolo di Pollock.

Nel 2000 è uscito il film biografico Pollock , basato sulla biografia vincitrice del Premio Pulitzer , Jackson Pollock: An American Saga , diretto e interpretato da Ed Harris . Marcia Gay Harden ha vinto l' Oscar come migliore attrice non protagonista per la sua interpretazione di Lee Krasner. Il film era il progetto di Ed Harris, che interpretava Pollock. È stato nominato per l' Oscar come miglior attore . Lo stesso Harris dipinse le opere viste nel film. La Fondazione Pollock-Krasner non ha autorizzato né collaborato a nessuna produzione.

Nel settembre 2009, lo storico dell'arte Henry Adams ha affermato nella rivista Smithsonian che Pollock aveva scritto il suo nome nel suo famoso dipinto Mural (1943). Il dipinto è ora assicurato per 140 milioni di dollari. Nel 2011, il rappresentante dello Stato repubblicano dell'Iowa Scott Raecker ha presentato un disegno di legge per forzare la vendita dell'opera d'arte, detenuto dall'Università dell'Iowa, per finanziare borse di studio, ma il suo disegno di legge ha creato una tale controversia che è stato rapidamente ritirato.

mercato dell'arte

Nel 1973, Number 11, 1952 (noto anche come Blue Poles ) è stato acquistato dal governo australiano Whitlam per la National Gallery of Australia per 2 milioni di dollari USA (1,3 milioni di dollari australiani al momento del pagamento). A quel tempo, questo era il prezzo più alto mai pagato per un dipinto moderno. Il dipinto è ora una delle mostre più popolari della galleria. Era un pezzo centrale della retrospettiva del 1998 del Museum of Modern Art a New York, la prima volta che il dipinto veniva mostrato in America dal suo acquisto.

Nel novembre 2006, il n. 5 di Pollock del 1948 è diventato il dipinto più costoso del mondo, quando è stato venduto privatamente a un acquirente non dichiarato per la somma di 140 milioni di dollari. Un altro record dell'artista è stato stabilito nel 2004, quando No. 12 (1949), un dipinto a goccia di medie dimensioni che era stato mostrato nel Padiglione degli Stati Uniti alla Biennale di Venezia del 1950 , ha raccolto 11,7 milioni di dollari a Christie's , New York. Nel 2012, Number 28, 1951 , una delle combinazioni dell'artista di gocciolamento e pennellate nei toni del grigio argenteo con rosso, giallo e colpi di blu e bianco, è stata venduta anche da Christie's, New York, per $ 20,5 milioni di dollari - 23 milioni di dollari con commissioni, all'interno della sua gamma stimata di US $ 20 milioni a US $ 30 milioni.

Nel 2013, il numero 19 di Pollock (1948) è stato venduto da Christie's per un valore di $ 58.363.750 durante un'asta che alla fine ha raggiunto $ 495 milioni di vendite totali in una notte, che Christie's riporta come un record fino ad oggi come l'asta più costosa di arte contemporanea.

Nel febbraio 2016, Bloomberg News ha riferito che Kenneth C. Griffin aveva acquistato il dipinto Numero 17A di Jackson Pollock del 1948 per 200 milioni di dollari, da David Geffen .

Problemi di autenticità

Il Pollock-Krasner Authentication Board è stato creato dalla Pollock-Krasner Foundation nel 1990 per valutare le opere ritrovate per un prossimo supplemento al catalogo del 1978. In passato, tuttavia, la Fondazione Pollock-Krasner ha rifiutato di essere coinvolta in casi di autenticazione.

Nel 2006, un documentario, Who the *$&% Is Jackson Pollock? è stato realizzato su Teri Horton, un camionista che ha acquistato un dipinto astratto per cinque dollari in un negozio dell'usato in California nel 1992. Quest'opera potrebbe essere un dipinto di Pollock perduto, ma la sua autenticità è dibattuta.

Untitled 1950 , che la Knoedler Gallery di New York aveva venduto nel 2007 per 17 milioni di dollari a Pierre Lagrange, un multimilionario di hedge fund londinese, è stato oggetto di una causa per autenticità davanti alla Corte Distrettuale degli Stati Uniti per il Distretto Meridionale di New York . Realizzato nel classico stile drip-and-splash del pittore e firmato "J. Pollock", il dipinto di dimensioni modeste (15 per 28 1/2 pollici) è risultato contenere pigmenti di vernice gialla non disponibili in commercio fino al 1970 circa. concluso in un accordo riservato nel 2012.

Analisi computerizzata frattale

Nel 1999, il fisico e artista Richard Taylor ha utilizzato l'analisi del computer per mostrare le somiglianze tra i modelli dipinti di Pollock e i frattali (schemi che ricorrono su più scale di dimensioni) trovati in uno scenario naturale, riflettendo le parole di Pollock "Io sono la natura". Il suo gruppo di ricerca ha etichettato lo stile Espressionismo frattale di Pollock .

Nel 2003, 24 dipinti e disegni Pollock sono stati trovati in un armadietto a Wainscott, New York . Nel 2005, la Fondazione Pollock-Krasner ha richiesto un'analisi frattale da utilizzare per la prima volta in una disputa sull'autenticità. I ricercatori dell'Università dell'Oregon hanno usato la tecnica per identificare le differenze tra i modelli nei sei dipinti controversi analizzati e quelli in 14 Pollock stabiliti. L'analisi dei pigmenti dei dipinti da parte dei ricercatori dell'Università di Harvard ha mostrato la presenza in un dipinto di un pigmento sintetico che non è stato brevettato fino agli anni '80 e materiali in altri due che non erano disponibili durante la vita di Pollock.

Nel 2007 è stata allestita una mostra museale itinerante dei dipinti ed è stata accompagnata da un libro completo, Pollock Matters , scritto da Ellen G. Landau, una delle quattro studiose sedute dell'ex pannello di autenticazione della Pollock Krasner Foundation degli anni '90, e Claude Cernuschi, studioso di espressionismo astratto. Nel libro, Landau dimostra le numerose connessioni tra la famiglia proprietaria dei dipinti e Jackson Pollock durante la sua vita per collocare i dipinti in quello che lei crede essere il loro giusto contesto storico. Landau presenta anche i risultati forensi dell'Università di Harvard e presenta possibili spiegazioni per le incongruenze forensi che sono state trovate in tre dei 24 dipinti. Tuttavia, lo scienziato che ha inventato uno dei pigmenti moderni ha respinto la possibilità che Pollock abbia usato questa vernice come "improbabile al punto di fantasia".

Successivamente, oltre 10 gruppi scientifici hanno eseguito analisi frattali su oltre 50 opere di Pollock. Uno studio del 2015 che ha utilizzato l'analisi frattale come una delle sue tecniche ha ottenuto un tasso di successo del 93% distinguendo i Pollock veri da quelli falsi. La ricerca attuale sull'espressionismo frattale si concentra sulla risposta umana alla visualizzazione dei frattali. I neuroscienziati cognitivi hanno dimostrato che i frattali di Pollock inducono negli osservatori la stessa riduzione dello stress dei frattali generati dal computer e dei frattali della Natura.

Archivi

Lee Krasner ha donato i documenti di Pollock agli Archives of American Art nel 1983. Successivamente sono stati archiviati con i suoi documenti. Gli Archives of American Art ospitano anche i documenti di Charles Pollock, che includono corrispondenza, fotografie e altri file relativi a suo fratello Jackson.

Un'organizzazione separata, la Fondazione Pollock-Krasner , è stata istituita nel 1985. La fondazione funge da patrimonio ufficiale sia per Pollock che per la sua vedova, ma anche secondo i termini del testamento di Krasner, serve "per assistere i singoli artisti che lavorano con meriti con necessità finanziarie ". Il rappresentante statunitense del copyright per la Fondazione Pollock-Krasner è la Artists Rights Society .

La Pollock-Krasner House and Studio è di proprietà e amministrata dalla Stony Brook Foundation, un'affiliata senza scopo di lucro della Stony Brook University . Visite regolari della casa e dello studio si svolgono da maggio a ottobre.

Elenco delle opere principali

Lo studio-pavimento di Pollock a Springs, New York , il risultato visivo di essere stato la sua principale superficie pittorica dal 1946 al 1953

Riferimenti

Ulteriori letture

link esterno

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