Arte messicana - Mexican art

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Vari tipi di arti visive si svilupparono nell'area geografica oggi conosciuta come Messico. Lo sviluppo di queste arti segue grosso modo la storia del Messico , divisa nell'era preispanica mesoamericana , il periodo coloniale , con il periodo successivo alla guerra d'indipendenza messicana, lo sviluppo dell'identità nazionale messicana attraverso l'arte nel diciannovesimo secolo e la fioritura del moderno messicano arte dopo la Rivoluzione messicana (1910-1920).

L'arte mesoamericana è quella prodotta in un'area che comprende gran parte di quello che oggi è il Messico centrale e meridionale, prima della conquista spagnola dell'impero azteco per un periodo di circa 3000 anni dall'arte messicana può essere luminosa e colorata questo è chiamato encopended. Durante questo periodo, tutte le influenze sulla produzione artistica erano indigene, con l'arte fortemente legata alla religione e alla classe dirigente. C'era poca o nessuna vera distinzione tra arte, architettura e scrittura. La conquista spagnola portò a 300 anni di dominio coloniale spagnolo e la produzione artistica rimase legata alla religione: la maggior parte dell'arte era associata alla costruzione e alla decorazione delle chiese, ma l'arte secolare si espanse nel XVIII secolo, in particolare dipinti di casta , ritratti e dipinti storici . Quasi tutta l'arte prodotta era nella tradizione europea, con artisti della tarda epoca coloniale formati all'Accademia di San Carlos , ma gli elementi indigeni sono rimasti, iniziando un continuo gioco di equilibrio tra tradizioni europee e indigene.

Dopo l'indipendenza, l'arte è rimasta fortemente in stile europeo, ma i temi indigeni sono apparsi nelle principali opere mentre il Messico liberale ha cercato di distinguersi dal suo passato coloniale spagnolo. Questa preferenza per gli elementi indigeni è continuata nella prima metà del XX secolo, con il realismo sociale o movimento muralista messicano guidato da artisti come Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco e Fernando Leal , che furono commissionati dal post- governo della Rivoluzione messicana per creare una narrazione visiva della storia e della cultura messicana.

La forza di questo movimento artistico era tale da influenzare le tecnologie di nuova invenzione, come la fotografia e il cinema, e promuovere fortemente le arti ei mestieri popolari come parte dell'identità del Messico. Dagli anni '50, l'arte messicana si è staccata dallo stile muralista ed è stata più globalizzata, integrando elementi dall'Asia, con artisti e registi messicani che hanno un effetto sulla scena globale.

Arte precolombiana

Si ritiene che l'arte rupestre più antica del continente americano, 7500 anni, si trovi in ​​una grotta nella penisola della Baja California.

L'arte preispanica del Messico appartiene a una regione culturale conosciuta come Mesoamerica , che corrisponde approssimativamente al Messico centrale fino all'America centrale , che comprende tremila anni dal 1500 a.C. al 1500 d.C. generalmente divisi in tre epoche: preclassica, classica e postclassica. . La prima cultura mesoamericana dominante fu quella degli Olmechi , che raggiunse il picco intorno al 1200 a.C. Gli Olmechi hanno originato gran parte di ciò che è associato alla Mesoamerica, come la scrittura geroglifica , il calendario , i primi progressi nell'astronomia, la scultura monumentale ( teste olmeche ) e il lavoro di giada .

Erano un precursore di culture successive come Teotihuacan , a nord di Città del Messico, gli Zapotechi a Oaxaca e i Maya nel Messico meridionale, Belize e Guatemala . Mentre gli imperi sorsero e caddero, le basi culturali di base della Mesoamerica rimasero le stesse fino alla conquista spagnola dell'Impero azteco . Questi includevano città incentrate su piazze, templi solitamente costruiti su basi piramidali, campi da ballo mesoamericani e una cosmologia per lo più comune.

Mentre forme d'arte come pitture rupestri e incisioni rupestri risalgono a prima, la storia nota dell'arte messicana inizia con l'arte mesoamericana creata da culture sedentarie che hanno costruito città e spesso domini. Mentre l'arte della Mesoamerica è più varia e si estende su più tempo che in qualsiasi altra parte delle Americhe, gli stili artistici mostrano una serie di somiglianze.

A differenza dell'arte moderna occidentale, quasi tutta l'arte mesoamericana è stata creata per servire bisogni religiosi o politici, piuttosto che l'arte fine a se stessa. È fortemente basato sulla natura, sulla realtà politica circostante e sugli dei. Octavio Paz afferma che "l'arte mesoamericana è una logica di forme, linee e volumi che è allo stesso tempo una cosmologia". Continua affermando che questa attenzione allo spazio e al tempo è molto distinta dal naturalismo europeo basato sulla rappresentazione del corpo umano. Anche i disegni semplici come le greche degli edifici rientrano in questa rappresentazione dello spazio e del tempo, della vita e degli dei.

L'arte è stata espressa su una varietà di mezzi come la ceramica, la carta amata e l'architettura. La maggior parte di ciò che è noto dell'arte mesoamericana proviene da opere che coprono edifici in pietra e ceramiche, per lo più dipinti e rilievi. Le ceramiche risalgono all'inizio del periodo mesoamericano. Probabilmente iniziarono come recipienti per cucinare e immagazzinare, ma poi furono adattati ad usi rituali e decorativi. Le ceramiche venivano decorate mediante modellatura, graffiatura, pittura e diversi metodi di cottura.

La prima produzione puramente artistica conosciuta erano piccole figure in ceramica che apparvero nell'area di Tehuacán intorno al 1.500 a.C. e si diffusero a Veracruz , nella Valle del Messico , a Guerrero , a Oaxaca , in Chiapas e sulla costa pacifica del Guatemala. Le prime di queste sono per lo più figure femminili, probabilmente associate a riti di fertilità a causa dei loro fianchi e cosce spesso sovradimensionati, nonché un numero con bambini in braccio o allattati. Quando compaiono figure maschili, molto spesso sono soldati. La produzione di queste figure in ceramica, che in seguito includeranno animali e altre forme, è rimasta un'importante forma d'arte per 2000 anni. Nel primo periodo olmeco la maggior parte erano piccole sculture in ceramica ma su larga scala venivano prodotte fino a 55 cm.

Dopo il medio pre-classico, la scultura in ceramica è diminuita nel centro del Messico tranne che nella regione di Chupícuaro . Nelle aree Maya, l'arte scompare nel tardo preclassico, per riapparire nel Classico, per lo più sotto forma di fischietti e altri strumenti musicali. In alcune zone, come parti di Veracruz, la creazione di figure in ceramica continuò ininterrotta fino alla conquista spagnola, ma come artigianato, non come arte formale.

La pittura mesoamericana si ritrova in varie espressioni, dai murales, alla creazione di codici e alla pittura di oggetti in ceramica. Le prove della pittura risalgono almeno al 1800 aC e continuano ininterrottamente in una forma o nell'altra fino all'arrivo degli spagnoli nel XVI secolo. Sebbene possa essersi verificato prima, i primi casi noti di pittura artistica di edifici monumentali si verificano nel primo periodo classico con i Maya a Uaxactun e Tikal e a Teotihuacan con pareti dipinte in vari colori.

Le pitture erano realizzate con pigmenti e basi animali, vegetali e minerali. La maggior parte dei dipinti mette a fuoco una o più figure umane, che possono essere realistiche o stilizzate, maschili, femminili o asessuali. Possono essere nudi o riccamente abbigliati, ma lo status sociale di ogni figura è indicato in qualche modo. Le scene spesso raffigurano la guerra, il sacrificio, i ruoli degli dei o gli atti dei nobili. Tuttavia, sono state trovate anche scene comuni con persone comuni. Altri soggetti includevano divinità, simboli e animali. La pittura mesoamericana era bidimensionale senza alcuno sforzo per creare l'illusione della profondità. Tuttavia, il movimento è spesso rappresentato.

La scultura non in ceramica in Mesoamerica iniziò con la modifica delle ossa di animali, con il pezzo più antico conosciuto essendo un teschio animale di Tequixquiac che risale tra il 10.000 e l'8.000 a.C. La maggior parte della scultura mesoamericana è in pietra; mentre il lavoro di rilievo sugli edifici è il più dominante, è stata eseguita anche la scultura indipendente. La scultura in pietra tridimensionale indipendente è iniziata con gli Olmechi, l'esempio più famoso sono le teste di pietra giganti di Olmec . Questo scomparve per il resto del periodo mesoamericano a favore del lavoro di soccorso fino al tardo post-classico con gli Aztechi .

La maggior parte delle opere in pietra durante il periodo mesoamericano è associata all'architettura monumentale che, insieme alla pittura murale, era considerata parte integrante dell'architettura piuttosto che separata. L'architettura monumentale iniziò con gli Olmechi nel sud di Veracruz e la zona costiera di Tabasco in luoghi come San Lorenzo; grandi templi su basi piramidali possono ancora essere visti in siti come Montenegro, Chiapa de Corzo e La Venta . Questa pratica si diffuse nell'area di Oaxaca e nella Valle del Messico , comparendo in città come Monte Albán , Cuicuilco e Teotihuacan .

Queste città avevano un nucleo di una o più piazze, con templi, palazzi e campi da ballo mesoamericani . L'allineamento di queste strutture era basato sulle direzioni cardinali e sull'astronomia per scopi cerimoniali, come focalizzare i raggi del sole durante l'equinozio di primavera su un'immagine scolpita o dipinta. Questo era generalmente legato ai sistemi di calendario. La scultura e/o la pittura in rilievo sono state create durante la costruzione delle strutture. Con quest'ultimo pre-classico, quasi tutte le strutture monumentali in Mesoamerica avevano un ampio lavoro di rilievo. Alcuni dei migliori esempi di questo sono Monte Albán, Teotihuacan e Tula .

I rilievi preispanici sono generalmente lineari nel design e si possono trovare rilievi bassi, medi e alti. Mentre questa tecnica è spesso preferita per scene narrative in altre parti del mondo, i rilievi mesoamericani tendono a concentrarsi su una singola figura. L'unico momento in cui i rilievi vengono utilizzati in senso narrativo è quando diverse stele di rilievo vengono poste insieme. Il miglior lavoro di soccorso è quello dei Maya, specialmente di Yaxchilan .

La scrittura e l'arte non erano distinte come lo sono state per le culture europee. La scrittura era considerata arte e l'arte spesso copriva la scrittura. La ragione di ciò è che entrambi hanno cercato di registrare la storia e l'interpretazione della realtà da parte della cultura. (salvatvolp14) I manoscritti erano scritti su carta o altri materiali simili a libri e poi raggruppati in codici . L'arte di leggere e scrivere era strettamente riservata alle più alte classi sacerdotali, poiché questa capacità era una fonte del loro potere sulla società.

I pittogrammi o glifi di questo sistema di scrittura erano più formali e rigidi delle immagini trovate su murales e altre forme d'arte poiché erano considerati per lo più simbolici, rappresentando formule relative a eventi astronomici, genealogia ed eventi storici. La maggior parte dei codici preispanici sopravvissuti proviene dal tardo periodo mesoamericano e dal primo periodo coloniale, poiché molti di questi sono sfuggiti alla distruzione nel corso della storia. Per questo motivo, si sa più dell'Impero azteco che delle culture Maya. Importanti codici aztechi comprendono il Gruppo Borgia di opere prevalentemente religiose, alcune delle quali probabilmente anteriori alla conquista, il Codex Borbonicus , Codex Mendoza e il tardo Codex fiorentino , in stile europeo ma eseguito da artisti messicani, probabilmente su materiale precedente che ora è perduto.

Importanti collezioni museali in Messico includono quelle del Museo Nazionale di Antropologia e del Museo Diego Rivera Anahuacalli , entrambi a Città del Messico , oltre a musei provinciali.

Galleria

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  Testa olmeca n. 1, 1200-900 a.C.

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  Maschera olmeca in giadeite, dal 1000 al 600 a.C.

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  Monumento di Las Limas 1 , dal 1000 al 600 a.C

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  Statuetta Chupicuaro al Louvre, dal 600 al 200 a.C

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  Vasi di Casas Grandes , dal XII al XV secolo

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  Vaso tripode di Teotihuacán, dal 250 al 600 d.C

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  Particolare di un murale a Tepantitla , Teotihuacán, dal 100 a.C. al 700 d.C

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  Murale in Portico A di Cacaxtla .

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  Scultura di Chaac , parte della facciata di un edificio a Labna , dal 600 al 900 d.C

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  Testa in stucco di K'inich Janaab Pakal I (603-683 d.C.), sovrano di Palenque.

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  Maschera zapoteca del Dio pipistrello

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  Scudo di Yanhuitlan

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  Particolare dal Codex Zouche-Nuttall , dal XIV al XV secolo

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  La Pietra del Sole azteca , inizi del XVI secolo, in mostra al Museo Nazionale di Antropologia , Città del Messico

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  Chīmalli (Scudo) appartenente al re azteco Ahuizotl attualmente Museo di Etnologia di Vienna , Austria .

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  Cerimoniale māhuizzoh Chīmalli (scudo) con decorazione a mosaico. Aztec o Mixtec , AD 1400-1521. Al British Museum

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  Maschera , Messico, Stato di Veracruz, 900-500 a.C. Museo d'Arte di Dallas

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  Vaso effige di Tlāloc ; 1440-1469; terracotta dipinta; altezza: 35 cm (1 3 ⁄ 4 pollici ); Museo del Templo Mayor (Città del Messico). Templo Mayor , dedicato a Tlāloc .

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  Ciotola Mimbres con Bighorn e disegno geometrico, Nuovo Messico, c. 1000-1150 d.C. Museo d'Arte di Dallas

Era coloniale, 1521-1821

La prima era coloniale e artisti e influenze criollo e indigene

Dalla conquista spagnola dell'impero azteco , l'arte messicana è stata un'interazione continua e complessa tra le tradizioni dell'Europa e le prospettive native.

Costruzione di chiese Dopo la conquista, i primi sforzi degli spagnoli furono diretti all'evangelizzazione e al relativo compito di costruire chiese, che richiedevano manodopera indigena per la costruzione di base, ma i Nahuas elaborarono gli esterni in pietra e decorarono gli interni delle chiese. Agli artigiani indigeni venivano insegnati motivi, disegni e tecniche europei, ma il lavoro molto antico, chiamato tequitqui ( nahuatl per "vassallo"), include elementi come facce appiattite e rilievi molto rigidi. I frati spagnoli che dirigevano la costruzione non erano architetti o ingegneri formati. Si affidavano a scalpellini e scultori indigeni per costruire chiese e altre strutture cristiane, spesso negli stessi luoghi dei templi e dei santuari della religione tradizionale. "Anche se alcuni indiani si sono lamentati del peso che tale lavoro rappresentava, la maggior parte delle comunità considerava una chiesa grande e imponente come un riflesso dell'importanza della loro città e si vantava di creare un luogo sacro per il culto divino". Il fatto che così tante chiese dell'era coloniale siano sopravvissute a secoli testimonia la loro buona costruzione generale.

I primi monasteri costruiti dentro e intorno a Città del Messico, come i monasteri sulle pendici del Popocatepetl , avevano elementi rinascimentali , platereschi , gotici o moreschi , o qualche combinazione. Erano relativamente privi di decorazioni, con sforzi di costruzione che andavano più verso alte mura e caratteristiche di fortezze per respingere gli attacchi. La costruzione di chiese più elaborate con grandi quantità di opere d'arte religiose definirebbe gran parte della produzione artistica del periodo coloniale. La maggior parte della produzione era legata all'insegnamento e al rafforzamento della dottrina della Chiesa, proprio come in Europa. L'arte religiosa ha posto le basi per il dominio spagnolo sugli indigeni. Oggi esistono strutture di epoca coloniale e altre opere in tutto il paese, con una concentrazione negli altopiani centrali intorno a Città del Messico .

Il lavoro con le piume era un'abilità molto apprezzata del Messico centrale preispanico che continuò fino all'inizio dell'era coloniale. Gli spagnoli erano affascinati da questa forma d'arte e i lavoratori delle piume indigene ( amanteca ) producevano immagini religiose in questo mezzo, principalmente piccoli "dipinti", così come paramenti religiosi.

Scritti indigeni Gli indiani continuarono la produzione di manoscritti scritti all'inizio dell'era coloniale, in particolare codici nell'area Nahua del Messico centrale. Un importante manoscritto antico che fu commissionato per la corona spagnola fu il Codex Mendoza , dal nome del primo viceré del Messico, Don Antonio de Mendoza , che mostra il tributo consegnato al sovrano azteco dalle singole città, nonché le descrizioni del comportamento corretto per il comune le persone. Un progetto molto più elaborato che utilizza l'illustrazione di scribi indigeni è il progetto risultante nel Codice fiorentino diretto dal francescano Bernardino de Sahagún . Altri manoscritti indigeni dell'era coloniale includono il Codice Huexotzinco e il Codice Osuna.

Un importante tipo di manoscritto del primo periodo erano le storie pittoriche e testuali della conquista spagnola degli Aztechi dal punto di vista indigeno. Il primo Lienzo de Tlaxcala ha illustrato i contributi degli alleati Tlaxcalan degli spagnoli alla sconfitta dell'Impero azteco, così come Hernán Cortés e il suo traduttore culturale Doña Marina ( Malinche ).

Pittura La maggior parte degli artisti Nahua che producono questa arte visiva sono anonimi. Un'eccezione è il lavoro di Juan Gerson, che ca. 1560 decorò la volta della chiesa francescana nella città nahua di Tecamachalco, (stato di Puebla), con singole scene dell'Antico Testamento.

Mentre l'arte coloniale è rimasta quasi completamente in stile europeo, con colori tenui e nessuna indicazione di movimento, l'aggiunta di elementi nativi, iniziata con il tequitqui, è continuata. Non sono mai stati il ​​centro delle opere, ma motivi decorativi e riempitivi, come fogliame autoctono, ananas, mais e cacao . Molto di questo si può vedere sui portali così come sui grandi affreschi che spesso decoravano l'interno delle chiese e le pareti delle aree monastiche chiuse al pubblico.

I primi artisti coloniali messicani erano di origine spagnola che arrivarono in Messico nel bel mezzo della loro carriera. Ciò includeva frati mendicanti, come Fray Alonso López de Herrera. Più tardi, la maggior parte degli artisti nacque in Messico, ma si formò in tecniche europee, spesso da incisioni importate. Questa dipendenza dalle copie importate significava che le opere messicane conservavano gli stili dopo che erano passate di moda in Europa. Nel periodo coloniale, gli artisti lavoravano in corporazioni, non in modo indipendente. Ogni gilda aveva le proprie regole, precetti e mandati nella tecnica, che non incoraggiavano l'innovazione.

Importanti collezioni museali includono quelle del Museo Soumaya e del Museo Nacional de San Carlos , entrambi a Città del Messico.

Galleria

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  Rappresentazione di Maria come quadro di piume, Juan Baptista Cuiris, 1550/1580

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  Fondazione di Tenochtitlan nel Codex Mendoza ca. 1541.

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  Città a causa dell'omaggio all'impero azteco mostrato nel Codex Mendoza ca. 1541

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  Immagine di Cortés e Malinche nel Lienzo de Tlaxcala , che racconta la conquista del Messico centrale dal punto di vista dei Tlaxcalans.

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  Illustrazione nativa della storia dell'antico Messico di Diego Durán , che mostra la fondazione di Tenochtitlan

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  Codex Azcatitlan , pagina raffigurante conquistatori spagnoli, con Hernán Cortés e Malinche

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  Codex Ramirez , Una rappresentazione di uno tzompantli , o rastrelliera per crani, associata alla rappresentazione di un tempio dedicato a Huitzilopochtli dal manoscritto di Juan de Tovar.

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  Artisti con piume come raffigurati nel Codice Fiorentino (ca. 1576).

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  Nezahualpilli , tlatoani di Texcoco. Codice Ixtlilxochitl ca. 1582.

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  Una pagina del Badinus Herbal , XVI sec.

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  Codice Huexotzinco ; il pannello contiene un'immagine della Vergine col Bambino e rappresentazioni simboliche di omaggio reso agli amministratori

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  Conquistador Nuño Beltrán de Guzmán come raffigurato nel Codex Telleriano Remensis , un 16 ° c. annale/storia pittorica

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  Codice Aubin

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  I dipinti religiosi di Juan Gerson nella chiesa francescana di Tecamachalco, Puebla, 1562.

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  Una croce d'atrio in Acolman , una croce in pietra antropomorfa con Gesù al centro.

Barocco messicano

La pittura barocca si affermò saldamente in Messico verso la metà del XVII secolo con l'opera dello spagnolo Sebastián López de Arteaga. La sua pittura è esemplificata dalla tela chiamata Tommaso dubbioso del 1643. In quest'opera, l' apostolo Tommaso è mostrato mentre inserisce il dito nella ferita nel costato di Cristo per sottolineare la sofferenza di Cristo. La didascalia che segue recita "il Verbo fatto carne" ed è un esempio dello scopo didattico del Barocco.

Una differenza tra i pittori in Messico e le loro controparti europee è che preferivano l'immediatezza e la chiarezza realistiche rispetto a colori fantastici, proporzioni allungate e relazioni spaziali estreme. L'obiettivo era quello di creare una scena realistica in cui lo spettatore potesse immaginarsi parte. Questo era uno stile creato da Caravaggio in Italia, che divenne popolare tra gli artisti di Siviglia , da cui provenivano molti migranti in Nuova Spagna. Allo stesso modo, le sculture autoportanti barocche presentano scale a grandezza naturale, tonalità della pelle realistiche e la simulazione di indumenti con fili d'oro attraverso una tecnica chiamata estofado , l'applicazione di vernice su foglia d'oro.

La più importante influenza successiva per i pittori messicani e altri in America Latina fu l'opera dell'artista fiammingo Peter Paul Rubens , noto attraverso copie fatte da incisioni e tecniche di mezzatinta . I suoi dipinti furono copiati e rielaborati e divennero lo standard per l'arte sia religiosa che secolare. I dipinti barocchi successivi si spostarono dai confini delle pale d'altare alle colossali tele autoportanti sugli interni delle chiese. Uno dei pittori messicani più noti di questo tipo di lavoro fu Cristóbal de Villalpando . La sua opera è visibile nella sagrestia della Cattedrale di Città del Messico, realizzata tra il 1684 e il 1686. Queste tele furono incollate direttamente alle pareti con cornici ad arco per stabilizzarle, e poste appena sotto le volte del soffitto. Anche l'affresco del XVI secolo di solito non era così grande. Un'altra delle opere di Villalpando è la cupola della Cattedrale di Puebla nel 1688. Ha usato le tecniche del pennello di Rubens e la forma della struttura per creare una composizione di nuvole con angeli e santi, da cui scende una colomba per rappresentare lo Spirito Santo. La luce dalle finestre della cupola vuole simboleggiare la grazia di Dio. Anche Juan Rodríguez Juárez (1675–1728) e l'artista mulatto Juan Correa (1646–1716) furono pittori di spicco dell'era barocca. Anche lo studente più famoso di Correa, José de Ibarra (1685–1756), era di razza mista. Uno dei migliori pittori del Messico, Miguel Cabrera (1695–1768), era probabilmente di razza mista.

La Chiesa produsse le opere più importanti del Seicento. Tra i pittori importanti c'erano Baltasar de Echave Ibia e suo figlio Baltasar Echave Rioja, anche Luis Juárez e suo figlio José Juárez , Juan Correa , Cristóbal de Villalpando , Rodrigo de la Piedra, Antonio de Santander, Polo Bernardino, Juan de Villalobos, Juan Salguero e Juan de Herrera. Juan Correa, lavorò dal 1671 al 1716 e raggiunse grande prestigio e reputazione per la qualità del suo design e la scala di alcune delle sue opere. Tra i più noti: 'Apocalisse nella Cattedrale del Messico', 'Conversione di S. Maria Maddalena', ora nella 'Pinacoteca Virreinal' e 'Santa Catarina e Adamo ed Eva che scacciano dal paradiso', quest'ultimo situato nel Parco Nazionale Museo del Vicereame di Tepotzotlán .

L'arte religiosa coloniale era sponsorizzata dalle autorità ecclesiastiche e da mecenati privati. Sponsorizzare la ricca decorazione delle chiese era un modo per i ricchi di guadagnare prestigio. Nel XVI, XVII e XVIII secolo, Città del Messico era una delle più ricche del mondo, principalmente grazie all'estrazione mineraria e all'agricoltura, ed era in grado di sostenere una vasta scena artistica.

Galleria

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  La Lactación de Santo Domingo , di Cristóbal de Villalpando dipinta verso la fine del XVII secolo.

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  Cristóbal de Villalpando, Donna dell'Apocalisse (Mujer del Apocalipsis), 1686

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  Cristóbal de Villalpando, Santa Rosa tentata dal diavolo (Santa rosa tentada por el demonio), ca. 1695/1697

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  Juan Correa La Pasqua de María , 1698.

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  Inmaculada del Apocalipsis , Pinacoteca de La Profesa, México, di José de Ibarra

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  Messico, 1720 circa Dipinti Olio su tela, Arte latinoamericana Attualmente in mostra: Art of the Americas Building, piano 4

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  La Visitazione di Miguel Cabrera. 18mo secolo. Nuova Spagna (Messico). Olio su tela, Collezione Museo Arocena.

Vergine di Guadalupe

A partire dal XVII secolo, la Vergine di Guadalupe fu sempre più un soggetto per i pittori religiosi. Juan Correa e il suo atelier hanno prodotto molte di queste immagini. C'era sempre più enfasi sull'accuratezza dell'immagine rispetto all'originale e Correa creò un modello di cera per assicurarsi che ogni dettaglio fosse corretto. Guadalupe divenne il fulcro del patriottismo Criollo, con il suo intervento chiamato in eventi catastrofici e poi reso in arte.

Galleria

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  Manuel Arellano, Inaugurazione del Santuario della Vergine di Guadalupe a Città del Messico (Traslado de la imagen y dedicación del santuario de Guadalupe en la Ciudad de México), 1709

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  Dipinto di Nostra Signora di Guadalupe , comprese scene dell'apparizione della Vergine Maria a Juan Diego di Josefus De Ribera Argomanis. (1778)

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  Dipinto del XVIII secolo di Dio Padre che modella l'immagine della Vergine di Guadalupe

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  La Vergine di Guadalupe interviene in una disastrosa pestilenza di Città del Messico, ca. 1743.

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  Vergine di Guadalupe , 1 settembre 1824. Olio su tela di Isidro Escamilla. Museo di Brooklyn .

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  L'immagine dell'altare della Madonna di Guadalupe con San Giovanni Battista , Juan de Zumárraga e San Juan Diego . Miguel Cabrera.

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  La Vergine di Guadalupe, Ferdinando VII di Spagna , funzionari reali e cacicchi indigeni , che mostrano la legittima trasmissione del potere. Anon. Museo Nacional de Historia, Città del Messico.

Ritrattistica

Nella Nuova Spagna, come nel resto del Nuovo Mondo , dal XVII secolo, in particolare durante il XVIII secolo, il ritratto divenne una parte importante del repertorio artistico. In una società caratterizzata da un profondo sentimento religioso impregnato, non sorprende che molti ritratti riflettessero le virtù morali e la pietà del modello.

Mentre la maggior parte dell'arte commissionata era per le chiese, furono commissionate anche opere secolari. La ritrattistica era conosciuta relativamente all'inizio del periodo coloniale, principalmente di viceré e arcivescovi, nonché del conquistatore Hernán Cortés . I ritratti di funzionari reali ed ecclesiastici erano un'approssimazione dell'aspetto del modello e venivano mostrati nelle loro ambientazioni ufficiali. Spesso includevano i loro stemmi. Nel ritratto cinquecentesco di Cortés, il conquistatore è raffigurato con un bastone, una spada e un'armatura "simboleggiano la potenza politica e militare, ma l'elmo e il guanto scartati rivelano che le sue attività belliche sono completate". Ritratti di viceré ed ecclesiastici erano spesso ritratti in abiti ricchi e strumenti per scrivere, insieme ai loro stemmi che indicavano la loro genealogia e alto rango, nonché libri e strumenti per scrivere. In Messico ci sono pochi esemplari di funzionari reali prima del XVIII secolo, forse perché la rivolta del 1696 distrusse la galleria dei ritratti nel palazzo vicereale.

A partire dalla fine del XVII secolo, la ritrattistica delle élite locali divenne un genere significativo. Particolarmente importante è che le donne siano state ritratte per la prima volta, a partire dal XVIII secolo. Queste opere seguivano i modelli europei, con simboli di rango e titoli visualizzati non attaccati nelle parti esterne o integrati in un altro elemento dei dipinti come le tende. Le donne d'élite erano vestite con ricchi abiti ricamati e abbelliti, solitamente di seta e pizzo, con gioielli e altri ornamenti. Molti sono stati dipinti con i ventagli in mano. A differenza delle loro controparti maschili nella società d'élite che mostrano il loro status e autorità, i ritratti di donne erano immagini idealizzate della femminilità con simboli di femminilità. Un sottoinsieme del loro genere erano i ritratti di monache quando professavano per la prima volta, vestite con abiti elaborati appropriati per il passo solenne che stavano compiendo nell'entrare in convento. Un esempio notevole è di José de Alcíbar di Sor (sorella) María Ignacia de la Sangre de Cristo, con una corona cerimoniale, abiti ricamati e altri accessori. Il ritratto postumo di Sor Juana Inés de la Cruz, famoso ai suoi tempi, realizzato da Miguel Cabrera nella cella del suo convento circondata da libri, è diverso dalla maggior parte dei ritratti di suore, dipinti dal vero o immediatamente dopo la morte. Ci sono anche una serie di ritratti post mortem di suore.

Numerosi sono i ritratti di gruppo familiare a tema religioso devozionale, commissionati per mostrare la pietà della famiglia, ma anche come modo per mostrare la ricchezza della famiglia. Josep Antonio de Ayala è stato un artista di spicco, noto per aver dipinto "La famiglia della Valle ai piedi della Madonna di Loreto " (c. 1769). Questo dipinto devozionale fu commissionato per i figli della famiglia del Valle in memoria dei suoi genitori ed è caratteristico della pittura di questo secolo. La Vergine di Loreto è centrale nella composizione, con le figure rigide dei membri della famiglia finemente vestite. Gli uomini sono in abiti alla moda dell'epoca, con la matriarca della famiglia che indossa un abito ricamato e pizzo, insieme a perle. Le figlie sono raffigurate nell'abito delle suore concezioniste, con escudos de monjas , dipinti religiosi indossati sul petto. Il dipinto è inciso con informazioni sulla sua commissione e sui genitori, e sul fatto che fosse appeso nella cappella dell'hacienda della famiglia. Il dipinto è una dimostrazione di pietà e ricchezza. Ci sono tali dipinti di gruppo con diverse figure religiose centrali.

Due notevoli ritrattisti sono fratelli alla fine del XVII e all'inizio del XVIII secolo sono Juan Rodríguez Juárez e Nicolás . Alcuni altri importanti pittori di questo periodo sono: Cristóbal de Villalpando , Juan Correa , José de Ibarra , Joseph Mora, Francisco Martinez, Miguel Cabrera , Andrés López e Nicolás Enríquez.

Nel XVIII secolo, gli artisti includevano sempre più la frase latina pinxit Mexici (dipinta in Messico) sulle opere destinate al mercato europeo come segno di orgoglio della loro tradizione artistica.

Galleria

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  Hernán Cortés, con il suo stemma nell'angolo in alto a sinistra. 16° sec. Attribuito al Maestro Saldana. Museo Nazionale di Storia. Castello di Chapultepec

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  Ritratto ufficiale di Don Antonio de Mendoza , primo viceré della Nuova Spagna . Artista sconosciuto. 1535.

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  Ritratto ufficiale di Don Pedro Moya de Contreras , primo chierico secolare ad essere arcivescovo del Messico e primo chierico a servire come viceré. Artista sconosciuto.

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  Juan Rodríguez Juárez Ritratto del viceré Fernando de Alencastre Noroña y Silva, duque de Linares y marchese de Valdefuentes , ca. 1717

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  Josep Antonio de Ayala, La famiglia del Valle ai piedi della Vergine di Loreto, 1769. Nelle collezioni del Museo Soumaya

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  Ritratto di famiglia Fagoaga Arozqueta 1730

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  Miguel Cabrera (1695-1768). Doña María de la Luz Padilla y Gómez de Cervantes , ca. 1760. Olio su tela. Museo di Brooklyn

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  Sor (sorella) María Ignacia de la Sangre de Cristo. José de Alcibar . 18° sec.

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  Sor María Anna Josefa

Dipinti storici e altra arte secolare

A partire dal XVII secolo, i pittori iniziarono a produrre tele e biombo con temi storici, tra cui la conquista del Messico e scene immaginarie di eventi che coinvolgevano la popolazione Nahua del Messico. Importante era anche un dipinto storico della distruzione della missione francescana di San Sabá di Comanches, di José de Páez .

I dipinti dei siti di Città del Messico sono apparsi a partire dal XVII secolo, il più famoso è un dipinto di Cristóbal de Villalpando della Plaza Mayor di Città del Messico, ca. 1696, che mostra i danni al palazzo vicereale dalla rivolta del grano del 1692. Mostra anche il mercato di Parián, dove venivano venduti beni di lusso. Il mercato di Parián è stato anche oggetto di almeno un altro dipinto.

Galleria

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  Dipinto storico della conquista spagnola di Tenochtitlan , XVII secolo

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  La consacrazione dei templi pagani e la prima messa in Messico-Tenochtitlan di José Vivar y Valderrama, ca. 1752. Olio su tela.

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  Battesimo di Ixtlilxochitl di José Vivar y Valderrama, XVIII secolo.

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  La distruzione della missione di San Sabá nella provincia del Texas, ca. 1765. José de Paez

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  Cristóbal de Villalpando , Veduta della Plaza Mayor di Città del Messico , 1695

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  Paseo de la Viga 1706

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  Il pario (El Parián), ca. 1770

Casta pittura

Un altro tipo di genere coloniale laico è chiamato dipinti di casta riferendosi alla rappresentazione della gerarchia razziale razziale nella Nuova Spagna del XVIII secolo . Alcuni furono probabilmente commissionati da funzionari spagnoli come souvenir del Messico. Un certo numero di artisti dell'epoca crearono dipinti di casta, tra cui Miguel Cabrera , José de Ibarra , Juan Patricio Morlete Ruiz , Francisco Clapera e Luis de Mena , ma la maggior parte dei dipinti di casta non è firmata. Ibarra, Morlete e forse Cabrera erano di razza mista e nati fuori Città del Messico. L'unico dipinto di casta conosciuto di Mena collega la Vergine di Guadalupe e il sistema di casta, oltre a raffigurazioni di frutta e verdura e scene di vita quotidiana nel Messico della metà del XVIII secolo. È uno degli esempi più riprodotti di dipinti di casta, uno dei pochi che mostrano il sistema di casta su una singola tela anziché fino a 16 dipinti separati. È unico nell'unire il genere completamente laico della pittura di casta con una raffigurazione della Vergine di Guadalupe. La produzione di questi dipinti si fermò dopo la conclusione del 1821 della Guerra d'indipendenza messicana , quando le categorie razziali legali furono ripudiate nel Messico indipendente. Fino al 500° anniversario del viaggio di Colombo nel 1492, i dipinti di casta erano di scarso o nessun interesse, anche per gli storici dell'arte, ma gli studiosi iniziarono a studiarli sistematicamente come genere. Una serie di dipinti Casta è stata inclusa nel Pedro Alonso O'Crouley s' Una descrizione del Regno di Nuova Spagna , pubblicato in traduzione nel 1972 e sono stati poi inclusi nella prima grande catalogo di dipinti Casta pubblicato nel 1989.

Galleria

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  Luis de Mena , Vergine di Guadalupe e castas, 1750.

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  Las casta . Anonimo, XVIII secolo, Museo Nacional del Virreinato, Tepotzotlán , Messico.

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  Dalla donna spagnola e indiana , Mestiza. Miguel Cabrera , 1763

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  Padre spagnolo (español), madre Mestiza (misto spagnolo-indiano) e la loro figlia Castiza . Michele Cabrera, 1763.

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  Spagnolo + Mulata , Morisca . Miguel Cabrera, 1763

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  Padre spagnolo e madre Albina , Torna atrás . Miguel Cabrera , Messico del XVIII secolo.

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  Casta Painting, n. 15. Dal meticcio e dall'indiano; Coyote .

Biombos, o schermi pieghevoli

I biombo o paraventi divennero popolari tra le élite nel diciassettesimo secolo. Grandi e pensati per essere esposti in stanze pubbliche e private di case d'élite, avevano una varietà di soggetti, che andavano da dipinti di eventi storici, presentazioni allegoriche reali o immaginarie e scene di vita quotidiana in Messico. Il Messico era un crocevia di scambi nel periodo coloniale, con merci provenienti dall'Asia e dall'Europa che si mescolavano a quelle prodotte localmente. Questa convergenza è più evidente nelle arti decorative della Nuova Spagna. Era popolare tra le classi superiori avere una stanza pubblica principale, chiamata salon de estrado , da coprire con tappeti e cuscini affinché le donne si sdraiassero alla moda moresca. Sgabelli e successivamente sedie e divani sono stati aggiunti per gli uomini. A partire dal XVII secolo quando il galeone di Manila navigava regolarmente dalle Filippine al porto di Acapulco nel Pacifico , i paraventi o biombos (dal giapponese byo-bu o "protezione dal vento") erano tra i beni di lusso portati dall'Asia. Sono noti per essere stati portati nel 1610 e successivamente prodotti da artisti e artigiani messicani nei secoli XVII e XVIII. Erano le élite messicane alla moda ai massimi livelli e alcuni venivano spediti in Europa. La maggior parte sembra essere stata prodotta localmente in Messico.

Juan Correa ne produsse diversi alla fine del XVII secolo, uno dell'incontro del 1519 di Hernán Cortés e Moctezuma , che potrebbe aver raffigurato eventi più attuali di una danza tradizionale indiana ( mitote ) eseguita durante la festa del Corpus Domini, che simboleggia la sottomissione indigena al dominio spagnolo e Cristianesimo. Cortés è presentato come "un eroe sia laico che religioso" mentre Montezuma su una lettiga cerimoniale ha "le trappole di un imperatore romano", raffigurante un incontro tra pari. Un altro era allegorico, intitolato I quattro continenti (ca. 1683), che mostrava Europa, America, Asia e Africa con l'Europa e l'Asia al centro, e l'America e l'Africa alle due estremità. I primi di questi schermi messicani avevano disegni orientali, ma quelli successivi avevano temi europei e messicani. Ne è un esempio uno schermo di un artista anonimo con la conquista del Messico da un lato e una veduta aerea delle strade e degli edifici del centro di Città del Messico, ma senza persone, dall'altro, ora al Museo Franz Mayer . Un'altra è una scena locale di un matrimonio indiano, con voladores ("volantini") sospesi con corde ai piedi.

Galleria

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  Grande schermo del Palazzo dei Viceré del Messico, ca. 1676-1700, Città del Messico, Museo delle Americhe

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  Uno schermo Biombo con una rappresentazione della conquista spagnola del Messico al Museo Franz Mayer

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  Juan Correa , Le arti liberali e i quattro elementi (Las artes liberales y los cuatro elementos). 1670

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  Paravento con Matrimonio indiano e Voladores , ca. 1690

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  Una delle aree espositive del Museo Franz Mayer di Città del Messico

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  Una delle aree espositive del Museo Franz Mayer di Città del Messico

L'Accademia di San Carlos

L'ultima istituzione artistica dell'era coloniale fondata è stata l' Accademia di San Carlos nel 1783. Sebbene la rappresentazione dei santi abbia consumato la maggior parte degli sforzi artistici, non sono stati privi di effetti politici. Il più importante di questi è stato l'ascesa del culto della Vergine di Guadalupe come santa americana piuttosto che europea, rappresentante di un'identità distinta.

La Corona promosse l'affermazione in Messico dello stile neoclassico dell'arte e dell'architettura, che era diventato popolare in Spagna. Questo stile era una reinterpretazione dei riferimenti greco-romani e il suo uso era un modo per rafforzare il dominio europeo nelle colonie spagnole. Un artista neoclassico dell'Accademia alla fine del periodo coloniale fu Manuel Tolsá . Insegnò prima scultura all'Accademia di San Carlos e poi ne divenne il secondo direttore. Tolsá progettò una serie di edifici neoclassici in Messico, ma la sua opera più nota è uno status equestre del re Carlo IV in bronzo fuso nel 1803 e originariamente collocato nello Zócalo . A partire dal 2011 può essere visto al Museo Nacional de Arte .

Alla fine del XVIII secolo, le colonie spagnole stavano diventando culturalmente indipendenti dalla Spagna, comprese le sue arti. L'Accademia è stata istituita dalla Corona spagnola per riprendere il controllo dell'espressione artistica e dei messaggi che diffondeva. Questa scuola era composta da artisti spagnoli in ciascuna delle principali discipline, con il primo direttore Antonio Gil. La scuola divenne sede di numerosi calchi in gesso di statue classiche dell'Accademia di Belle Arti di San Fernando in Spagna, portati lì per scopi didattici. Questi calchi sono in mostra nel patio centrale dell'Accademia. L'Accademia di San Carlos sopravvisse nel Messico post-indipendenza.

Elenco di artisti messicani coloniali

Indipendenza allo scoppio della rivoluzione messicana, 1821-1910

Dall'inizio dell'era post-indipendenza alla metà del XIX secolo

Artisti dell'era dell'indipendenza in Messico (1810-1821) hanno prodotto opere che mostrano gli eroi dell'insurrezione. Un ritratto del chierico laico José María Morelos nella sua uniforme militare è stato dipinto da un artista sconosciuto, tradizionalmente attribuito a un indigeno. Il ritratto è tipico di quelli della fine del XVIII secolo, con elementi di inquadratura, una didascalia formale e nuovi elementi come l'iconografia dell'emergente nazionalismo messicano, tra cui l'aquila in cima al cactus nopal, che divenne l'immagine centrale per la bandiera messicana. Morelos è stato oggetto di una statua commissionata, con Pedro Patiño Ixtolinque , che si è formato all'Accademia di San Carlos ed è rimasto un importante scultore durante l'era dell'indipendenza.

L'Accademia di San Carlos rimase il centro della pittura accademica e l'istituzione artistica più prestigiosa del Messico fino alla Guerra d'indipendenza messicana , durante la quale fu chiusa. Nonostante la sua associazione con la Corona spagnola e la tradizione della pittura europea, l'Accademia fu riaperta dal nuovo governo dopo che il Messico ottenne la piena indipendenza nel 1821. La sua ex facoltà e studenti spagnoli morirono durante la guerra o tornarono in Spagna, ma quando riaprì attirò i migliori studenti d'arte del paese, e ha continuato a enfatizzare le tradizioni europee classiche fino all'inizio del XX secolo. L'Accademia fu ribattezzata Accademia Nazionale di San Carlos. Il nuovo governo continuò a favorire il neoclassico poiché considerava il barocco un simbolo del colonialismo. Lo stile neoclassico continuò a essere favorito durante il regno di Massimiliano I, sebbene il presidente Benito Juárez lo sostenesse solo con riluttanza, considerando la sua attenzione europea una traccia del colonialismo.

Nonostante l'associazione del neoclassicismo con la dominazione europea, è rimasto favorito dal governo messicano dopo l'indipendenza ed è stato utilizzato nelle principali commissioni governative alla fine del secolo. Tuttavia, temi indigeni sono apparsi in dipinti e sculture. Una figura indigena raffigurato in stile neoclassico è Tlahuicole , fatto da catalano dell'artista Manuel Vilar nel 1851.

C'erano due ragioni per questo spostamento nel soggetto preferito. Il primo era che la società messicana denigrava la cultura coloniale: il passato indigeno era visto come più autenticamente messicano. L'altro fattore fu un movimento mondiale tra artisti per confrontarsi con la società, iniziato intorno al 1830. In Messico, questo sentimento anti-establishment era diretto all'Accademia di San Carlos e al suo centro europeo.

Nella prima metà del XIX secolo, lo stile pittorico romantico fu introdotto in Messico e nel resto dell'America Latina da viaggiatori stranieri interessati al paese di recente indipendenza. Uno di questi era l' artista bavarese Johann Moritz Rugendas , che visse nel paese dal 1831 al 1834. Dipinse scene con composizione dinamica e colori vivaci secondo lo stile romantico, alla ricerca di immagini sorprendenti, sublimi e belle in Messico e in altri aree dell'America Latina. Tuttavia, gran parte delle opere di Rugendas sono schizzi per tele importanti, molte delle quali non sono mai state eseguite. Altri includono l'inglese Daniel Egerton , che dipinse paesaggi nella tradizione romantica britannica, e il tedesco Carl Nebel , che creò principalmente litografie delle varie popolazioni sociali ed etniche del paese.

Un certo numero di artisti nativi dell'epoca seguirono i pittori romantici europei nel loro desiderio di documentare le varie culture del Messico. Questi pittori erano chiamati costumbristas , parola che deriva da costumbre (consuetudine). Gli stili di questi pittori non erano sempre strettamente romantici, coinvolgendo anche altri stili. La maggior parte di questi pittori proveniva dalle classi superiori e istruita in Europa. Mentre i pittori europei consideravano i soggetti come esotici, i costumisti avevano un senso più nazionalistico dei loro paesi d'origine. Uno di questi pittori fu Agustín Arrieta di Puebla, che applicò tecniche realistiche a scene della sua città natale, catturandone le piastrelle e le ceramiche dai colori vivaci. Le sue scene spesso coinvolgevano la vita quotidiana come le donne che lavorano in cucina e rappresentavano venditori neri e afro-messicani.

Galleria

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  Ingresso di Agustín de Iturbide a Città del Messico nel 1821. Artista sconosciuto, nessuna data.

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  Claudio Linati , portatore d'acqua messicano

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  Claudio Linati Milizia di Guazacualco

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  Claudio Linati capo Apache

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  Carl Nebel Las Tortilleras , one of 50 plates in his Voyage pittoresque et archéologique dans la partie la plus intéressante du Mexique

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  La rappresentazione di Carl Nebel degli indiani della Sierra.

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  La Plaza de la Constitución durante la guerra messicano-statunitense . Carl Nebel

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  Cristoforo Colombo alla Corte dei Re Cattolici (dipinto in Italia, 1850/1) di Juan Cordero

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  Agustín Arrieta, Tertulia de pulquería , 1851

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  Agustín Arrieta, Cuadro de comedor, pintado entre 1857 y 1859, oleo sobre tela

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  Natura morta, olio su tela di José Agustín Arrieta (messicano), c. 1870, Museo d'Arte di San Diego

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  Ragazza con fiori di José Salomé Pina

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  Frederick Catherwood , Tempio principale di Tulum , da Viste di monumenti antichi .

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  Litografia di Frederick Catherwood di Stela D. Copan (1844), da Viste di monumenti antichi .

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  Pedro Gualdi , Gran Teatro Nacional de México/Teatro Santa Anna, Città del Messico

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  Pedro Gualdi , Interno dell'Università Reale e Pontificia del Messico

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  Juan Cordero , Ritratto della moglie del generale Antonio López de Santa Anna , Doña Dolores Tosta de Santa Anna. (1855)

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  Il proprietario della hacienda e il suo sindaco (dipinto di Carl Nebel, litografía de Lemercier y Lassalle).

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  da. Francisca Valdivia de Chávez e figli. (1862) di Hermenegildo Bustos

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  Indiani di Oaxaca dipinto di Felipe Santiago Gutiérrez

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  Messicani in una scena rurale fuori Città del Messico (1855) di Casimiro Castro

Tra la metà e la fine del XIX secolo le accademie latinoamericane iniziarono a passare dal neoclassicismo severo al " realismo accademico ". Le rappresentazioni idealizzate e semplificate sono diventate più realistiche, con enfasi sui dettagli. Le scene in questo stile erano spesso ritratti delle classi superiori, scene bibliche e battaglie, specialmente quelle del periodo dell'indipendenza. Quando l'Accademia di San Carlos fu riaperta dopo una breve chiusura nel 1843, la sua nuova facoltà spagnola e italiana spinse questo stile realista. Nonostante il sostegno del governo e i temi nazionalisti, gli artisti nativi sono stati generalmente messi in cortocircuito a favore degli europei.

Uno dei pittori più importanti in Messico a metà del XIX secolo fu il catalano Pelegrí Clavé , che dipinse paesaggi ma era meglio conosciuto per le sue raffigurazioni dell'élite intellettuale di Città del Messico. I pittori realisti hanno anche tentato di ritrarre la cultura e le persone azteche raffigurando ambienti abitati da popolazioni indigene, utilizzando modelli e costumi indigeni vivi basati su quelli dei codici dell'era della Conquista. Uno di questi era Félix Parra , le cui raffigurazioni della conquista empatizzavano con la sofferenza degli indigeni. Nel 1869, José Obregón dipinse La scoperta di Pulque ; ha basato le sue rappresentazioni dell'architettura sui codici mixtechi , ma ha travisato i templi come un'ambientazione per un trono.

Si ritiene che l'arte del XIX secolo dopo l'indipendenza sia diminuita, soprattutto durante la fine del XIX secolo e l'inizio del XX, durante il regime di Porfirio Díaz (1876-1911). Sebbene durante questo periodo, la pittura, la scultura e le arti decorative fossero spesso limitate all'imitazione degli stili europei, l'emergere di giovani artisti, come Diego Rivera e Saturnino Herrán , aumentò l'attenzione sulle opere a tema messicano. Ciò significava che in seguito alla fase militare della Rivoluzione messicana negli anni '20, gli artisti messicani fecero enormi passi avanti e forgiarono un robusto nazionalismo artistico.

In questo secolo ci sono esempi di murales come lo stile folcloristico creato tra il 1855 e il 1867 a La Barca, Jalisco.

Highlights in questo momento: Pelegrín Clavé, Juan Cordero , Felipe Santiago Gutiérrez e José Agustín Arrieta. In Messico, nel 1846 fu assunto per dirigere la riapertura da parte di Pelegrín Clavé dell'Accademia di San Carlos, organismo dal quale promosse i temi storici e paesaggistici con una visione europeista.

Galleria

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  Orizaba desde el Puente de Paso del Toro di Casimiro Castro , dall'album della ferrovia messicana (1877)

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  José María Jara (1867-1939), Fondazione di Città del Messico . Museo Nazionale d'Arte. (1889)

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  El Velorio di José María Jara . (1889)

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  L'ispirazione di Cristoforo Colombo di José Obregon. (1856)

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  La scoperta di Pulque di José Obregón al Museo Nacional de Arte . (1869)

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  Félix Parra , Fray Bartolomé de las Casas (1875) espose alla Centennial International Exposition di Filadelfia nel 1876.

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  Matanza de Cholula, di Félix Parra . (1875)

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  Leandro Izaguirre Tortura di Cuauhtémoc (1892)

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  Patio del Exconvento de San Agustín, José María Velasco

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  Dipinto ad olio di Vicente Guerrero , leader dell'indipendenza e presidente del Messico. Ramón Sagredo (1865)

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  Dipinto di Miguel Hidalgo y Costilla , considerato il padre dell'indipendenza messicana, di Antonio Fabrés

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  Joaquín Clausell , Campagna con foresta e fiume.

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  Saturnino Herrán La cosecha ("Il raccolto"), 1909

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  Saturnino Herrán La ofrenda ("L'offerta"), 1913

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  Saturnino Herrán Mujer en Tehuantepec ("Donna di Tehuantepec) 1914

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  Julio Ruelas Critica

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  José Guadalupe Posada , 1903, Calavera oaxaqueña . Posada pubblicato

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  Gesù nel tempio, Juan Cordero

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  2 aprile 1867. Entrata del generale Porfirio Díaz a Puebla, di Francisco de Paula Mendoza, 1902.

Monumenti e sculture

Nella seconda metà del diciannovesimo secolo furono eretti monumenti ad eventi storici in molte città messicane, soprattutto nella capitale. Uno dei primi fu un monumento a Cristoforo Colombo , sull'ampio Paseo de la Reforma , commissionato da Antonio Escandón , che fece fortuna costruendo la ferrovia Città del Messico-Veracruz. Escandón "ha deciso di commemorare l'era della ferrovia in Messico con un monumento a un evento altrettanto epocale, la scoperta del Nuovo Mondo". Durante il Porfiriato (1876-1910), il Paseo de la Reforma divenne un luogo chiave per esporre le statue agli eroi messicani, con le rotatorie ( glorietas ) che avevano un posto d'onore particolare. Nel 1887, Porfirio Díaz commissionò la statua dell'ultimo imperatore azteco, Cuauhtémoc , che può essere vista sul Paseo de la Reforma . Cuauhtémoc è raffigurato con un mantello simile a una toga con un copricapo piumato simile a un guerriero etrusco o troiano piuttosto che a un imperatore azteco. La base ha elementi che ricordano Mitla e l'architettura romana. Questa base contiene lastre di bronzo raffiguranti scene della conquista spagnola, ma incentrate sulle figure indigene. Nel 1884 fu eretto un modesto obelisco che commemora i Niños Héroes , cadetti che morirono difendendo il loro posto durante l'acquisizione di Città del Messico da parte degli Stati Uniti durante la guerra messicano-americana (1847). Uno molto più grande fu costruito a metà del XX secolo all'ingresso al Parco Chapultepec. Probabilmente il monumento più famoso dell'epoca è il Monumento all'Indipendenza , spesso chiamato "l'Angelo dell'indipendenza" per la sua vittoria alata. Fu commissionato per il centenario dell'indipendenza nel 1910 e inaugurato da Porfirio Díaz durante i festeggiamenti del settembre 1910.

Galleria

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  Monumento a Colombo , Città del Messico, 1877.

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  Monumento a Cuauhtémoc, Paseo de la Reforma , Città del Messico. 1887.

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  La tortura di Cuauhtemoc sul monumento di Cuauhtémoc. Gabriel Guerra (1847-1893).

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  Una fusione in bronzo (1888-1889) di Nezahualcoyotl , di Jesús F. Contreras al Giardino della Triplice Alleanza, via Filomeno Mata, centro storico di Città del Messico.

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  Obelisco dei Niños Héroes . Parco Chapultepec. Città del Messico. Ramón Rodríguez Arangoity. 1884

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  Monumento all'Indipendenza, "el ngel" . 1910.

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  Benito Juárez emiciclo . Città del Messico. 1910.

20 ° secolo

L'Accademia di San Carlos ha continuato a sostenere la formazione classica in stile europeo fino al 1913. In quest'anno, l'Accademia è stata parzialmente integrata con l' Università Nazionale Autonoma del Messico (UNAM). Tra il 1929 e gli anni '50, il programma di architettura dell'accademia fu diviso come dipartimento dell'università; i programmi di pittura, scultura e incisione furono ribattezzati Scuola Nazionale di Arti Espressive, ora Escuela Nacional de Artes Plásticas (ENAP). Entrambi si trasferirono a sud della città a metà del XX secolo, rispettivamente a Ciudad Universitaria e Xochimilco , lasciando solo alcuni corsi di laurea in belle arti nell'edificio originale dell'Accademia nel centro storico . L'ENAP rimane uno dei principali centri per la formazione degli artisti messicani.

Muralismo messicano e arte rivoluzionaria

Mentre nel XIX secolo apparve un passaggio a temi più indigeni e messicani, la rivoluzione messicana dal 1910 al 1920 ebbe un effetto drammatico sull'arte messicana. Il conflitto portò alla nascita del Partido Revolucionario Nacional (ribattezzato Partido Revolucionario Institucional ), che portò il paese in una direzione socialista. Il governo divenne un alleato di molti intellettuali e artisti di Città del Messico e commissionò murales per edifici pubblici per rafforzare i suoi messaggi politici, compresi quelli che enfatizzavano temi messicani piuttosto che europei. Questi non sono stati creati per gusti popolari o commerciali; tuttavia, hanno ottenuto il riconoscimento non solo in Messico, ma negli Stati Uniti. "I grandi muralisti messicani della post-rivoluzione svilupparono, con la pittura murale, il concetto di 'arte pubblica', un'arte che poteva essere vista dalle masse nei principali edifici pubblici dell'epoca, e non poteva essere acquistata e trasportata facilmente altrove , come con la pittura da cavalletto."

Questa produzione artistica in combinazione con la propaganda del governo è conosciuta come la Scuola Modernista Messicana o il Movimento Muralista Messicano, e ha ridefinito l'arte in Messico. Octavio Paz attribuisce a José Vasconcelos il merito di aver avviato il movimento muralista in Messico commissionando ai pittori più noti nel 1921 di decorare le pareti degli edifici pubblici. Le commissioni erano motivate politicamente: miravano a glorificare la rivoluzione messicana e ridefinire il popolo messicano nei confronti letteralmente "faccia a faccia (con)" del loro passato indigeno e spagnolo.

I primi di questi dipinti commissionati erano a San Ildefonso eseguiti da Fernando Leal, Fermín Revueltas , David Alfaro Siqueiros e Diego Rivera . Il primo vero affresco dell'edificio fu opera di Jean Charlot . Tuttavia, sono stati commessi errori tecnici nella costruzione di questi murales: alcuni di essi hanno iniziato a formare bolle e sono stati ricoperti di cera per la conservazione. Roberto Montenegro ha dipinto l' ex chiesa e monastero di San Pedro y San Pablo , ma il murale nella chiesa è stato dipinto a tempera e ha cominciato a sfaldarsi. Nell'area del monastero, il Montenegro ha dipinto la Festa della Santa Croce, che raffigura Vasconcelos come protettore dei muralisti. Vasconcelos è stato successivamente cancellato e una figura di donna è stata dipinta su di lui.

Il primo protagonista nella produzione di murales moderni in Messico è stato il Dr. Atl . Il dottor Atl è nato "Gerard Murillo" a Guadalajara nel 1875. Ha cambiato nome per identificarsi come messicano. Atl ha lavorato per promuovere l'arte popolare e l'artigianato del Messico . Sebbene avesse un certo successo come pittore a Guadalajara, le sue idee radicali contro il mondo accademico e il governo lo spinsero a trasferirsi in una Città del Messico più liberale. Nel 1910, mesi prima dell'inizio della rivoluzione messicana , Atl dipinse il primo murale moderno in Messico. Insegnò ai grandi artisti a seguirlo, compresi quelli che arrivarono a dominare la pittura murale messicana.

Il movimento muralista raggiunse il suo apice negli anni '30 con quattro protagonisti principali: Diego Rivera , David Alfaro Siqueiros , José Clemente Orozco e Fernando Leal. È la parte più studiata della storia dell'arte del Messico. Tutti erano artisti formati nelle tecniche europee classiche e molte delle loro prime opere sono imitazioni di stili di pittura europei allora di moda, alcune delle quali sono state adattate a temi messicani. La situazione politica in Messico dagli anni '20 agli anni '50 e l'influenza del Dr. Atl hanno spinto questi artisti a rompere con le tradizioni europee, utilizzando immagini indigene audaci, molti colori e rappresentazioni dell'attività umana, in particolare delle masse, in contrasto con il solenne e distaccata dell'Europa.

I mezzi preferiti generalmente escludevano le tele tradizionali e i portici delle chiese e invece erano le grandi pareti, allora non decorate, degli edifici governativi del Messico. L'obiettivo principale di molti di questi dipinti era la glorificazione del passato preispanico del Messico come definizione dell'identità messicana. Hanno avuto successo sia in Messico che negli Stati Uniti, il che ha portato loro fama e ricchezza, nonché studenti messicani e americani.

Questi muralisti hanno ripreso la tecnica dell'affresco per i loro lavori murali, sebbene Siqueiros sia passato a tecniche e materiali industriali come l'applicazione della piroxilina , uno smalto commerciale utilizzato per aeroplani e automobili. Uno dei primi lavori murali di Rivera ha decorato il cortile del Ministero della Pubblica Istruzione con una serie di tehuana danzanti (nativi di Tehuantepec nel sud del Messico). Questo progetto quadriennale ha continuato a incorporare altri temi indigeni contemporanei e alla fine comprendeva 124 affreschi che si estendevano per tre piani e lunghi due isolati. Il mercato Abelardo Rodriguez è stato dipinto nel 1933 dagli studenti di Diego Rivera, uno dei quali era Isamu Noguchi .

Un'altra figura importante di questo periodo fu Frida Kahlo , moglie di Diego Rivera. Mentre dipingeva tele invece di murales, è ancora considerata parte della scuola modernista messicana poiché il suo lavoro enfatizzava la cultura e i colori popolari messicani. Gli autoritratti di Kahlo durante gli anni '30 e '40 erano in netto contrasto con i sontuosi murales che gli artisti come suo marito stavano creando all'epoca. Dopo aver subito un incidente d'autobus paralizzante all'inizio della sua vita da adolescente, ha iniziato a sfidare l'ossessione del Messico per il corpo femminile. I suoi ritratti, volutamente piccoli, affrontavano una vasta gamma di argomenti non affrontati dal mondo dell'arte mainstream in quel momento. Questi includevano la maternità, la violenza domestica e l'egoismo maschile.

I suoi dipinti non hanno mai avuto soggetti che indossano gioielli sontuosi o abiti fantasiosi come quelli che si trovano nei dipinti muralisti. Invece, si vestiva scarsamente, e quando c'erano gli accessori, aggiungeva loro molta più importanza. Si sarebbe anche raffigurata in scenari molto surreali e inquietanti come in The Two Fridas dove descrive due versioni di se stessa, una con un cuore spezzato e una con un sano infondendo il cuore spezzato con sangue "sperato"., o Henry Ford Hospital dove descrive se stessa nell'avere un aborto e la lotta che ha avuto nella vita reale per venire a patti con esso.

Sebbene fosse la moglie di Diego Rivera, i suoi autoritratti rimasero piuttosto oscurati dagli occhi del pubblico fino a molto tempo dopo la sua morte nel 1954. La sua arte è cresciuta in popolarità e molti la vedono come una delle prime e più influenti femministe artisti del XX secolo.

Galleria

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  José Clemente Orozco , Miguel Hidalgo y Costilla , Jalisco Governmental Palace, Guadalajara

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  José Clemente Orozco , The Trench San Ildefonso College , Città del Messico

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  Diego Rivera Tenochtitlan , Palacio Nacional , Città del Messico.

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  Murale di Diego Rivera nella tromba delle scale principali del Palazzo Nazionale

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  David Alfaro Siqueiros , murale a Tecpan

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  Jean Charlot , Aquila e serpente, Collegio San Ildefonso

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  Parte del murale Presencia de América Latina di Jorge González Camarena

Altre espressioni artistiche 1920–1950

Il primo a rompere con il tono nazionalista e politico del movimento muralista fu Rufino Tamayo . Per questo motivo è stato apprezzato per la prima volta fuori dal Messico. Tamayo fu contemporaneo di Rivera, Siqueiros e Orozco e si formò alla Escuela Nacional de Bellas Artes. Come loro ha esplorato l'identità messicana nel suo lavoro dopo la rivoluzione messicana. Tuttavia, ha respinto il realismo sociale politico reso popolare dagli altri tre artisti ed è stato respinto dal nuovo stabilimento.

Partì per New York nel 1926 dove il successo gli permise di esporre nel suo nativo Messico. La sua mancanza di sostegno al governo post-rivoluzionario è stata controversa. Per questo motivo rimase per lo più a New York, continuando con il suo successo lì e poi in Europa. La sua rivalità con i tre principali muralisti messicani continuò sia in Messico che a livello internazionale fino agli anni '50. Anche un tardivo titolo onorifico di "The Fourth Great Ones" è stato controverso.

Nonostante il mantenimento di una scena artistica nazionale attiva, gli artisti messicani dopo il periodo muralista hanno avuto difficoltà a irrompere nel mercato dell'arte internazionale. Uno dei motivi è che nelle Americhe, Città del Messico è stata sostituita da New York come centro della comunità artistica, soprattutto per il mecenatismo. In Messico, la sponsorizzazione dell'arte da parte del governo nel XX secolo (dominata fino al 2000 dal partito PRI) ha significato che i temi religiosi e le critiche al governo sono stati effettivamente censurati. Questo era per lo più passivo, con il governo che concedeva sovvenzioni agli artisti che si adeguavano alle loro esigenze. Negli anni '40, Wolfgang Paalen pubblicò la rivista estremamente influente DYN a Città del Messico, che si concentrava su un movimento di transizione tra il surrealismo e l'espressionismo astratto. Fumiko Nakashima un'artista giapponese vive in Messico, lavorando principalmente su pezzi surrealisti ad acquerello.

Nel 1953 viene aperto il Museo Experimental El Eco (a Città del Messico); è stato creato da Mathias Goeritz .

Il movimento di rottura

Il primo grande movimento dopo i muralisti fu il Movimento di rottura , iniziato negli anni '50 e '60 con pittori come José Luis Cuevas , Gilberto Navarro, Rafael Coronel , Alfredo Casaneda e lo scultore Juan Soriano . Hanno rifiutato il realismo sociale e il nazionalismo e hanno incorporato il surrealismo, i paradossi visivi e gli elementi degli stili di pittura del Vecchio Mondo. Questa rottura significava che gli artisti messicani successivi non furono generalmente influenzati dal murales o dall'arte popolare messicana.

José Luis Cuevas ha creato autoritratti in cui ha ricostruito scene di famosi dipinti di artisti spagnoli come Diego Velázquez , Francisco de Goya e Picasso . Come Kahlo prima di lui, ha disegnato se stesso ma invece di essere centrato, la sua immagine è spesso di lato, come osservatore. L'obiettivo era enfatizzare la trasformazione della cultura visiva ricevuta.

Un'altra figura importante in questo periodo fu lo svizzero-messicano Gunther Gerzso , ma il suo lavoro era una "variante spigolosa " dell'espressionismo astratto, basata su forme geometriche e colori chiaramente definiti, con un effetto che li fa sembrare bassorilievi . Il suo lavoro era un mix di astrazione europea e influenze latinoamericane, comprese quelle mesoamericane. Nel campo dell'acquerello possiamo distinguere Edgardo Coghlan e Ignacio Barrios che non erano allineati a uno specifico movimento artistico ma non erano meno importanti.

Le Olimpiadi di Città del Messico (1968) e successive

"Progettata da Mathias Goeritz , una serie di sculture ... [rivestito] la "Via dell'amicizia" ( Ruta de la Amistad ) in occasione delle Olimpiadi ... In contestazione alla mostra artistica approvata dal governo per le Olimpiadi, un gruppo di artisti visivi diversi e indipendenti organizza una contropresentazione intitolata Salón Independiente , o Salone indipendente ; la mostra rappresenta un evento chiave nella resistenza degli artisti alle politiche culturali controllate dallo stato. Questa mostra di sforzi antigovernativi da parte degli artisti sarebbe espressa anche in un murale a sostegno delle proteste del movimento degli studenti, il lavoro è stato conosciuto come l'Efimero Mural (o Ephemeral murale ) "alla UNAM ".

Il terzo Salone Indipendente va in scena nel 1970. Nel 1976 " Fernando Gamboa guida l'organizzazione di un'esposizione di arte astratta intitolata El Geometrismo Mexicano Una Tendencia Actual ".

"Nel tentativo di rivalutare ... l'arte messicana post-1968, il Museo della Scienza e dell'Arte dell'UNAM" ha organizzato nel 2007, la mostra La Era de la Discrepancia. Arte y cultura visual en México 1968-1997

Nel 1990 la mostra Mexico: Esplendor de Treinta Siglos inizia il suo tour mondiale al Metropolitan Museum of Art di New York.

Neoespressionismo

Dagli anni '60 agli anni '80 l' arte neo-espressionista è stata rappresentata in Messico da Manuel Felguerez , Teresa Cito, Alejandro Pinatado e Jan Hendrix .

L'artista svizzero-tedesco, Mathias Goeritz , negli anni '50 ha creato sculture pubbliche tra cui la Torres Satélite a Ciudad Satélite . Negli anni '60, divenne centrale nello sviluppo dell'arte astratta e di altra arte moderna insieme a José Luis Cuevas e Pedro Friedeberg .

Neomexicanismo

A metà degli anni '80, il successivo grande movimento in Messico fu il neomexicanismo, una versione un po' surreale, un po' kitsch e postmoderna del realismo sociale che si concentrava sulla cultura popolare piuttosto che sulla storia. Il nome neomexicanismo è stato originariamente utilizzato dai critici per sminuire il movimento. Le opere non erano necessariamente murales: usavano altri mezzi come il collage e spesso parodiavano e allegorizzavano icone culturali, mass media, religione e altri aspetti della cultura messicana. Questa generazione di artisti era interessata ai valori tradizionali messicani e ne esplorava le radici, spesso mettendoli in discussione o sovvertendoli. Un altro tema comune era la cultura messicana nei confronti della globalizzazione.

Postmoderno

L'arte dagli anni '90 ad oggi è approssimativamente classificata come postmoderna, sebbene questo termine sia stato usato per descrivere opere create prima degli anni '90. I principali artisti associati a questa etichetta includono Betsabeé Romero , Monica Castillo , Francisco Larios , Martha Chapa e Diego Toledo.

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  Jalisco artista Juan Soriano scultura

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  Omaggio a Wirikuta di Betsabeé Romero

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  L'artista messicano Mauricio García Vega nel suo laboratorio a Nezahualcoyotl

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  L'integrità di Sandra Pani

Il successo degli artisti messicani è dimostrato dalla loro inclusione nelle gallerie di New York, Londra e Zurigo .

Collezioni e gallerie d'arte

• Nel 1974 ha aperto il Museo de Arte Carrillo Gil (MACG), una galleria e un museo.
• Il Museo Tamayo de Arte Contemporáneo è stato aperto a Città del Messico nel 1981. Il Museo Nazionale d'Arte (MUNAL) è stato aperto nel 1982.
• Nel 1994 è stata istituita la fondazione dietro Colección Jumex e la sua collezione di arte contemporanea; si trova nella periferia industriale di Città del Messico.
• Kurimanzutto —una galleria privata è stata fondata nel 1999.
• Nel 1994 è stato aperto al pubblico il Museo Olmedo .
• Nel 1996 la collezione Gelman è stata donata al Metropolitan Museum of Art (a New York); una parte della collezione Gelmans è esposta nel Museo Muros di Cuernavaca .
• Il Museo Universitario Arte Contemporáneo (MUAC) ha aperto nel 2008.
• La mostra d'arte privata è concentrata nei principali centri urbani, in particolare Monterrey , Nuevo Léon , Guadalajara , Oaxaca City e Puebla .

Critica d'arte

Octavio Mercado ha affermato nel 2012 che l'attività di critica d'arte è ancora presente su riviste specializzate e giornali a diffusione nazionale; inoltre, una nuova generazione di critici d'arte comprende Daniela Wolf , Ana Elena Mallet , Gabriella Gómez-Mont e Pablo Helguera . (Prima di ciò, nel 2004 erano state avanzate affermazioni sul fatto che un deficit di scrittura nativa sull'arte, il simbolismo e le tendenze messicane, portava l'arte messicana moderna mostrata all'estero ad essere stata etichettata erroneamente o mal descritta, poiché le istituzioni straniere non comprendono o apprezzano a sufficienza il circostanze politiche e sociali dietro i pezzi.)

Artisti messicani del XX secolo

Pittori più importanti con reputazione internazionale

• José Clemente Orozco
• Diego Rivera
• David Alfaro Siqueiros
• Rufino Tamayo
• Frida Kahlo

Altri degni di nota

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  Canale di Xochimilco. Joaquín Clausell

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  "Paesaggio di Zacatecas con uomini impiccati II" di Francisco Goitia , 1914 circa, olio su tela, 194 × 109,7 cm. Museo Nacional de Arte

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  Ritratto di Belinda Palavicini . 1915. Pastello su carta. 187×87 cm. Museo Nacional de Arte di Alfredo Ramos Martínez

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  Di Gustavo Arias Murueta , "Cosmogonia"

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  "Chivo" (Capra)

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  Mural en Cerámica II alla Escuela Nacional de Artes Plásticas.

21 ° secolo

Proprio come molte altre parti del mondo, il Messico ha adottato alcune tecniche moderne come l'esistenza di artisti di strada che raffigurano dipinti popolari del Messico nel corso della storia o contenuti originali.

Artisti visivi messicani moderni

Alcuni dei pittori di questo secolo sono:

• Eliseo Garza Aguilar , pittore e performer . Considerato tra i massimi esponenti dell'arte provocatoria e riflessiva del Terzo Millennio. Alla ricerca di una risposta critica da parte degli spettatori, unisce i suoi dipinti negli spettacoli con l' istrionismo teatrale .
• Emanuel Espintla , pittore e performer . Considerato tra i massimi esponenti dell'arte naif messicana e della Fridamania.
• Pilar Goutas , pittrice che utilizza olio su supporto di amato, fortemente influenzata da Pollock e dalla calligrafia cinese.
• Torres Rafael Correa , si stabilisce in Messico nel 2001 ed entra a far parte del laboratorio di arte contemporanea, "The Moth" a Guadalajara , realizzando vari progetti artistici e scenografici. In Messico lavora con pittori, José Luis Malo , Rafael Sáenz , Edward Enhanced e lo scultore Javier Malo . Ha partecipato a laboratori registrati dalla pittrice Margarita Pointelin . Nel 2003 ha formato il Washi Zoo Kei con il maestro salvadoregno Addis Soriano .
• Enrique Pacheco , scultore, pittore, caratterizzato dalla fusione di pittura e scultura con riconoscimento mondiale.
• Pilar Pacheco Méndez, artista visiva e sonora.
• Daniel Lezama , artista visivo. Funziona su tutti i principali formati di olio. Nato nel 1968 da genitori messicani americani.
• Roberto Cortazar , artista visivo, pittore.
• Margarita Orozco Pointelin
• Jazzamoart , artista visivo, Guanajuato.
• Rafael Cauduro, pittore, scultore, muralista.
• Arturo Rivera, pittore.
• German Montalvo, pittore.
• Omar Rodriguez-Graham, pittore. Nato a Città del Messico nel 1978.
• Vicente Rojo, pittore.
• Sebastiano, pittore, scultore.
• Miguel Sanchez Lagrieta, Pittore, artista visivo.
• Gabriel Orozco , Pittore, Scultore Veracruz.

Arti e mestieri popolari

L'artigianato messicano e l'arte popolare , chiamati artesanía in Messico, sono una categoria complessa di oggetti realizzati a mano o in piccoli laboratori per scopi utilitaristici, decorativi o di altro tipo. Questi includono ceramiche, arazzi, alcuni tipi di dipinti e tessuti. Come le arti più formali, l'artesanía ha radici sia indigene che europee ed è considerata una parte preziosa del patrimonio etnico del Messico.

Questo legame tra le arti e l'identità culturale è stato fortemente forgiato dall'élite politica, intellettuale e artistica del paese nella prima metà del XX secolo, dopo la rivoluzione messicana. Artisti come Diego Rivera , Rufino Tamayo e Frida Kahlo hanno usato l'artesanía come ispirazione per alcuni dei loro murales e altre opere. A differenza delle belle arti, l'artigianato è creato da persone comuni e di eredità indigena, che apprendono il loro mestiere attraverso un apprendistato formale o informale. Il legame tra artigianato e identità messicana continua attraverso la televisione, il cinema e la promozione del turismo.

La maggior parte dell'artigianato prodotto in Messico consiste in cose ordinarie fatte per l'uso quotidiano. Sono considerati artistici perché contengono dettagli decorativi o sono dipinti con colori vivaci, o entrambi. L'uso audace dei colori nell'artigianato e in altre costruzioni risale ai tempi preispanici. A questi si sono aggiunti altri colori introdotti dal contatto europeo e asiatico, sempre in toni audaci.

I motivi di design variano da puramente indigeni a prevalentemente europei con altri elementi inseriti. I disegni geometrici collegati al passato preispanico del Messico sono prevalenti e gli oggetti realizzati dalle rimanenti comunità puramente indigene del paese. I motivi della natura sono popolari, forse più dei motivi geometrici sia nei disegni preispanici che in quelli europei. Sono particolarmente diffusi negli arazzi e nelle ceramiche.

Uno dei migliori prodotti artigianali del Messico è la ceramica Talavera prodotta a Puebla . Ha un mix di influenze di design cinesi, arabe, spagnole e indigene. Le pitture popolari più note sono le pitture votive ex voto o retablo . Si tratta di piccoli quadri commemorativi o altre opere d'arte realizzate da un credente, in onore dell'intervento di un santo o di un'altra figura. Lo stile inesperto della pittura ex voto è stato adottato durante la metà del 20 ° secolo da Kahlo, che credeva che fossero l'espressione più autentica dell'arte latinoamericana.

Cinema

La cinematografia è arrivata in Messico durante la rivoluzione messicana dagli Stati Uniti e dalla Francia. Inizialmente è stato utilizzato per documentare le battaglie della guerra. Lo stesso generale rivoluzionario Pancho Villa ha recitato in alcuni film muti. Nel 2003, la HBO ha trasmesso And Starring Pancho Villa come se stesso , con Antonio Banderas come Villa; il film è incentrato sulla realizzazione del film La vita del generale Villa . Villa ha usato consapevolmente il cinema per plasmare la sua immagine pubblica.

Il primo film sonoro in Messico fu realizzato nel 1931, chiamato Desde Santa . Il primo genere cinematografico messicano è apparso tra il 1920 e il 1940, chiamato ranchero .

Il Messico ha vinto due volte la massima onorificenza al Festival di Cannes , avendo vinto il Grand Prix du Festival International du Film per María Candelaria nel 1946 e la Palma d'oro nel 1961 per Viridiana , più di ogni altra nazione latinoamericana.

Mentre l'età d'oro del cinema messicano è considerata come gli anni '40 e '50, due film dalla metà alla fine degli anni '30, Allá en el Rancho Grande (1936) e Vámonos con Pancho Villa (1935), stabiliscono lo standard di questa epoca dal punto di vista tematico, estetico, e ideologicamente. Questi film presentavano figure e simboli archetipici basati su ampie mitologie nazionali. Parte della mitologia secondo Carlos Monsiváis , include i partecipanti ai melodrammi familiari, i charros maschili dei film di ranchero, le femme fatales (spesso interpretate da María Félix e Dolores del Río ), i popoli indigeni dei film di Emilio Fernández e Cantinflas ' s peladito ( malvagio urbano).

Le ambientazioni erano spesso ranch , i campi di battaglia della rivoluzione e cabaret . I film sulla rivoluzione messicana si sono concentrati sul rovesciamento iniziale del governo Porfirio Díaz piuttosto che sui combattimenti tra le varie fazioni in seguito. Inoltre tendevano a concentrarsi sui temi rurali come "messicani", anche se la popolazione era sempre più urbana.

Il Messico ha avuto due vantaggi nel cinema durante questo periodo. La prima era una generazione di attori e registi di talento. Questi includevano attori come María Félix , Jorge Negrete , Pedro Armendáriz , Pedro Infante , Cantinflas e registi come Emilio "El Indio" Fernandez e il direttore della fotografia Gabriel Figueroa . Molte di queste partenze hanno avuto successo negli Stati Uniti e al Festival di Cannes . All'angolo tra La Brea e Hollywood Boulevard , c'è una scultura di quattro donne che rappresentano i quattro pilastri dell'industria cinematografica, una delle quali è l'attrice messicana Dolores del Río . Gabriel Figueroa è noto per le riprese in bianco e nero che sono generalmente rigide ed espressioniste, con movimenti di macchina semplici ma sofisticati. Il secondo vantaggio era che il Messico non fu pesantemente coinvolto nella seconda guerra mondiale , e quindi aveva una maggiore scorta di celluloide per i film, poi usata anche per le bombe.

Negli anni '30, il governo si interessò all'industria per promuovere valori culturali e politici. Gran parte della produzione durante l'età dell'oro è stata finanziata con un mix di denaro pubblico e privato, con il governo che alla fine ha assunto un ruolo più importante. Nel 1942 il Banco Cinematográfico finanziò quasi tutta l'industria, passando sotto il controllo del governo nel 1947. Questo diede al governo ampi diritti di censura attraverso la decisione di quali progetti finanziare. Mentre il Partito Rivoluzionario Istituzionale (PRI) al potere censurava i film in molti modi negli anni '40 e '50, non era repressivo come altri paesi di lingua spagnola, ma ha svolto un ruolo importante nel modo in cui il governo e la cultura del Messico sono stati descritti.

L'età dell'oro terminò alla fine degli anni '50, con gli anni '60 dominati da imitazioni mal fatte dei western e delle commedie di Hollywood. Questi film venivano girati sempre più all'aperto e i film popolari presentavano star di lucha libre . La produzione cinematografica d'arte e sperimentale in Messico affonda le sue radici nello stesso periodo, che inizia a dare i suoi frutti negli anni '70. Il regista Paul Leduc è emerso negli anni '70, specializzandosi in film senza dialoghi. Il suo primo grande successo fu con Reed: Insurgent Mexico (1971) seguito da una biografia di Frida Kahlo chiamata Frida (1984). È il più coerente politico dei moderni registi messicani. Negli anni '90 ha girato Latino Bar (1991) e Dollar Mambo (1993). I suoi film muti generalmente non hanno avuto successo commerciale.

Alla fine del XX secolo il principale sostenitore del cinema d'arte messicano era Arturo Ripstein Jr. . La sua carriera è iniziata con un film di tipo spaghetti western chiamato Tiempo de morir nel 1965 e che alcuni considerano il successore di Luis Buñuel che ha lavorato in Messico negli anni '40. Alcuni dei suoi film classici includono El Castillo de la pureza (1973), Lugar sin limites (1977) e La reina de la noche (1994) che esplorano argomenti come i legami familiari e persino l'omosessualità, trattando di crudeltà, ironia e tragedia. La censura statale è stata relativamente permissiva negli anni '60 e all'inizio degli anni '70, ma è tornata negli ultimi anni '70 e '80, monopolizzando la produzione e la distribuzione.

Un altro fattore è stato il fatto che molte strutture di produzione cinematografica messicane sono state rilevate dalle società di produzione di Hollywood negli anni '80, eliminando la produzione locale. La qualità dei film è stata così ridotta che per alcuni di questi anni il premio cinematografico Ariel in Messico è stato sospeso per mancanza di candidati idonei. Il cinema popolare è diminuito ma il settore artistico è cresciuto, a volte producendo opere al di fuori della vista della censura come il film di Jorge Fons del 1989 Rojo Amanecer sul massacro di Tlatelolco del 1968 . Il film è stato bandito dal governo ma ha ricevuto sostegno in Messico e all'estero. Il film è stato mostrato anche se non ampiamente. Fu l'inizio di una maggiore libertà editoriale per i registi in Messico.

A partire dagli anni '90, il cinema messicano ha iniziato a tornare alla ribalta, principalmente attraverso la coproduzione con interessi stranieri. Uno dei motivi dell'interesse internazionale per il cinema messicano è stato il grande successo del film del 1992 Como Agua Para Chocolate ( Like Water for Chocolate ). Nel 1993, questo film è stato il film in lingua straniera con il maggior incasso nella storia degli Stati Uniti ed è stato distribuito in un totale di 34 paesi. Da allora, il cinema messicano si è diviso in due generi. Quelli per un pubblico più domestico tendono ad essere più personali e più ambiguamente politici come Pueblo de Madera , La Vida Conjugal e Angel de fuego . Quelli orientati al pubblico internazionale hanno immagini messicane più stereotipate e includono Sólo con Tu Pareja , La Invencion de Cronos insieme a Como Agua para Chocolate .

La nuova generazione di registi di successo messicani comprende Alejandro González Iñárritu , Guillermo del Toro e Alfonso Cuarón noto come "I tre amici del cinema". I film di questi registi includono Gravity di Cuarón , The Shape of Water di del Toro e Birdman di Iñárritu . I professionisti del cinema all'inizio del 21° secolo tendono ad essere almeno bilingue (spagnolo e inglese) e sono maggiormente in grado di partecipare al mercato globale dei film rispetto ai loro predecessori.

Fotografia in Messico

La fotografia arrivò in Messico sotto forma di dagherrotipo circa sei mesi dopo la sua scoperta e si diffuse rapidamente. Inizialmente è stato utilizzato per i ritratti dei ricchi (a causa del suo alto costo) e per le riprese di paesaggi e rovine preispaniche. Un altro tipo relativamente comune di primi ritratti fotografici erano quelli di bambini deceduti di recente, chiamati angioletti, che persistettero fino alla prima metà del XX secolo. Questa usanza derivava da una tradizione cattolica di celebrare l'accettazione immediata di un bambino morto in cielo, aggirando il purgatorio. Questa fotografia ha sostituito la pratica di fare disegni e altre rappresentazioni di loro in quanto questa era considerata una "occasione felice". I ritratti formali erano la forma più comune di fotografia commerciale fino alla fine del XIX secolo.

La fotografia moderna in Messico non è nata come forma d'arte, ma piuttosto come documentazione, associata a periodici e progetti governativi. Risale al periodo di governo di Porfirio Díaz , o Porfiriato , dalla fine del XIX secolo al 1910. La fotografia dell'era porfiriana era fortemente incline alla presentazione della modernizzazione della nazione al resto del mondo, con Città del Messico come suo fiore all'occhiello culturale . Questa immagine era basata sull'Europa con alcuni elementi indigeni per la distinzione.

Le immagini stilizzate degli indigeni durante il Porfirato furono realizzate principalmente da Ybañez y Sora nello stile di pittura costumbrista , che era popolare al di fuori del Messico. Uno dei fotografi più importanti del Porfiriato fu Guillermo Kahlo , né Wilhelm. Kahlo ha fondato il suo studio nel primo decennio del 1900 ed è stato assunto da aziende e governo per documentare architettura, interni, paesaggi e fabbriche. Un altro fotografo di origine tedesca era Hugo Brehme , che lavorava contemporaneamente a Kahlo. I due apparentemente non andavano d'accordo, forse perché erano rivali per la produzione di immagini di edifici di epoca coloniale.

Lo stile di Kahlo rifletteva le narrazioni del periodo, concentrandosi esclusivamente su importanti costruzioni ed eventi ed evitando la popolazione comune, raramente le persone apparivano nelle sue foto. Ha evitato argomenti che alludevano all'instabilità politica del paese in quel momento, come le azioni di sciopero . Un importante progetto di Kahlo fu l'inventario fotografico dell'architettura della chiesa coloniale spagnola in Messico (1910), che consisteva in venticinque album sponsorizzati dal governo federale per documentare l'architettura coloniale rimanente. La fotografia di Kahlo è stata utilizzata per collegare il passato preispanico e coloniale del Messico nella loro architettura, al progresso attuale del Messico, come mostrato nelle sue foto dell'industria e delle infrastrutture.

Un altro pioniere della fotografia messicana è stato Agustín Victor Casasola . Come Kahlo, ha iniziato la sua carriera nel Porfirato, ma la sua carriera si è concentrata sulla fotografia per i periodici. Anche in questo caso, come Kahlo, il lavoro di Casasola prima della rivoluzione messicana si è concentrato su fotografie non controverse, incentrate sulla vita dell'élite. Lo scoppio della guerra civile causò un cambiamento nella scelta di Casasola. Iniziò a concentrarsi non solo sui ritratti dei principali protagonisti (come Francisco Villa ) e sulle scene di battaglia generali, ma sulle esecuzioni e sui morti. Si è concentrato su persone i cui volti mostravano espressioni come dolore, gentilezza e rassegnazione.

Il suo lavoro in questo periodo ha prodotto una vasta collezione di fotografie, molte delle quali sono familiari ai messicani poiché sono state ampiamente ristampate e riutilizzate, spesso senza credito a Casasola. Dopo la guerra, Casasola continuò a fotografare la gente comune, in particolare i migranti a Città del Messico negli anni '20 e '30. I suoi archivi totali conosciuti comprendono circa mezzo milione di immagini con molte delle sue opere archiviate nell'ex monastero di San Francisco a Pachuca .

Kahlo e Casasola sono considerati i due fotografi più importanti per sviluppare il mezzo in Messico, con Kahlo che definisce la fotografia architettonica e Casasolas che stabilisce il fotogiornalismo. Nessuno dei due si considerava un artista, soprattutto non Casasolas, che si considerava uno storico nella tradizione positivista , ma la fotografia di entrambi mostra attenzione ai dettagli, all'illuminazione e alla collocazione dei soggetti per un effetto emotivo o drammatico.

Per il resto del XX secolo, la maggior parte della fotografia è stata collegata alla documentazione. Tuttavia, le tendenze artistiche sia all'interno che all'esterno del paese hanno avuto un effetto. Negli anni '20, lo stile fotografico dominante era il pittorialismo , in cui le immagini avevano una qualità romantica o onirica dovuta all'uso di filtri e altre tecniche. L'americano Edward Weston ha rotto con questa tradizione, togliendo questi effetti per immagini più realistiche e dettagliate. Ciò ha causato una spaccatura nel mondo della fotografia tra pittorialisti e realisti sia all'interno che all'esterno del Messico.

Weston e la sua assistente italiana Tina Modotti furono in Messico dal 1923 al 1926, alleandosi con i fotografi realisti messicani Manuel Álvarez Bravo e con i muralisti come Gabriel Fernández Ledesma . Le aspirazioni politiche e sociali di questi fotografi corrispondevano a quelle del movimento muralista e del nuovo governo post-rivoluzione. Mariana Yampolsky , originaria degli Stati Uniti, è diventata un'importante fotografa in Messico. La fotografia e altre arti si sono spostate sulle rappresentazioni del patrimonio indigeno del paese e sulla glorificazione della gente comune messicana. Si trattava principalmente di respingere i valori elitari e fortemente europei del Porfiriato, insieme alla crescente influenza culturale degli Stati Uniti a favore di un'identità messicana "autentica" e distinta. Un altro è stata la decisione del governo di utilizzare queste immagini, piuttosto che i ricordi ancora freschi delle battaglie e delle atrocità della Rivoluzione per promuovere se stessa.

Manuel Alvarez Bravo ha sperimentato l'astrazione nella sua fotografia e ha formato il suo stile personale incentrato sui riti e le usanze messicane. È stato attivo dagli anni '20 fino alla sua morte negli anni '90. Come altri artisti del XX secolo, si preoccupava di bilanciare le tendenze artistiche internazionali con l'espressione della cultura e del popolo messicani. Le sue tecniche fotografiche miravano a trasformare l'ordinario in fantastico. Dalla fine degli anni '30 agli anni '70 la sua fotografia si è sviluppata insieme a nuove tecnologie come il colore, utilizzando gli stessi temi. Negli anni '70 ha sperimentato i nudi femminili.

Questi fotografi post-rivoluzione hanno influenzato le generazioni successive, ma l'enfasi è rimasta sul giornalismo documentaristico, in particolare per i giornali. Per questo motivo, l'attenzione è rimasta sui temi sociali. Questo includeva il lavoro di Nacho López e Hector Garcia , meglio conosciuti per la loro fotografia della rivolta studentesca del 1968 .

Durante gli anni '70, una fusione di vari stili ha mantenuto un focus sociale. Nello stesso periodo furono istituite istituzioni che si dedicarono alla promozione della fotografia e alla conservazione delle fotografie, come il Centro de la Imagen, la Fototeca Nacional del INAH e la pubblicazione Luna Córnea .

La fotografia in Messico della seconda metà del XX secolo rimane principalmente incentrata sul fotogiornalismo e su altri tipi di documentari. Francisco Mata de Rosas è considerato il fotografo più famoso del Messico contemporaneo che lavora principalmente con i documentari. Ha pubblicato numerosi libri tra cui México Tenochtitlan e Tepito, Bravo el Barrio . Eniac Martínez è specializzato in panorami. Patricia Aridjis lavora con temi sociali, principalmente per illustrare libri. Il lavoro di Gerardo Montiel Klint è stato descritto come un "mondo oscuro e oscuro", incentrato sull'angoscia e la violenza degli adolescenti. La generazione più recente di fotografi lavora con tecnologie nuove e digitali. Uno di questi è Javier Orozco , specializzato in interni.

Tuttavia, la fotografia puramente artistica ha avuto un impatto. Nel 2002, una mostra fotografica di Daniela Rossell presentava immagini di multimilionari messicani in posa nelle loro case ostentate, piene di dipinti costosi, trofei di caccia, lampadari di cristallo, carta da parati lamé dorata e aiuto domestico. Le fotografie hanno scatenato un'ondata di critiche sociali e pettegolezzi tabloid.

Galleria

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  Tunnel e ponte dell'Infiernillo Cañon, sulla ferrovia messicana, nello stato di Vera Cruz.

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  Porfirio Díaz con la Piedra del Sol , fotografo sconosciuto

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  Generale Emiliano Zapata , leader dei rivoluzionari a Morelos a partire dal 1911 e terminato con il suo assassinio nel 1919

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  Siqueiros di Héctor García Cobo nella prigione di Lecumberri, Città del Messico, 1960.

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  Ragazzo soldato durante la rivoluzione messicana , Archivio Casasola .

• 

  Centro Fotográfico Álvarez Bravo presso l' Istituto di Arti Grafiche di Oaxaca .

• 

  Foto della sfilata del Giorno dell'Indipendenza (16 settembre) a Città del Messico al Museo Archivo de la Fotografía (Museo dell'Archivio Fotografico).

• 

  Università Nazionale Autonoma , Città del Messico. Vista alla Biblioteca Centrale 1974.

Guarda anche

• Avelina Lésper  [ es ]
• arte latinoamericana
• Elenco di artisti messicani
• Elenco dei fotografi donne messicane
• Messicana (sito web)
• Architettura del Messico
• Indice degli articoli relativi al Messico
• arte africana

Ulteriori letture

Generale – Arte latinoamericana

Generale – Arte messicana

Arte preispanica

Arte dell'era coloniale

Arte dell'Ottocento

Arte Moderna

Fotografia

Cinema

Arti e artigianato popolare

• Lopez, Rick. Crafting Mexico: intellettuali, artigiani e lo Stato dopo la rivoluzione . Durham: Duke University Press 2010.
• McQuade, Margaret Connors. Talavera Poblana: quattro secoli di tradizione ceramica messicana . New York 1999.

Riferimenti

link esterno

• Arte vicereale del periodo della Nuova Spagna
• Museo Nazionale del Vicereame
• La Pinacoteca Profesa
• Manuel G. Revilla e la storia dell'arte messicana nell'Ottocento
• Una città invisibile II. La Casa de las Mil Ventanas uno studio di Joaquín Clausell (in spagnolo)
• Il Movimento Muralista Messicano
• Polyforum Siqueiros
• Trouble Surrealismo nella pittura messicana contemporanea Viviane Bigot. (in spagnolo)
• Gunther Gerzso: definizione dell'astrattismo messicano
• Accademia di San Carlos
• Nuova arte spagnola nel museo Soumaya
• Collezione: "Arts of Mexico" della University of Michigan Museum of Art