Pietro Lorenzetti - Pietro Lorenzetti

Dettagli di affreschi nella Basilica di San Francesco d'Assisi , 1310-1329.

Pietro Lorenzetti ( pronuncia italiana:  [pjɛːtro lorentsetti] ; . C  1280 - nel 1348) o Pietro Laurati è stato un pittore italiano, attivo tra c.1306 e 1345. Insieme al fratello più giovane Ambrogio , ha introdotto il naturalismo in arte senese . Nella loro arte e esperimenti con disposizioni tridimensionali e spaziali, i fratelli prefiguravano l'arte del Rinascimento .

Panoramica

Poco si sa della vita di Lorenzetti diverso da ciò che era (ipoteticamente) nato a Siena alla fine del 13 ° secolo (c.1280 / 90), vi morì (forse) nel 1348 una vittima della prima Morte Nera pandemia poi devastante l'Europa, e aveva un fratello minore, Ambrogio , anche lui artista. Che gli uomini fossero fratelli era sconosciuto al Vasari perché aveva interpretato male il cognome di Pietro su un dipinto nella chiesa di San Francesco a Pistoia come "Laurati". Così la parentela tra gli artisti è stata persa.

Pietro lavorò ad Assisi , Firenze , Pistoia , Cortona e Siena , anche se la cronologia precisa è sconosciuta. Il suo lavoro suggerisce l'influenza di Duccio (nel cui studio potrebbe aver lavorato, forse al fianco di Simone Martini ), Giotto e Giovanni Pisano .

Secondo Vasari, furono gli affreschi di Pietro che ornavano la facciata dell'Ospedale della Scala di Siena che per primi lo attirarono all'attenzione dei suoi contemporanei. Purtroppo gli affreschi – oggi ritenuti opera di entrambi i fratelli Lorenzetti – furono distrutti nel 1720 e successivamente imbiancati.

Molte delle sue opere religiose possono ancora essere viste in chiese e musei nelle città toscane di Arezzo , Assisi e Siena (ad esempio, la sua ultima opera documentata - la Natività della Vergine (c. 1335-1342) - è esposta nel Museo dell'Opera del Duomo ).

Sebbene l'integrazione di Lorenzetti tra cornice e architettura dipinta nella Natività della Vergine sia generalmente ritenuta unica, è evidente negli affreschi di Assisi alcuni decenni prima. Si può trarre una probabile conclusione che non leggesse il latino poiché esisteva la documentazione di un traduttore pagato in associazione con il suo lavoro su La nascita della Vergine.

Il suo capolavoro è una decorazione ad affresco della chiesa inferiore della Basilica di San Francesco d'Assisi , dove dipinse una serie di grandi scene raffiguranti la Crocifissione, la Deposizione dalla Croce e la Deposizione . Le figure ammassate in questi pezzi mostrano interazioni emotive, a differenza di molte rappresentazioni precedenti che sembrano essere agglomerati iconici, come se figure indipendenti fossero state incollate su una superficie, senza alcuna relazione avvincente l'una con l'altra. L'influenza narrativa degli affreschi di Giotto nelle Cappelle Bardi e Peruzzi in Santa Croce (Firenze) e nella Cappella Arena ( Padova ) è visibile in queste e altre opere della chiesa inferiore. I fratelli Lorenzetti e il loro contemporaneo concorrente fiorentino, Giotto, ma anche i suoi seguaci Bernardo Daddi e Maso di Banco , seminarono la rivoluzione pittorica italiana che estraeva figure dall'etere dorato dell'iconografia bizantina in mondi pittorici di città, terra e aria. L'iconografia senese, generalmente più mistica e fantastica di quella dei fiorentini più naturalistici, ricorda talvolta un moderno paesaggio surrealista .

Lavori

Polittico di Arezzo

Polittico aretino , 1320. Arezzo, Santa Maria della Pieve

La pala d'altare dorata a tre piani, il Polittico di Arezzo (o Aretine o Tarlati) , fu commissionata nel 1320 dal vescovo Guido Tarlati per la Santa Maria della Pieve ad Arezzo. Al centro c'è la Madonna (drappeggiata in una magnifica veste foderata di ermellino) e il bambino, affiancati da Giovanni Evangelista, Giovanni Battista, San Matteo e il santo patrono di Arezzo, Donato (martirizzato nel 361 d.C.). I colori ricchi, le linee aggraziate, i dettagli decorativi e le figure agili (suggestive dell'influenza di Martini ), conferiscono al pezzo "una vivacità rara nell'arte senese contemporanea".

Il polittico è la prima opera datata di Lorenzetti (c1320-4) e una delle sole quattro con documentazione verificabile, tra cui la Pala del Carmelo , la Madonna degli Uffizi e la Nascita della Vergine . “La datazione ha permesso agli studiosi di identificare con precisione una fase specifica dell'attività e dello stile del pittore”.

Basilica di San Francesco d'Assisi

Forse l'opera più ambiziosa di Lorenzetti è il ciclo di affreschi della Passione nel transetto sinistro della Chiesa Inferiore di San Francesco ad Assisi. Questi diciassette affreschi ben conservati - il culmine della sua prima carriera - mostrano "l'influenza della monumentalità di Giotto, l'impulso del Pisano, l'espressionismo del XIII secolo ... e gli insegnamenti di Duccio". Le condizioni per l'esecuzione degli affreschi sarebbero state difficili in quanto sarebbe disponibile pochissima luce naturale e la chiesa inferiore sarebbe quasi al buio.L'esatta linea temporale degli affreschi è in dubbio; alcuni studiosi ritenevano che il ciclo fosse dipinto in sezioni su diversi anni in quanto lo stile presentava alcune somiglianze con la Pala del Carmelo del Lorenzetti. Le ragioni sono molteplici, dalla pittura solo nella stagione secca alle sanguinose scaramucce nella zona dell'epoca. Le più recenti testimonianze tecniche e stilistiche presentate da Maginnis pongono forti argomenti che Il ciclo della passione di Lorenzetti fu completato in una campagna tra gli anni 1316 o 1317 e 1319.

Ritenuta una delle sue prime opere (iniziata già nel 1310) è la Madonna col Bambino tra San Francesco e Giovanni Battista , nella cappella di San Giovanni Battista. Secondo Maginnis la “più fine e completa realizzazione dell'ambizione di congiungere spazio reale e spazio dipinto fu lasciata a Pietro Lorenzetti, operante nel transetto sinistro. Lì, la sua famosa pala d'altare fittizia è, in realtà, molto di più”.

Il ciclo di affreschi di Lorenzetti inizia con L'ingresso in Gerusalemme , l' Ultima Cena , La lavanda dei piedi , La cattura di Cristo , La flagellazione e La via del Calvario .

Ultima Cena , Basilica di San Francesco d'Assisi
Crocifissione , Basilica di San Francesco d'Assisi

Queste prime scene furono dipinte partendo dalla sommità della volta e procedendo verso il basso per evitare che gocciolassero dall'alto su una scena appena dipinta.

L'Ultima Cena ha Cristo e i suoi discepoli seduti attorno a un tavolo goffamente angolato all'interno di una rotonda fulgida sotto un cielo notturno ornato di stelle cadenti e una falce di luna. A sinistra dei santi commensali c'è una cucina angusta e dentro c'è un uomo che lava i piatti, una donna alle sue spalle, un cane che lecca gli ultimi avanzi di un piatto e un gatto che dorme. In questa scena apparentemente banale, Lorenzetti sorprende con un'innovazione, poiché gli animali domestici e i piatti proiettano ombre definite ad angoli determinati dalla loro relazione con il fuoco.

La Crocifissione , il più grande e il più danneggiato degli affreschi, è considerato uno dei grandi dipinti del Lorenzetti.

Due scene sulla parete di fondo, la Deposizione dalla croce e la Deposizione nel sepolcro , mostrano i dolenti che depongono amorevolmente Cristo dalla croce e depongono, con movimenti lenti e misurati, il suo corpo senza vita nel sepolcro. Ciò dimostra l'abilità tecnica e la maturità di Lorenzetti, che ricorda l'uso di Giotto delle emozioni umane naturalistiche.

Deposizione di Cristo dalla Croce , Basilica di San Francesco d'Assisi
Stimmate di San Francesco , Basilica di San Francesco d'Assisi

Il suicidio di Giuda è dipinto sulla parete di fronte, all'angolo tra l'ingresso del transetto in cima alle scale, dove è dipinto come se apparisse parte dell'architettura del transetto. Questo è l'unico affresco con un'iscrizione (scariotas).

Davanti alla Crocifissione si trovano le Stimmate di San Francesco . La rappresentazione della vita di San Francesco appare nella navata della chiesa, suggerendo un parallelo tra la vita di Cristo e quella di San Francesco . Lorenzetti porta avanti l'idea mettendo San Francesco accanto alla Cattura di Cristo sostituendo l'Agonia del Giardino dalla storia originale della Passione con San Francesco.

Le scene superiori sulla stessa parete e le ultime due storie del ciclo della Passione, la Discesa di Cristo al Limbo e la Resurrezione sono a forma di corno in un piccolo spazio difficile. Le due scene rappresentano esempi di stili simili alle prime sei scene, in particolare il volto di Cristo.

Madonna dei Tramonti sotto la Crocifissione in cornice dipinta sono la Madonna col Bambino, San Giovanni Evangelista e San Francesco. Maria ha un gesto unico, alzando il pollice rivolto verso San Francesco, alzando la mano per accettare la sua chiamata.

Madonna con San Francesco e San Giovanni Evangelista , Basilica di San Francesco d'Assisi

L'ultima immagine degli affreschi di Assisi di Lozenzetti, i ritratti dei Santi Rufino, Caterina d'Alessandria , Chiara e Margherita, appaiono sopra una panchina con un'illusione artistica, che appare tridimensionale. L'estremità della panca proietta un'ombra seguendo la forma delle modanature dipinte. C'è solo una fonte di luce e l'ombra dipinta sembra provenire da quella fonte di luce.

Nascita della Vergine

Nascita della Vergine , 1342. Siena, Museo dell'Opera del Duomo

L'ultima opera importante di Lorenzetti (1342) fu una pala d'altare trittico, Nascita della Vergine , commissionata per il Duomo di Siena . Questa pittura a tempera su tavola, come molti dipinti senesi dell'epoca, celebra la vita della Vergine, patrona di Siena.

Nascita della Vergine è stato il terzo quadro di una serie a termine per il Duomo di Siena, a cominciare da Duccio 's Maestà e tra cui Simone Martini ' s Annunciazione . Duccio, Simone e Pietro erano tutti membri della scuola senese . La pala d'altare maggiore di Duccio, la Maesta , fu commissionata nel 1308. Timothy Hyman afferma che la Maesta era "parte del più ampio programma del Comune per promuovere e rafforzare l'identità civica di Siena". Il pannello centrale della Maesta onora la Vergine attraverso la raffigurazione della Vergine e Cristo in trono in maestà con angeli e santi . Come scrive Hyman, se uno spettatore confronta la Maesta di Duccio con la Nascita della Vergine di Pietro , si può "...riconoscere il mondo dei colori di Pietro come sorprendentemente diverso: denso, saturo, opaco, planare".

L' Annunciazione del Martini fu completata nel 1333 ed esposta accanto alla Maesta di Duccio . Ancora, la Vergine è glorificata nella pala d'altare del Martini, che raffigura l' Annunciazione , ovvero l'annuncio dell'angelo Gabriele alla Vergine Maria che diventerà la madre di Gesù. Come afferma Hyman confrontando la Maesta di Duccio con l' Annunciazione di Simone , "la figura ammantata di blu di Simone che si staglia contro l'oro era sia un'eco che una rottura; l'icona immobile trasformata in narrativa, la divinità ieratica travolta in azione drammatica".

Mentre dietro lo schermo del coro erano esposte la Maesta di Duccio e l' Annunciazione di Simone, nella parte centrale del Duomo di Siena era esposta la Nascita della Vergine di Pietro . In contrasto con la rappresentazione regale della Vergine di Duccio nella Maesta e l' Annunciazione di Simone con una scena che appare soprannaturale, la Nascita della Vergine è notevole per la rappresentazione della Vergine di Pietro in un ambiente corporeo. In questa scena, viene versato un bagno per la Vergine, le levatrici assistono St. Anne che si sdraia su un letto coperto di plaid e un padre in dolce attesa attende la notizia della nascita. Le figure sono modellate e solide. Sebbene le persone sante siano significate con corone di luce, appaiono altrimenti terrestri. Se non fosse per le loro corone di luce e per il corpo innaturalmente grande di Sant'Anna, questo dipinto potrebbe essere interpretato come un dipinto di genere che raffigura la vita quotidiana della gente comune. Se si confronta questa intima scena domestica adorna di tessuti riccamente colorati con le basi dorate che creano un effetto ultraterreno nell'Annunciazione di Simone , si nota subito che Pietro ha creato una Vergine più accessibile. Una piccola tavola della Abegg-Stiftung, Riggisberg, attribuita a Pietro o ad Ambrogio Lorenzetti, raffigura similmente la Sacra Famiglia in un ambiente domestico con Maria intenta a ricamare o a lavorare a maglia, Gesù Bambino aggrappato a lei e Giuseppe accanto a loro e una coperta a quadri su un letto nella camera laterale sinistra.

Forse una delle qualità più straordinarie della Nascita della Vergine è l'uso che Pietro fa dell'illusione spaziale. È probabile che Pietro sia stato influenzato dall'opera di suo fratello, Ambrogio Lorenzetti . Come afferma Keith Christiansen, "... l'impulso chiave ai suoi esperimenti con la proiezione spaziale centralizzata è stata senza dubbio la sua collaborazione con Ambrogio, con il quale ha condiviso i materiali del laboratorio". Pietro crea un mondo architettonico senza soluzione di continuità con l'integrazione della cornice e del piano dell'immagine. Le colonne verticali e il giroletto che corrono paralleli al piano del quadro creano una composizione planare. Inoltre, la resa dei soffitti a volta di Pietro aggiunge dimensione alle stanze e racchiude questa scena intima. La profondità è ulteriormente generata nel pannello sinistro del trittico, mentre lo spettatore scruta fuori dalla sala d'attesa per vedere un edificio vicino. Come afferma Hyman, "[ Nascita della Vergine ] si legge sia come un trittico... sia come uno spazio profondo e unificato, lo spazio interno più convincente dell'intero XIV secolo". L'uso innovativo dell'illusione spaziale da parte di Pietro nella Nascita della Vergine consolida il suo posto tra i grandi maestri dell'arte senese del Trecento come Duccio di Buonisegna, Ambrogio Lorenzetti e Simone Martini.

La Pala del Carmelo

La pala d'altare carmelitana era un polittico commissionato nel 1329 per i frati dell'ordine carmelitano . Consisteva in un pannello centrale raffigurante la Madonna col Bambino tra San Nicola ed Elia. I pannelli laterali mostravano Sant'Agnese, Giovanni Battista, Caterina ed Eliseo . La predella sottostante comprendeva cinque dipinti narrativi. Invece di prendere il soggetto dalla Bibbia, questi cinque dipinti mostrano eventi della storia dell'Ordine Carmelitano. Colpisce nel disegno complessivo l'ampio pannello centrale della predella, che ha permesso al pittore di raffigurare in modo particolarmente dettagliato la consegna del governo carmelitano all'inizio del XIII secolo. Il significato di Elia nella pala d'altare carmelitano è che Elia era ritenuto il fondatore dell'ordine carmelitano. Per i frati carmelitani Elia è il santo più significativo oltre alla Vergine. L'illusione di forme tridimensionali della pala d'altare carmelitana segna una nuova fase nello stile del Lorenzetti.

La pala d'altare carmelitana fu venduta nel 1818 e successivamente perduta. Fu ritrovato quando la Madonna di Asano fu riportata al suo stato originale, rivelando al di sotto la pala d'altare carmelitana del Lorenzetti. Due indizi per i restauratori che la Madonna Asano fosse in realtà la pala d'altare carmelitana erano la scoperta di Sant'Elia nascosto sotto una successiva rappresentazione di Sant'Antonio per l'ordine Asano e i colori carmelitani dei costumi indossati dalle figure dipinte. La tavola è firmata e datata sul gradino del trono: PETRUS LAURENTII ME PINXIT ANNO DOMINI MCCCXXVIII.

La Madonna di Castiglione d'Orcia

La Madonna di Castiglione d'Orcia fu dipinta prima del 1300 ed è come tale la prima opera esistente del Lorenzetti. In esso, le figure sono sobrie, l'umore riflettente. L'abito del Bambino è contemporaneo ed elegante; la Vergine indossa un mantello azzurro intenso sormontato da una fascia bizantina striata d'oro.

Molto del pezzo è tradizionale: la testa della Vergine siede lungo l'asse verticale che attraversa il suo occhio destro, fissando a sua volta lo spettatore (la stessa disposizione si trova nella Madonna Rucellai di Duccio ), le inclinazioni dei volti della Vergine e del Bambino (il Bambino guarda fino a sua madre la cui testa si inclina verso il figlio ma i cui occhi rimangono fermamente fissi verso lo spettatore) riecheggiano le precedenti rappresentazioni della Vergine con il Bambino di Duccio come la Madonna col Bambino di Stoclet .

Eppure c'è qualcosa di nuovo nella Madonna di Lorenzetti , perché ha un realismo largamente assente in Duccio. Qui il corpo della Vergine risponde 'realisticamente' al peso del bambino. Nelle precedenti raffigurazioni della Vergine con il bambino di Duccio la fisicità della Vergine rimane influenzata dalle influenze realistiche del peso e della composizione. Il tipo di presa sicura che Lorenzetti dipinge in questo dipinto non ha precedenti in un dipinto, ma potrebbe essere stato trovato in precedenti sculture di Madonna col Bambino.

Galleria

Riferimenti e fonti

Riferimenti
Fonti

Giorgio Vasari include una biografia di Lorenzetti nelle sue Vite .

link esterno