La pittura - Painting

La Gioconda (1503–1517) di Leonardo da Vinci è uno dei dipinti più riconoscibili al mondo.
Una rappresentazione artistica di un gruppo di rinoceronti è stata realizzata nella grotta Chauvet da 30.000 a 32.000 anni fa.

La pittura è la pratica di applicare vernice , pigmento , colore o altro mezzo su una superficie solida (chiamata "matrice" o "supporto"). Il mezzo viene comunemente applicato alla base con un pennello , ma possono essere utilizzati altri strumenti, come coltelli, spugne e aerografi .

In arte , il termine pittura descrive sia l'atto che il risultato dell'azione (l'opera finale è chiamata "un dipinto"). Il supporto per i dipinti include superfici come pareti, carta, tela, legno, vetro, lacca , ceramica, foglia , rame e cemento e il dipinto può incorporare più altri materiali, tra cui sabbia, argilla , carta, gesso , foglia d'oro e anche interi oggetti.

La pittura è una forma importante nelle arti visive , portando elementi come il disegno , la composizione , il gesto (come nella pittura gestuale ), la narrazione (come nell'arte narrativa ) e l' astrazione (come nell'arte astratta ). I dipinti possono essere naturalistici e rappresentativi (come nella natura morta e nella pittura di paesaggio ), fotografici , astratti, narrativi, simbolistici (come nell'arte simbolista ), emotiva (come nell'espressionismo ) o di natura politica (come nell'artivismo ).

Una parte della storia della pittura sia nell'arte orientale che in quella occidentale è dominata dall'arte religiosa . Esempi di questo tipo di pittura vanno da opere d'arte raffiguranti figure mitologiche su ceramica, a scene bibliche sul soffitto della Cappella Sistina , a scene della vita di Buddha (o altre immagini di origine religiosa orientale ).

Storia

Pittura rupestre preistorica di uro ( francese : Bos primigenius primigenius ) ), Lascaux , Francia
Il più antico dipinto figurativo conosciuto è una rappresentazione di un toro che è stato scoperto nella grotta di Lubang Jeriji Saléh in Indonesia . È stato dipinto 40.000 - 52.000 anni fa o prima.

I dipinti più antichi conosciuti hanno circa 40.000 anni, trovati sia nella regione franco-cantabrica nell'Europa occidentale, sia nelle grotte del distretto di Maros ( Sulawesi , Indonesia ). Pitture rupestri sono state poi trovate a Kalimantan , in Indonesia , nella grotta di Lubang Jeriji Saléh che si ritiene abbia 40.000 - 52.000 anni. Più recentemente, nel 2021, è stata segnalata l'arte rupestre di un maiale trovato in un'isola indonesiana e datato a oltre 45.500 anni. Tuttavia, le prime prove dell'atto di dipingere sono state scoperte in due rifugi rocciosi nell'Arnhem Land , nell'Australia settentrionale. Nello strato più basso di materiale in questi siti, sono usati pezzi di ocra che si stima abbiano 60.000 anni. Gli archeologi hanno anche trovato un frammento di pittura rupestre conservato in un rifugio di roccia calcarea nella regione di Kimberley nell'Australia nord-occidentale, datato a 40.000 anni. Ci sono esempi di pitture rupestri in tutto il mondo: in Indonesia , Francia , Spagna , Portogallo , Italia , Cina , Australia , Messico , ecc. Nelle culture occidentali, la pittura ad olio e la pittura ad acquerello hanno tradizioni ricche e complesse nello stile e nell'argomento. In Oriente, inchiostro e inchiostro a colori storicamente predominavano nella scelta dei supporti, con tradizioni altrettanto ricche e complesse.

L'invenzione della fotografia ha avuto un grande impatto sulla pittura. Nei decenni successivi alla produzione della prima fotografia nel 1829, i processi fotografici migliorarono e divennero più ampiamente praticati, privando la pittura di gran parte del suo scopo storico di fornire una registrazione accurata del mondo osservabile. Una serie di movimenti artistici tra la fine del XIX e l'inizio del XX secolo, in particolare l' impressionismo , il post-impressionismo , il fauvismo , l' espressionismo , il cubismo e il dadaismo, hanno sfidato la visione rinascimentale del mondo. La pittura orientale e africana, tuttavia, ha continuato una lunga storia di stilizzazione e non ha subito una trasformazione equivalente allo stesso tempo.

L' arte moderna e contemporanea si è allontanata dal valore storico dell'artigianato e della documentazione a favore del concept . Ciò non ha dissuaso la maggior parte dei pittori viventi dal continuare a praticare la pittura sia nel suo insieme che in parte del proprio lavoro. La vitalità e la versatilità della pittura nel 21° secolo sfidano le precedenti "dichiarazioni" della sua fine. In un'epoca caratterizzata dall'idea di pluralismo , non c'è consenso su uno stile rappresentativo dell'epoca. Gli artisti continuano a realizzare importanti opere d'arte in un'ampia varietà di stili e temperamenti estetici: i loro meriti sono lasciati al pubblico e al mercato a giudicare.

Elementi di pittura

Chen Hongshou (1598–1652), Dipinto con album di foglie ( dinastia Ming )
Mostra un dipinto puntinista di un solista di trombone.
Georges Seurat , Circus Sideshow ( francese : Parade de cirque ) (1887-1888)

Colore e tono

Il colore , fatto di tonalità , saturazione e valore , disperso su una superficie è l'essenza della pittura, così come l' altezza e il ritmo sono l'essenza della musica . Il colore è altamente soggettivo, ma ha effetti psicologici osservabili, sebbene questi possano differire da una cultura all'altra. Il nero è associato al lutto in Occidente, ma in Oriente lo è il bianco. Alcuni pittori, teorici, scrittori e scienziati, tra cui Goethe , Kandinsky e Newton , hanno scritto la propria teoria del colore .

Inoltre, l'uso del linguaggio è solo un'astrazione per un equivalente di colore. La parola " rosso ", ad esempio, può coprire un'ampia gamma di variazioni dal rosso puro dello spettro visibile della luce. Non c'è un registro formale di diversi colori in modo che non ci sia un accordo su diverse note nella musica, come ad esempio F o C♯ . Per un pittore, il colore non è semplicemente diviso in colori di base (primari) e derivati ​​(complementari o misti) (come rosso, blu, verde, marrone, ecc.).

I pittori si occupano praticamente di pigmenti , quindi " blu " per un pittore può essere uno qualsiasi dei blu: blu ftalocianina , blu di Prussia , indaco , blu cobalto , oltremare e così via. I significati psicologici e simbolici del colore non sono, in senso stretto, mezzi di pittura. I colori si aggiungono solo al potenziale contesto derivato dei significati e, per questo motivo, la percezione di un dipinto è altamente soggettiva. L'analogia con la musica è abbastanza chiara: il suono nella musica (come una nota C) è analogo alla "luce" nella pittura, le "sfumature" alla dinamica e la "colorazione" alla pittura come il timbro specifico degli strumenti musicali sta alla musica. Questi elementi non formano necessariamente una melodia (in musica) di se stessi; piuttosto, possono aggiungere contesti diversi ad esso.

Elementi non tradizionali

Gli artisti moderni hanno esteso notevolmente la pratica della pittura per includere, ad esempio, il collage , che ha avuto inizio con il cubismo e non è pittura in senso stretto. Alcuni pittori moderni incorporano materiali diversi come metallo, plastica, sabbia , cemento , paglia , foglie o legno per la loro consistenza . Ne sono un esempio le opere di Jean Dubuffet e Anselm Kiefer . Esiste una crescente comunità di artisti che utilizzano i computer per "dipingere" il colore su una "tela" digitale utilizzando programmi come Adobe Photoshop , Corel Painter e molti altri. Queste immagini possono essere stampate su tela tradizionale, se necessario.

Ritmo

Jean Metzinger , La danse (Bacchante) (c.1906), olio su tela, 73 x 54 cm, Museo Kröller-Müller

La tecnica divisionista a mosaico di Jean Metzinger aveva il suo parallelo in letteratura; una caratteristica dell'alleanza tra scrittori simbolisti e artisti neoimpressionisti:

Alla pennellata divisa chiedo non la resa oggettiva della luce, ma le iridescenze e certi aspetti del colore ancora estranei alla pittura. Faccio una sorta di versificazione cromatica e per le sillabe utilizzo tratti che, variabili in quantità, non possono differire per dimensione senza modificare il ritmo di una fraseologia pittorica destinata a tradurre le diverse emozioni suscitate dalla natura. (Jean Metzinger, circa 1907)

Piet Mondrian , Composizione en rouge, jaune, bleu et noir (1921), Gemeentemuseum Den Haag

Il ritmo , per artisti come Piet Mondrian , è importante nella pittura come lo è nella musica. Se si definisce il ritmo come "una pausa incorporata in una sequenza", allora può esserci ritmo nei dipinti. Queste pause consentono alla forza creativa di intervenire e aggiungere nuove creazioni: forma, melodia, colorazione. La distribuzione della forma o di qualsiasi tipo di informazione è di importanza cruciale in una data opera d'arte e influenza direttamente il valore estetico di quell'opera. Questo perché il valore estetico è dipendente dalla funzionalità, cioè la libertà (di movimento) della percezione è percepita come bellezza. Il libero fluire dell'energia, nell'arte come in altre forme di " techne ", contribuisce direttamente al valore estetico.

La musica è stata importante per la nascita dell'arte astratta poiché la musica è astratta per natura: non cerca di rappresentare il mondo esterno, ma esprime in modo immediato i sentimenti interiori dell'anima. Wassily Kandinsky usava spesso termini musicali per identificare le sue opere; chiamò i suoi quadri più spontanei "improvvisazioni" e descrisse le opere più elaborate come "composizioni". Kandinsky ha teorizzato che "la musica è l'ultimo maestro" e successivamente ha intrapreso le prime sette delle sue dieci composizioni . Sentendo toni e accordi come dipinse, Kandinsky ha teorizzato che (per esempio), il giallo è il colore del mezzo C su una tromba d'ottone; il nero è il colore della chiusura e della fine delle cose; e che le combinazioni di colori producono frequenze vibrazionali, simili agli accordi suonati su un pianoforte. Nel 1871 il giovane Kandinsky imparò a suonare il pianoforte e il violoncello. Scenografia di Kandinsky per una performance di Mussorgsky 's Quadri di un'esposizione illustra il suo concetto di 'sinestetica' di una corrispondenza universale, di forme, colori e suoni musicali.

La musica definisce gran parte della pittura astratta modernista. Jackson Pollock sottolinea questo interesse con il suo dipinto del 1950 Autumn Rhythm (Numero 30) .

Estetica e teoria

Un rilievo contro un muro mostra un uomo barbuto che allunga le mani mentre i suoi vestiti sono drappeggiati sul suo corpo.
Nino Pisano , Apelle o l'arte della pittura in dettaglio (1334-1336); rilievo del Campanile di Giotto a Firenze , Italy

L'estetica è lo studio dell'arte e della bellezza ; era una questione importante per filosofi del XVIII e XIX secolo come Kant e Hegel . Anche filosofi classici come Platone e Aristotele teorizzarono l'arte e la pittura in particolare. Platone ha ignorato i pittori (così come gli scultori) nel suo sistema filosofico; sosteneva che la pittura non può rappresentare la verità , è una copia della realtà (un'ombra del mondo delle idee) e non è altro che un mestiere , simile al calzolaio o alla fusione del ferro. Al tempo di Leonardo, la pittura era diventata una rappresentazione della verità più vicina di quanto lo fosse la pittura nell'antica Grecia . Leonardo da Vinci , al contrario, disse che " Italiano : La Pittura è cosa mentale " ("Inglese: la pittura è una cosa della mente "). Kant distingueva tra Bellezza e Sublime , in termini che chiaramente davano la priorità al primo. Sebbene non si riferisse alla pittura in particolare, questo concetto fu ripreso da pittori come JMW Turner e Caspar David Friedrich .

Hegel ha riconosciuto il fallimento di raggiungere un concetto universale di bellezza e, nel suo saggio estetico, ha scritto che la pittura è una delle tre arti "romantiche", insieme alla Poesia e alla Musica , per il suo scopo simbolico e altamente intellettuale. I pittori che hanno scritto opere teoriche sulla pittura includono Kandinsky e Paul Klee . Nel suo saggio, Kandinsky sostiene che la pittura ha un valore spirituale, e attribuisce i colori primari a sentimenti o concetti essenziali, cosa che Goethe e altri scrittori avevano già cercato di fare.

L'iconografia è lo studio del contenuto dei dipinti, piuttosto che il loro stile. Erwin Panofsky e altri storici dell'arte cercano prima di capire le cose raffigurate, prima di esaminarne il significato per lo spettatore in quel momento e infine analizzando il loro più ampio significato culturale, religioso e sociale.

Nel 1890, il pittore parigino Maurice Denis affermò notoriamente: "Ricorda che un dipinto, prima di essere un cavallo da guerra, una donna nuda o una storia o altro, è essenzialmente una superficie piana ricoperta di colori assemblati in un certo ordine". Pertanto, molti sviluppi della pittura del XX secolo, come il cubismo , erano riflessioni sui mezzi della pittura piuttosto che sul mondo esterno - la natura - che era stato in precedenza il suo soggetto principale. Contributi recenti al pensiero sulla pittura sono stati offerti dal pittore e scrittore Julian Bell . Nel suo libro Cos'è la pittura? , Bell discute lo sviluppo, attraverso la storia, dell'idea che i dipinti possano esprimere sentimenti e idee. In Mirror of The World, Bell scrive:

Un opera d'arte cerca di tenere la vostra attenzione e tenerlo fisso: una storia di impulsi d'arte è in poi, bulldozer una strada attraverso le case della fantasia.

Supporti pittorici

Diversi tipi di vernice sono solitamente identificati dal mezzo in cui il pigmento è sospeso o incorporato, che determina le caratteristiche generali di funzionamento della vernice, come viscosità , miscibilità , solubilità , tempo di essiccazione, ecc.

Olio

Honoré Daumier , Il pittore (1808-1879), olio su tavola con pennellate visibili

La pittura a olio è il processo di pittura con pigmenti legati con un mezzo di olio essiccante , come l' olio di semi di lino , che era ampiamente usato nell'Europa della prima età moderna. Spesso l'olio veniva bollito con una resina come la resina di pino o addirittura l' incenso ; questi erano chiamati "vernici" ed erano apprezzati per il loro corpo e lucentezza. La pittura ad olio alla fine divenne il mezzo principale utilizzato per creare opere d'arte man mano che i suoi vantaggi divennero ampiamente noti. La transizione iniziò con la pittura dei primi Paesi Bassi nell'Europa settentrionale e, all'apice del Rinascimento, le tecniche di pittura ad olio avevano quasi completamente sostituito le pitture a tempera nella maggior parte dell'Europa.

Pastello

Maurice Quentin de La Tour , Ritratto di Luigi XV di Francia (1748), pastello

Il pastello è un mezzo pittorico a forma di bastoncino, costituito da pigmento puro in polvere e un legante. I pigmenti utilizzati nei pastelli sono gli stessi utilizzati per produrre tutti i supporti artistici colorati, compresi i colori ad olio ; il legante è di tonalità neutra e bassa saturazione . L'effetto cromatico dei pastelli è più vicino ai pigmenti secchi naturali rispetto a quello di qualsiasi altro processo. Poiché la superficie di un dipinto a pastello è fragile e si macchia facilmente, la sua conservazione richiede misure protettive come l'inquadratura sotto vetro; può anche essere spruzzato con un fissativo . Tuttavia, se realizzato con pigmenti permanenti e adeguatamente curato, un dipinto a pastello può durare inalterato per secoli. I pastelli non sono suscettibili, come lo sono i dipinti realizzati con un mezzo fluido, alle screpolature e allo scolorimento che risultano dai cambiamenti nel colore, nell'opacità o nelle dimensioni del mezzo mentre si asciuga.

Acrilico

Ray Burggraf , Jungle Arc (1998), pittura acrilica su legno

La vernice acrilica è una vernice a rapida essiccazione contenente una sospensione di pigmenti in emulsione di polimeri acrilici . Le vernici acriliche possono essere diluite con acqua, ma diventano resistenti all'acqua una volta asciutte. A seconda di quanto la vernice è diluita (con acqua) o modificata con gel, supporti o paste acriliche, la pittura acrilica finita può assomigliare a un acquerello o un dipinto ad olio o avere caratteristiche uniche non ottenibili con altri supporti. La principale differenza pratica tra la maggior parte degli acrilici e dei colori ad olio è il tempo di asciugatura intrinseco. Gli oli concedono più tempo per sfumare i colori e applicare anche gli smalti sulle pitture inferiori. Questo aspetto di essiccazione lenta dell'olio può essere visto come un vantaggio per alcune tecniche, ma può anche ostacolare la capacità dell'artista di lavorare rapidamente.

Acquerello

John Martin , Manfred sulla Jungfrau (1837), acquerello

L'acquerello è un metodo di pittura in cui le vernici sono costituite da pigmenti sospesi in un veicolo solubile in acqua. Il supporto tradizionale e più comune per gli acquerelli è la carta; altri supporti includono papiro , carte corteccia, plastica, pergamena o pelle , tessuto , legno e tela . In Asia orientale, la pittura ad acquerello con inchiostri è indicata come pittura a pennello o pittura a scorrimento. Nella pittura cinese , coreana e giapponese è stato il mezzo dominante, spesso in monocromo nero o marrone. Anche l'India, l' Etiopia e altri paesi hanno lunghe tradizioni. La pittura a dita con colori ad acquerello è originaria della Cina. Le matite acquerellabili (matite colorate solubili in acqua) possono essere utilizzate sia bagnate che asciutte.

Inchiostro

Sesshū Tōyō , Paesaggi delle quattro stagioni (1486), inchiostro e colore chiaro su carta

I dipinti a inchiostro vengono eseguiti con un liquido che contiene pigmenti o coloranti e viene utilizzato per colorare una superficie per produrre un'immagine, un testo o un disegno . L'inchiostro viene utilizzato per disegnare con una penna , un pennello o una penna d' oca . Inchiostro può essere un mezzo complesso, composto da solventi , pigmenti, coloranti, resine , lubrificanti , solubilizzanti, tensioattivi , particolato , agenti fluorescenti , e altri materiali. I componenti degli inchiostri servono a molti scopi; il supporto dell'inchiostro, i coloranti e altri additivi controllano il flusso e lo spessore dell'inchiostro e il suo aspetto una volta asciutto.

Cera a caldo o encausto

Icona encausto dal Monastero di Santa Caterina , Egitto (VI secolo)

La pittura a encausto , nota anche come pittura a cera a caldo, prevede l'uso di cera d'api riscaldata a cui vengono aggiunti pigmenti colorati. Il liquido/pasta viene quindi applicato su una superficie, di solito legno preparato, sebbene vengano spesso utilizzati tela e altri materiali. La miscela di encausto più semplice può essere ottenuta aggiungendo pigmenti alla cera d'api, ma ci sono molte altre ricette che possono essere utilizzate, alcune contenenti altri tipi di cere , resina damar , olio di semi di lino o altri ingredienti. È possibile acquistare e utilizzare pigmenti puri in polvere, sebbene alcune miscele utilizzino colori ad olio o altre forme di pigmento. È possibile utilizzare strumenti metallici e spazzole speciali per modellare la vernice prima che si raffreddi, oppure utilizzare strumenti metallici riscaldati per manipolare la cera una volta che si è raffreddata sulla superficie. Altri materiali possono essere racchiusi o incollati sulla superficie, o stratificati, utilizzando il mezzo encausto per farlo aderire alla superficie.

La tecnica era quella normale per gli antichi dipinti su tavola greci e romani e rimase in uso nella tradizione delle icone ortodosse orientali .

Affrescare

Angelo bianco (affresco), monastero di Mileševa, Serbia

L'affresco è uno dei numerosi tipi di pittura murale correlati , eseguiti su intonaco su pareti o soffitti. La parola affresco proviene dalla italiana parola affresco [affresːko] , che deriva dalla parola latina per fresco . Gli affreschi furono spesso realizzati durante il Rinascimento e in altri primi periodi. La tecnica del buon fresco consiste nel dipingere con pigmenti mescolati con acqua su un sottile strato di malta di calce fresca o intonaco bagnato , per il quale viene utilizzata la parola italiana per intonaco, intonaco . Una pittura a secco , al contrario, viene eseguita su intonaco secco ( secco è "secco" in italiano). I pigmenti richiedono un mezzo legante, come uovo ( tempera ), colla o olio per fissare il pigmento al muro.

Guazzo

Gouache è una vernice a base d'acqua composta da pigmenti e altri materiali progettati per essere utilizzati in un metodo di pittura opaco. La guazzo differisce dall'acquerello in quanto le particelle sono più grandi, il rapporto tra pigmento e acqua è molto più alto ed è presente anche un pigmento bianco aggiuntivo, inerte, come il gesso . Questo rende la tempera più pesante e opaca, con maggiori qualità riflettenti. Come tutti i watermedia, è diluito con acqua.

Smalto

Jean de Court (attribuito), piatto smaltato di Limoges dipinto in dettaglio (metà del XVI secolo), Waddesdon Bequest , British Museum

Gli smalti si realizzano dipingendo un substrato, tipicamente metallico, con polvere di vetro; i minerali chiamati ossidi di colore forniscono la colorazione. Dopo aver sparato a una temperatura di 750–850 gradi Celsius (1380–1560 gradi Fahrenheit), il risultato è una laminazione fusa di vetro e metallo. A differenza della maggior parte delle tecniche pittoriche, la superficie può essere trattata e bagnata. Gli smalti sono stati tradizionalmente utilizzati per la decorazione di oggetti preziosi, ma sono stati utilizzati anche per altri scopi. Lo smalto di Limoges era il centro principale della pittura a smalto rinascimentale, con piccole scene religiose e mitologiche in ambienti decorati, su placche o oggetti come sali o cofanetti. Nel XVIII secolo, la pittura a smalto godeva di una moda in Europa, soprattutto come mezzo per le miniature dei ritratti . Alla fine del XX secolo, la tecnica dello smalto porcellanato su metallo è stata utilizzata come supporto durevole per i murales all'aperto.

Vernice spray

La vernice aerosol (chiamata anche vernice spray) è un tipo di vernice che viene fornita in un contenitore pressurizzato sigillato e viene rilasciata in una nebbia sottile quando si preme un pulsante della valvola . Una forma di verniciatura a spruzzo , la vernice spray lascia una superficie liscia e uniformemente rivestita. Le lattine di dimensioni standard sono portatili, economiche e facili da riporre. Il primer aerosol può essere applicato direttamente sul metallo nudo e su molte plastiche.

Anche la velocità, la portabilità e la permanenza rendono la vernice spray un mezzo comune per i graffiti . Alla fine degli anni '70, le firme e i murales degli scrittori di graffiti di strada divennero più elaborati e si sviluppò uno stile unico come fattore del mezzo aerosol e della velocità richiesta per il lavoro illecito. Molti ora riconoscono i graffiti e l'arte di strada come una forma d'arte unica e le vernici aerosol prodotte appositamente sono realizzate per l'artista dei graffiti. Uno stencil protegge una superficie, tranne la forma specifica da dipingere. Gli stencil possono essere acquistati come lettere mobili, ordinati come loghi tagliati professionalmente o tagliati a mano da artisti.

Tempera

La tempera , nota anche come tempera all'uovo, è un mezzo di pittura permanente e ad asciugatura rapida costituito da pigmenti colorati mescolati con un mezzo legante solubile in acqua (di solito un materiale glutinoso come tuorlo d'uovo o altre dimensioni ). Tempera si riferisce anche ai dipinti eseguiti con questo mezzo. I dipinti a tempera sono molto durevoli e ne esistono ancora esempi dei primi secoli d.C. La tempera all'uovo era un metodo di pittura primario fino a dopo il 1500, quando fu sostituita dall'invenzione della pittura ad olio . Una pittura comunemente chiamata tempera (anche se non lo è) costituita da pigmento e colla è comunemente usata e indicata da alcuni produttori in America come pittura per poster .

Colori ad olio miscibili con acqua

I colori ad olio miscibili in acqua (chiamati anche "solubili in acqua" o "miscibili in acqua") sono una moderna varietà di colori ad olio progettati per essere diluiti e ripuliti con acqua, piuttosto che dover utilizzare prodotti chimici come la trementina . Può essere miscelato e applicato utilizzando le stesse tecniche della tradizionale pittura a olio, ma mentre è ancora bagnato può essere efficacemente rimosso da pennelli, tavolozze e stracci con normale acqua e sapone. La sua solubilità in acqua deriva dall'uso di un mezzo oleoso in cui un'estremità della molecola è stata alterata per legarsi liberamente alle molecole d'acqua, come in una soluzione .

Pittura digitale

La pittura digitale è un metodo per creare digitalmente un oggetto d'arte (pittura) o una tecnica per fare arte digitale sul computer. Come metodo per creare un oggetto d'arte, adatta i mezzi di pittura tradizionali come colori acrilici , oli , inchiostro , acquerello , ecc. e applica il pigmento a supporti tradizionali, come tela di canapa, carta, poliestere, ecc. software che guida robot industriali o macchinari per ufficio (stampanti). Come tecnica, si riferisce ad un computer grafica programma software che utilizza un virtuale tela e scatola pittura virtuale di pennelli, colori e altri rifornimenti. La scatola virtuale contiene molti strumenti che non esistono al di fuori del computer e che danno a un'opera d'arte digitale un aspetto diverso da un'opera d'arte realizzata in modo tradizionale. Inoltre, la pittura digitale non è un'arte "generata al computer" poiché il computer non crea automaticamente immagini sullo schermo utilizzando alcuni calcoli matematici. D'altra parte, l'artista utilizza la propria tecnica pittorica per creare una particolare opera al computer.

Stili di pittura

Lo stile è usato in due sensi: può riferirsi agli elementi visivi distintivi, alle tecniche e ai metodi che caratterizzano il lavoro di un singolo artista. Può anche riferirsi al movimento o alla scuola a cui è associato un artista. Questo può derivare da un gruppo reale in cui l'artista è stato consapevolmente coinvolto o può essere una categoria in cui gli storici dell'arte hanno collocato il pittore. La parola "stile" in quest'ultimo senso è caduta in disuso nelle discussioni accademiche sulla pittura contemporanea, sebbene continui a essere utilizzata in contesti popolari. Tali movimenti o classificazioni includono quanto segue:

Occidentale

Modernismo

Il modernismo descrive sia un insieme di tendenze culturali che una serie di movimenti culturali associati , originariamente derivanti da cambiamenti su larga scala e di vasta portata nella società occidentale alla fine del XIX secolo e all'inizio del XX secolo. Il modernismo fu una rivolta contro i valori conservatori del realismo . Il termine comprende le attività e la produzione di coloro che sentivano che le forme "tradizionali" dell'arte, dell'architettura, della letteratura, della fede religiosa, dell'organizzazione sociale e della vita quotidiana stavano diventando obsolete nelle nuove condizioni economiche, sociali e politiche di un emergente completamente industrializzato. mondo. Una caratteristica saliente del modernismo è l'autocoscienza. Ciò ha portato spesso a sperimentazioni sulla forma ea lavori che richiamano l'attenzione sui processi e sui materiali utilizzati (e sull'ulteriore tendenza all'astrazione).

Impressionismo
Impression, Sunrise del 1872 di Claude Monet ha ispirato il nome del movimento

Il primo esempio di modernismo in pittura fu l' impressionismo , una scuola di pittura che inizialmente si concentrava sul lavoro svolto, non negli studi, ma all'aperto ( en plein air ). I dipinti impressionisti hanno dimostrato che gli esseri umani non vedono gli oggetti, ma vedono invece la luce stessa. La scuola raccolse aderenti nonostante le divisioni interne tra i suoi principali praticanti e divenne sempre più influente. Inizialmente respinti dalla più importante mostra commerciale dell'epoca, il Salon di Parigi sponsorizzato dal governo , gli impressionisti organizzarono mostre collettive annuali in luoghi commerciali durante gli anni 1870 e 1880, programmandole in concomitanza con il Salon ufficiale. Un evento significativo del 1863 fu il Salon des Refusés , creato dall'imperatore Napoleone III per mostrare tutti i dipinti rifiutati dal Salon di Parigi.

Stili astratti

La pittura astratta utilizza un linguaggio visivo di forma, colore e linea per creare una composizione che può esistere con un grado di indipendenza dai riferimenti visivi nel mondo. L'espressionismo astratto era un movimento artistico americano del secondo dopoguerra che combinava l'intensità emotiva e l'abnegazione degli espressionisti tedeschi con l'estetica anti-figurativa delle scuole astratte europee, come il futurismo , il Bauhaus e il cubismo , e l'immagine dell'essere ribelle, anarchico, altamente idiosincratico e, secondo alcuni, nichilista.

La pittura d'azione , a volte chiamata astrazione gestuale , è uno stile di pittura in cui la pittura viene spontaneamente gocciolata, spruzzata o imbrattata sulla tela, piuttosto che essere applicata con cura. L'opera risultante spesso enfatizza l'atto fisico della pittura stessa come aspetto essenziale dell'opera finita o preoccupazione del suo artista. Lo stile era diffuso dagli anni '40 fino ai primi anni '60 ed è strettamente associato all'espressionismo astratto (alcuni critici hanno usato i termini "pittura d'azione" e "espressionismo astratto" in modo intercambiabile).

Altri stili modernisti includono:

Arte estranea

Il termine Outsider Art è stato coniato dal critico d'arte Roger Cardinal nel 1972 come un sinonimo inglese per art brut ( francese:  [aʁ bʁyt] , "arte grezza" o "arte grezza"), un marchio creato da francese dell'artista Jean Dubuffet per descrivere l'arte creato al di fuori dei confini della cultura ufficiale; Dubuffet si è concentrato in particolare sull'arte dei detenuti del manicomio . L'arte Outsider è emersa come una categoria di marketing artistico di successo (una Outsider Art Fair annuale si tiene a New York dal 1992). Il termine viene talvolta applicato erroneamente come etichetta di marketing onnicomprensiva per l'arte creata da persone al di fuori del "mondo dell'arte" tradizionale, indipendentemente dalle loro circostanze o dal contenuto del loro lavoro.

Fotorealismo

Il fotorealismo è il genere di pittura basato sull'uso della macchina fotografica e delle fotografie per raccogliere informazioni e quindi da queste informazioni, creare un dipinto che sembra essere molto realistico come una fotografia . Il termine si applica principalmente ai dipinti del movimento artistico degli Stati Uniti iniziato tra la fine degli anni '60 e l'inizio degli anni '70. Come movimento artistico a tutti gli effetti, il fotorealismo si è evoluto dalla Pop Art e come opposizione all'espressionismo astratto .

L'iperrealismo è un genere di pittura e scultura che ricorda una fotografia ad alta risoluzione . L'iperrealismo è una scuola d' arte a tutti gli effetti e può essere considerato un avanzamento del fotorealismo grazie ai metodi utilizzati per creare i dipinti o le sculture risultanti. Il termine si applica principalmente a un movimento artistico e stile artistico indipendente negli Stati Uniti e in Europa che si è sviluppato dai primi anni 2000.

Surrealismo

Il Surrealismo è un movimento culturale che ha avuto inizio nei primi anni '20 ed è meglio conosciuto per la produzione artistica e letteraria di coloro che sono affiliati al Movimento Surrealista . Le opere d'arte surrealiste presentano l'elemento della sorpresa, il perturbante, l'inconscio, giustapposizioni inaspettate e non-sequitur ; tuttavia, molti artisti e scrittori surrealisti considerano il loro lavoro prima di tutto un'espressione del movimento filosofico, con le opere che sono un artefatto. Il leader André Breton è stato esplicito nella sua affermazione che il Surrealismo era soprattutto un movimento rivoluzionario.

Il Surrealismo si sviluppò dalle attività Dada della prima guerra mondiale e il centro più importante del movimento fu Parigi . Dagli anni '20 in poi, il movimento si diffuse in tutto il mondo, interessando infine le arti visive , la letteratura , il cinema e la musica di molti paesi, nonché il pensiero e la pratica politica , la filosofia e la teoria sociale .

est asiatico

islamico

indiano

africano

Arte contemporanea

anni '50

anni '60

anni '70

anni '80

anni '90

anni 2000

Tipi di pittura

Allegoria

L'allegoria è una modalità figurativa di rappresentazione che trasmette un significato diverso da quello letterale. L'allegoria comunica il suo messaggio attraverso figure simboliche , azioni o rappresentazioni simboliche. L'allegoria è generalmente trattata come una figura della retorica , ma un'allegoria non deve essere espressa nel linguaggio : può essere indirizzata all'occhio e si trova spesso nella pittura realistica. Un esempio di una semplice allegoria visiva è l'immagine del cupo mietitore . Gli spettatori capiscono che l'immagine del triste mietitore è una rappresentazione simbolica della morte.

Bodegon

Francisco de Zurbarán , Natura morta con vasi di ceramica ( spagnolo : Bodegón de recipientes ) (1636), olio su tela, 46 x 84 cm, Museo del Prado , Madrid

Nell'arte spagnola , un bodegón è un dipinto di natura morta raffigurante oggetti della dispensa, come vettovaglie, selvaggina e bevande, spesso disposti su una semplice lastra di pietra, e anche un dipinto con una o più figure, ma elementi significativi di natura morta, tipicamente ambientati in una cucina o in una taverna. A partire dal periodo barocco , tali dipinti divennero popolari in Spagna nel secondo quarto del XVII secolo. La tradizione della pittura di nature morte sembra essere iniziata ed era molto più popolare nei Paesi Bassi contemporanei , oggi Belgio e Paesi Bassi (allora artisti fiamminghi e olandesi), che mai nell'Europa meridionale . Le nature morte del nord avevano molti sottogeneri: il pezzo per la colazione era arricchito dal trompe-l'œil , dal bouquet di fiori e dalla vanitas . In Spagna c'erano molti meno clienti per questo genere di cose, ma divenne popolare un tipo di pezzo per la colazione , con alcuni oggetti di cibo e stoviglie posati su un tavolo.

Pittura di figura

Un dipinto di figura è un'opera d'arte in uno qualsiasi dei media pittorici con il soggetto principale che è la figura umana, vestita o nuda . La pittura di figura può anche riferirsi all'attività di creazione di un tale lavoro. La figura umana è stata uno dei soggetti contrastanti dell'arte sin dalle prime pitture rupestri dell'età della pietra ed è stata reinterpretata in vari stili nel corso della storia. Alcuni artisti ben noti per la pittura di figure sono Peter Paul Rubens , Edgar Degas e Édouard Manet .

Reza Abbasi , Due amanti (1630)

Pittura di illustrazione

I dipinti illustrativi sono quelli usati come illustrazioni in libri, riviste, manifesti teatrali o cinematografici e fumetti. Oggi c'è un crescente interesse nel collezionare e ammirare le opere d'arte originali. Diverse mostre museali, riviste e gallerie d'arte hanno dedicato spazio agli illustratori del passato. Nel mondo dell'arte visiva, gli illustratori sono stati talvolta considerati meno importanti rispetto agli artisti e ai grafici . Ma come risultato della crescita dell'industria dei giochi per computer e dei fumetti, le illustrazioni stanno diventando apprezzate come opere d'arte popolari e redditizie che possono acquisire un mercato più ampio rispetto alle altre due, specialmente in Corea , Giappone, Hong Kong e Stati Uniti.

Dipinto di paesaggio

Andreas Achenbach , Ripulire, Costa di Sicilia (1847), The Walters Art Museum

La pittura di paesaggio è un termine che copre la rappresentazione di scenari naturali come montagne, valli, alberi, fiumi, laghi e foreste, e in particolare l'arte in cui il soggetto principale è un'ampia vista, con i suoi elementi disposti in una composizione coerente. In altre opere gli sfondi paesaggistici per le figure possono ancora costituire una parte importante dell'opera. Il cielo è quasi sempre incluso nella vista e il tempo è spesso un elemento della composizione. I paesaggi dettagliati come soggetto distinto non si trovano in tutte le tradizioni artistiche e si sviluppano quando esiste già una tradizione sofisticata di rappresentazione di altri soggetti. Le due tradizioni principali scaturiscono dalla pittura occidentale e dall'arte cinese , risalenti a ben oltre mille anni in entrambi i casi.

Ritratti

I ritratti sono rappresentazioni di una persona, in cui il volto e la sua espressione sono predominanti. L'intento è quello di mostrare la somiglianza, la personalità e persino l'umore della persona. L'arte del ritratto fiorì nella scultura greca antica e soprattutto romana , dove i soggetti richiedevano ritratti individualizzati e realistici, anche poco lusinghieri. Uno dei ritratti più noti nel mondo occidentale è il dipinto di Leonardo da Vinci intitolato Mona Lisa , che si pensa sia un ritratto di Lisa Gherardini , moglie di Francesco del Giocondo.

Natura morta

Otto Marseus van Schrieck , Natura morta sul suolo di una foresta (1666)

Una natura morta è un'opera d' arte che raffigura per lo più soggetti inanimati , oggetti tipicamente comuni, che possono essere naturali (cibo, fiori, piante, rocce o conchiglie) o artificiali (bicchieri, libri, vasi, gioielli, monete , tubi e così via). Con origini nel Medioevo e nell'antica arte greco-romana, i dipinti di natura morta danno all'artista più margine di manovra nella disposizione degli elementi di design all'interno di una composizione rispetto ai dipinti di altri tipi di soggetti come paesaggi o ritratti . Le nature morte, in particolare prima del 1700, contenevano spesso simboli religiosi e allegorici relativi agli oggetti raffigurati. Alcune nature morte moderne infrangono la barriera bidimensionale e utilizzano media misti tridimensionali e utilizzano oggetti trovati, fotografia, computer grafica, oltre a video e suoni.

veduta

Una veduta è un dipinto molto dettagliato, di solito su larga scala, di un paesaggio urbano o di qualche altra vista. Questo genere di paesaggio è nato nelle Fiandre , dove artisti come Paul Bril dipingevano vedute già nel XVI secolo. Quando l'itinerario del Grand Tour divenne in qualche modo standardizzato, le vedute di scene familiari come il Foro Romano o il Canal Grande ricordarono le prime avventure nel continente per gli aristocratici inglesi. Alla fine del XIX secolo, le impressioni più personali dei paesaggi urbani hanno sostituito il desiderio di accuratezza topografica, che è stato soddisfatto invece dai panorami dipinti .

Guarda anche

Appunti

Ulteriori letture

  • Daniel, H. (1971). Enciclopedia di temi e soggetti in pittura; Mitologici, biblici, storici, letterari, allegorici e attuali . New York: Harry N. Abrams Inc.
  • W. Stanley Jr. Taft, James W. Mayer, La scienza dei dipinti , Prima edizione, Springer, 2000.