Hollywood pre-codice - Pre-Code Hollywood

In questa foto pubblicitaria del 1931, Dorothy Mackaill interpreta una segretaria diventata prostituta in Safe in Hell , un film della Warner Bros. pre-Code .
I film pre-codice come The Public Enemy (1931) erano in grado di presentare protagonisti criminali e antieroi .
42nd Street (1933) ha fatto concessioni al Codice Hays nel suo dialogo, ma presentava ancora immagini sessualizzate.

Pre-Code Hollywood è stata la breve era nell'industria cinematografica americana tra l'adozione diffusa del suono nelle immagini nel 1929 e l'applicazione delle linee guida sulla censura del Motion Picture Production Code , popolarmente conosciute come "Codice Hays", a metà del 1934. Sebbene il Codice sia stato adottato nel 1930, la supervisione è stata scarsa e non è stato applicato rigorosamente fino al 1 luglio 1934, con l'istituzione della Production Code Administration (PCA). Prima di quella data, il contenuto del film era limitato più dalle leggi locali, dalle negoziazioni tra lo Studio Relations Committee (SRC) e dai principali studios, e dall'opinione popolare, che dalla stretta aderenza al Codice Hays, che è stato spesso ignorato dai registi di Hollywood.

Di conseguenza, alcuni film alla fine degli anni '20 e all'inizio degli anni '30 rappresentavano o implicavano allusioni sessuali , relazioni romantiche e sessuali tra bianchi e neri , blasfemia , uso illegale di droghe , promiscuità , prostituzione , infedeltà , aborto , violenza intensa e omosessualità . Personaggi nefasti sono stati visti trarre profitto dalle loro azioni, in alcuni casi senza ripercussioni significative. Ad esempio, i gangster in film come The Public Enemy , Little Caesar e Scarface sono stati visti da molti come eroici piuttosto che malvagi. Personaggi femminili forti erano onnipresenti in film pre-Codice come Female , Baby Face e Red-Headed Woman . Oltre a presentare personaggi femminili più forti, i film hanno esaminato argomenti femminili che non sarebbero stati rivisitati fino a decenni dopo nei film statunitensi. Molte delle più grandi star di Hollywood come Clark Gable , Bette Davis , Barbara Stanwyck , Joan Blondell e Edward G. Robinson hanno iniziato l'era. Altre star che eccellevano in questo periodo, tuttavia, come Ruth Chatterton (che si trasferì in Inghilterra) e Warren William (il cosiddetto "re del pre-codice", morto nel 1948), sarebbero finite sostanzialmente dimenticate dal grande pubblico. entro una generazione.

A partire dalla fine del 1933 e con un'escalation per tutta la prima metà del 1934, i cattolici americani lanciarono una campagna contro quella che consideravano l'immoralità del cinema americano. Questo, oltre a una potenziale acquisizione da parte del governo della censura cinematografica e alla ricerca sociale che sembra indicare che i film considerati immorali potrebbero promuovere un cattivo comportamento, è stata una pressione sufficiente per costringere gli studios a capitolare a una maggiore supervisione.

Origini del Codice (1915-1930)

Will H. Hays fu reclutato dagli studios nel 1922 per aiutare a ripulire la loro immagine di "Sin City" dopo una serie di scandali, in particolare il processo per omicidio colposo di Roscoe "Fatty" Arbuckle .

Primi tentativi per il Codice

Nel 1922, dopo alcuni film osé e una serie di scandali fuori campo che coinvolgevano le star di Hollywood, gli studios arruolarono l' anziano presbiteriano William H. "Will" Hays per riabilitare l'immagine di Hollywood. Hays, in seguito soprannominato il film "Czar", è stato pagato l'allora lauta somma di $ 100.000 all'anno (equivalenti a più di $ 1,4 milioni nel 2015 dollari). Hays, Postmaster General sotto Warren G. Harding ed ex capo del Republican National Committee , ha servito per 25 anni come presidente del Motion Picture Producers and Distributors of America (MPPDA), dove "ha difeso l'industria dagli attacchi, ha recitato le stronzate rilassanti , e negoziato trattati per cessare le ostilità." Hollywood ha imitato la decisione che la Major League Baseball aveva preso nell'assumere il giudice Kenesaw Mountain Landis come Commissario della Lega l'anno precedente per sedare le domande sull'integrità del baseball sulla scia dello scandalo del gioco d'azzardo delle World Series del 1919 ; Il New York Times ha definito Hays lo "schermo Landis".

Hays introdusse una serie di raccomandazioni soprannominate "La Formula" nel 1924, che gli studios furono invitati a seguire, e chiese ai registi di descrivere al suo ufficio le trame dei film che stavano progettando. La Corte Suprema aveva già deciso all'unanimità nel 1915 nella Mutual Film Corporation contro la Commissione Industriale dell'Ohio che la libertà di parola non si estendeva ai film, e anche se in precedenza c'erano stati tentativi simbolici di ripulire i film, come quando gli studios hanno formato la National Association of the Motion Picture Industry (NAMPI) nel 1916, poco era venuto dagli sforzi.

Creazione del Codice e dei suoi contenuti

Nel 1929, il laico cattolico romano Martin Quigley , editore del famoso giornale di settore Motion Picture Herald , e padre Daniel A. Lord , un sacerdote gesuita , crearono un codice di standard (di cui Hays approvò fermamente) e lo presentarono agli studi. Le preoccupazioni di Lord erano incentrate sugli effetti che il film sonoro aveva sui bambini, che considerava particolarmente suscettibili al fascino del mezzo. Diversi capi di studio, tra cui Irving Thalberg di Metro-Goldwyn-Mayer (MGM), incontrarono Lord e Quigley nel febbraio 1930. Dopo alcune revisioni, accettarono le clausole del Codice. Uno dei principali fattori motivanti nell'adozione del Codice è stato quello di evitare l'intervento diretto del governo. Era responsabilità dello Studio Relations Committee, guidato dal colonnello Jason S. Joy, supervisionare la produzione cinematografica e consigliare gli studios quando erano necessari cambiamenti o tagli.

Il Codice era diviso in due parti. Il primo era un insieme di "principi generali" che riguardavano principalmente la moralità. Il secondo era un insieme di "applicazioni particolari", un elenco rigoroso di elementi che non potevano essere rappresentati. Alcune restrizioni, come il divieto dell'omosessualità o l'uso di specifiche parolacce, non sono mai state menzionate direttamente, ma si presumeva che fossero comprese senza una chiara demarcazione. Il meticciato, il mescolamento delle razze, era vietato. Il Codice affermava che la nozione di "politica per soli adulti" sarebbe stata una strategia dubbia e inefficace che sarebbe difficile da applicare. Tuttavia, ha permesso che "le menti più mature possano facilmente comprendere e accettare senza danno l'argomento nelle trame che danneggiano positivamente i più giovani". Se i bambini erano supervisionati e gli eventi implicavano una forma ellittica, il codice consentiva quello che lo storico culturale della Brandeis University Thomas Doherty ha definito "la possibilità di un crimine mentale ispirato al cinema ".

Questa foto promozionale del 1932 di Joan Blondell fu successivamente vietata, ai sensi dell'allora inapplicabile Motion Picture Production Code .

Il Codice cercava non solo di determinare cosa poteva essere rappresentato sullo schermo, ma anche di promuovere i valori tradizionali. I rapporti sessuali al di fuori del matrimonio non possono essere descritti come attraenti e belli, presentati in un modo che possa suscitare passione o essere fatti sembrare giusti e leciti. Tutte le azioni criminali dovevano essere punite e né il crimine né il criminale potevano suscitare la simpatia del pubblico. Le figure di autorità dovevano essere trattate con rispetto e il clero non poteva essere ritratto come personaggi comici o cattivi. In alcune circostanze, politici, agenti di polizia e giudici potevano essere cattivi, purché fosse chiaro che erano l'eccezione alla regola.

L'intero documento conteneva sfumature cattoliche e affermava che l'arte deve essere maneggiata con attenzione perché potrebbe essere "moralmente malvagia nei suoi effetti" e perché il suo "profondo significato morale" era indiscutibile. L'influenza cattolica sul Codice fu inizialmente tenuta segreta, a causa del pregiudizio anticattolico dell'epoca. Un tema ricorrente era "in tutto, il pubblico si sente sicuro che il male è sbagliato e il bene è giusto". Il Codice conteneva un addendum, comunemente denominato Codice della pubblicità, che regolava la copia e le immagini pubblicitarie dei film.

Rinforzo

Il 19 febbraio 1930, Variety pubblicò l'intero contenuto del Codice e predisse che le commissioni statali per la censura cinematografica sarebbero presto diventate obsolete. Tuttavia, gli uomini obbligati a far rispettare il codice - Jason Joy, che era il capo del Comitato fino al 1932, e il suo successore, il dottor James Wingate - erano considerati generalmente inefficaci. Il primissimo film recensito dall'ufficio, The Blue Angel , che è stato approvato da Joy senza alcuna revisione, è stato considerato indecente da un censore californiano. Sebbene ci siano stati diversi casi in cui Joy ha negoziato tagli dai film, e c'erano effettivamente vincoli definiti, anche se allentati, una quantità significativa di materiale schifoso è arrivata sullo schermo.

Joy doveva recensire 500 film all'anno usando un piccolo staff e poco potere. L'ufficio di Hays non aveva l'autorità per ordinare agli studios di rimuovere materiale da un film nel 1930, ma lavorava invece ragionando e talvolta supplicandoli. A complicare le cose, il processo di appello alla fine ha messo la responsabilità di prendere la decisione finale nelle mani degli studi stessi.

Un fattore nell'ignorare il Codice è stato il fatto che alcuni hanno trovato tale censura pudica. Questo è stato un periodo in cui l' era vittoriana è stata a volte ridicolizzata come ingenua e arretrata. Quando il Codice fu annunciato, The Nation , un periodico liberale, lo attaccò. La pubblicazione affermava che se il crimine non fosse mai stato presentato in una luce simpatica, allora, presi alla lettera, "legge" e "giustizia" sarebbero diventati la stessa cosa. Pertanto, eventi come il Boston Tea Party non potevano essere rappresentati. E se il clero dovesse essere sempre presentato positivamente, allora nemmeno l'ipocrisia potrebbe essere esaminata. L' Outlook ha concordato e, a differenza di Variety , ha previsto fin dall'inizio che il Codice sarebbe stato difficile da applicare.

Clara Bow alza la gonna sulla locandina del film del 1929 The Saturday Night Kid . Alzare la gonna era una delle tante attività suggestive che Hays detestava.

Inoltre, la Grande Depressione degli anni '30 ha motivato gli studios a produrre film con contenuti audaci e violenti, che hanno aumentato le vendite dei biglietti. Ben presto, la violazione del codice divenne un segreto di Pulcinella. Nel 1931, The Hollywood Reporter prese in giro il codice e Variety seguì l'esempio nel 1933. Nello stesso anno dell'articolo di Variety , un noto sceneggiatore dichiarò che "il codice morale di Hays non è più nemmeno uno scherzo; è solo un ricordo".

Prima era del film sonoro

Nils Asther bacia il piede della quindicenne Loretta Young in una scena di Laugh, Clown, Laugh (1928). Una scena silenziosa pre-codice prima dell'introduzione del codice 1930.

Sebbene la liberalizzazione della sessualità nel cinema americano sia aumentata durante gli anni '20, l'era pre-Codice è datata all'inizio dell'era del cinema sonoro, o più in generale al marzo 1930, quando fu scritto per la prima volta il Codice Hays. Nonostante le proteste di NAMPI, New York divenne il primo stato ad approfittare della decisione della Corte Suprema in Mutual Film vs. Ohio istituendo un consiglio di censura nel 1921. La Virginia seguì l'esempio l'anno successivo e otto singoli stati ebbero un consiglio dal avvento del cinema sonoro.

Molte di queste schede erano inefficaci. Negli anni '20, il palcoscenico di New York, una fonte frequente di materiale cinematografico successivo, aveva spettacoli in topless; le esibizioni erano piene di parolacce, argomenti maturi e dialoghi sessualmente allusivi. All'inizio del processo di conversione del sistema audio, divenne evidente che ciò che poteva essere accettabile a New York non lo sarebbe stato in Kansas. Nel 1927, Hays suggerì ai dirigenti dello studio di formare un comitato per discutere la censura cinematografica. Irving Thalberg di Metro Goldwyn Mayer (MGM), Sol Wurtzel di Fox e EH Allen di Paramount hanno risposto collaborando a un elenco chiamato "Da non fare e prestare attenzione ", sulla base di elementi contestati dalle commissioni di censura locali, e che consisteva in undici argomenti che era meglio evitare e ventisei da trattare con molta attenzione. La Federal Trade Commission (FTC) ha approvato l'elenco e Hays ha creato lo Studio Relations Committee (SRC) per sovrintendere alla sua attuazione. Tuttavia, non c'era ancora modo di far rispettare questi principi. La controversia sugli standard cinematografici giunse al culmine nel 1929.

Il regista Cecil B. DeMille è stato responsabile della crescente discussione sul sesso nel cinema negli anni '20. A partire da Maschio e femmina (1919), ha realizzato una serie di film che hanno esaminato il sesso e hanno avuto un grande successo. I film con l'originale " It girl " di Clara Bow di Hollywood come The Saturday Night Kid (uscito quattro giorni prima del crollo del mercato del 29 ottobre 1929) hanno evidenziato l'attrattiva sessuale di Bow. Star degli anni '20 come Bow, Gloria Swanson e Norma Talmadge hanno mostrato liberamente la loro sessualità in modo diretto.

Hollywood durante la Grande Depressione

La Grande Depressione ha rappresentato un momento unico per il cinema negli Stati Uniti. Il disastro economico provocato dal crollo del mercato azionario del 1929 ha cambiato i valori e le credenze americane in vari modi. I temi dell'eccezionalismo americano e i concetti tradizionali di realizzazione personale, fiducia in se stessi e superamento delle probabilità hanno perso grande importanza. A causa delle continue e vuote rassicurazioni economiche da parte dei politici nei primi anni della Depressione, il pubblico americano sviluppò un atteggiamento sempre più stanco.

Uomini disoccupati nel 1931. La Depressione influenzò profondamente la Hollywood pre-Codice sia finanziariamente che artisticamente.

Il cinismo, la sfida alle credenze tradizionali e le controversie politiche dei film di Hollywood durante questo periodo rispecchiavano gli atteggiamenti di molti dei loro mecenati. Anche lo stile di vita spensierato e avventuroso degli anni '20 era scomparso. "Dopo due anni l'era del jazz sembra lontana come i giorni prima della guerra", commentava F. Scott Fitzgerald nel 1931. Nel senso osservato da Fitzgerald, comprendere il clima morale dei primi anni Trenta è complesso. Sebbene i film abbiano sperimentato un livello di libertà senza precedenti e abbiano osato ritrarre cose che sarebbero state tenute nascoste per diversi decenni, molti in America hanno considerato il crollo del mercato azionario come un prodotto degli eccessi del decennio precedente. Ripensando agli anni '20, gli eventi venivano sempre più visti come avvenuti prima del crollo del mercato. In Dance, Fools, Dance (1931), le scene di festa luride con flapper degli anni '20 sono riprodotte in modo eccessivo. Joan Crawford alla fine si riforma e viene salvata; meno fortunato è William Bakewell , che continua sulla strada incurante che porta alla sua ultima autodistruzione.

Per Rain or Shine (1930), Milton Ager e Jack Yellen hanno composto " Happy Days Are Here Again ". La canzone è stata ripetuta sarcasticamente dai personaggi di diversi film come Under Eighteen (1931) e 20.000 Years in Sing Sing (1933). Meno comica era l'immagine del futuro degli Stati Uniti presentata in Heroes for Sale quello stesso anno (1933), in cui un vagabondo guarda in una notte deprimente e proclama: "È la fine dell'America".

Heroes for Sale è stato diretto dal prolifico regista pre-Code William Wellman e ha visto la star del cinema muto Richard Barthelmess nei panni di un veterano della prima guerra mondiale gettato per le strade con una dipendenza dalla morfina dalla sua degenza in ospedale. In Wild Boys of the Road (1933), il giovane interpretato da Frankie Darrow guida un gruppo di giovani vagabondi espropriati che spesso litigano con la polizia. Tali bande erano comuni; circa 250.000 giovani hanno viaggiato per il paese saltando sui treni o facendo l'autostop in cerca di condizioni economiche migliori nei primi anni '30.

Una folla si raduna intorno all'American Union Bank di New York City durante una corsa agli sportelli all'inizio della Grande Depressione. La mentalità mafiosa mostrata nelle corse agli sportelli è stata ritratta in film come American Madness (1932), dove Frank Capra ha descritto "la linea sottile tra la fiducia degli investitori e il panico nell'America di Hoover".

A complicare le cose per gli studios, l'avvento del cinema sonoro nel 1927 richiese un immenso dispendio in teatri di posa, cabine di registrazione, telecamere e sistemi audio cinematografici, per non parlare delle nuove complicazioni artistiche di produrre in un mezzo radicalmente alterato. Gli studios erano in una posizione finanziaria difficile anche prima del crollo del mercato poiché il processo di conversione del suono e alcuni acquisti rischiosi di catene di teatri avevano spinto le loro finanze vicino al punto di rottura. Queste circostanze economiche hanno portato a una perdita di quasi la metà delle presenze settimanali e alla chiusura di quasi un terzo dei teatri del paese nei primi anni della depressione. Anche così, 60 milioni di americani sono andati al cinema ogni settimana.

A parte le realtà economiche della conversione al suono, c'erano le considerazioni artistiche. I primi film sonori erano spesso noti per essere troppo prolissi. Nel 1930, Carl Laemmle ha criticato le battute da parete a parete delle immagini sonore, e il regista Ernst Lubitsch si è chiesto a cosa fosse destinata la telecamera se i personaggi avrebbero narrato tutta l'azione sullo schermo. L'industria cinematografica ha anche resistito alla concorrenza della radio di casa e spesso i personaggi dei film hanno fatto di tutto per sminuire il mezzo. L'industria cinematografica non disdegnava tuttavia di utilizzare il nuovo mezzo per trasmettere spot pubblicitari per i suoi progetti, e occasionalmente trasformava le star della radio in interpreti di cortometraggi per sfruttare il loro seguito incorporato.

Ribollente sotto la superficie della vita americana durante la Depressione era la paura della folla inferocita, ritratta in preda all'isteria in preda al panico in film come Gabriel Over the White House (1933), The Mayor of Hell (1933) e American Madness (1932). Enormi campi ampi di orde inferocite, che a volte comprendono centinaia di uomini, entrano in azione con un'uniformità spaventosamente efficiente. Gruppi di uomini agitati che stavano in fila per il pane, bighellonavano nei campi di vagabondi o marciavano per le strade in segno di protesta divennero uno spettacolo prevalente durante la Grande Depressione. Le proteste dell'Esercito Bonus dei veterani della prima guerra mondiale nella capitale Washington, DC, su cui Hoover ha scatenato una brutale repressione, hanno spinto molte delle rappresentazioni di Hollywood. Sebbene le questioni sociali siano state esaminate più direttamente nell'era pre-Codice, Hollywood ha ancora ampiamente ignorato la Grande Depressione, poiché molti film hanno cercato di alleviare le ansie dei clienti piuttosto che incitarli.

Hays ha osservato nel 1932:

La funzione delle immagini in movimento è INTRATTENERE. ... Questo dobbiamo tenerlo sempre davanti a noi e dobbiamo renderci conto costantemente della fatalità di permettere che la nostra preoccupazione per i valori sociali ci conduca nel regno della propaganda ... il film americano ... non ha alcun obbligo civico più grande rispetto alla presentazione onesta dell'intrattenimento pulito e sostiene che nel fornire intrattenimento efficace, privo di propaganda, serviamo uno scopo alto e autosufficiente.

Film sui problemi sociali

Hays e altri, come Samuel Goldwyn , ritenevano ovviamente che i film presentassero una forma di evasione dalla realtà che aveva un effetto palliativo sugli spettatori americani. Goldwyn aveva coniato il famoso detto "Se vuoi inviare un messaggio, chiama Western Union " nell'era pre-Codice. Tuttavia, l'MPPDA ha preso la posizione opposta quando è stato interrogato su alcuni cosiddetti film "messaggio" davanti al Congresso nel 1932, sostenendo che il desiderio di realismo del pubblico ha portato a certe sgradevoli questioni sociali, legali e politiche rappresentate nel film.

Warren William , descritto da Mick LaSalle come "una delle gioie singolari dell'era pre-codice", interpretava i cattivi industriali e altri personaggi malavitosi.

La durata dei filmati pre-Codice era di solito relativamente breve, ma quel tempo di esecuzione spesso richiedeva materiale più ristretto e non influiva sull'impatto dei filmati dei messaggi. Employees' Entrance (1933) ha ricevuto la seguente recensione da Jonathan Rosenbaum : "Come attacco al capitalismo spietato, va molto oltre gli sforzi più recenti come Wall Street , ed è incredibile quanto trama e personaggio siano con grazia calzati in 75 minuti ." Il film presentava la megastar pre-Codice Warren William (in seguito soprannominato "il re di Pre-Codice"), "al suo peggio magnetico", nel ruolo di un direttore di grande magazzino particolarmente vile e senza cuore che, per esempio, interrompe il lavoro di due dipendenti di sesso maschile in piedi, uno dei quali si suicida di conseguenza. Minaccia anche di licenziare il personaggio di Loretta Young , che finge di essere single per rimanere occupata, a meno che non vada a letto con lui, quindi tenta di rovinare suo marito dopo aver appreso che è sposata.

I film che affermavano una posizione su un problema sociale venivano solitamente etichettati come "film di propaganda" o "filati di predicazione". In contrasto con la posizione definitivamente repubblicana di Goldwyn e MGM sui film a tema sociale, la Warner Brothers, guidata dal sostenitore del New Deal Jack L. Warner , era il produttore più importante di questo tipo di immagini e preferiva che fossero chiamate "storie di americanismo". Lo storico pre-codice Thomas Doherty ha scritto che due elementi ricorrenti hanno segnato i cosiddetti filoni della predicazione. "Il primo è la prefazione a discarico; il secondo è il preludio dell'era del jazz ." La prefazione era essenzialmente una versione ammorbidita di un disclaimer che intendeva calmare chiunque nel pubblico non fosse d'accordo con il messaggio del film. Il preludio dell'era del jazz fu usato quasi singolarmente per gettare vergogna sul comportamento chiassoso degli anni '20.

Cabin in the Cotton (1932) è un film-messaggio della Warner Bros. sui mali del capitalismo. Il film si svolge in uno stato del sud non specificato, dove ai lavoratori viene dato a malapena il necessario per sopravvivere e vengono sfruttati per pagare tassi di interesse esorbitanti e prezzi elevati da proprietari terrieri senza scrupoli. Il film è decisamente anticapitalista; tuttavia, la sua prefazione afferma diversamente:

In molte parti del Sud oggi esiste una disputa senza fine tra i ricchi proprietari terrieri, detti piantatori, ei poveri raccoglitori di cotone, detti "peckerwoods". Le fioriere forniscono agli inquilini le semplici esigenze della vita quotidiana e; in cambio, gli inquilini lavorano la terra anno dopo anno. Si potrebbero scrivere cento volumi sui diritti e sui torti di entrambe le parti, ma non è obiettivo dei produttori di Cabin in the Cotton schierarsi. Ci interessa solo lo sforzo di immaginare queste condizioni.

Alla fine, tuttavia, i piantatori ammettono il loro errore e accettano una distribuzione più equa del capitale.

Una famosa scena di It Happened One Night , in cui Claudette Colbert fa l' autostop usando un metodo non ortodosso per attirare un passaggio, dopo che Clark Gable non è riuscito a ottenerne uno con il pollice.

L'avaro uomo d'affari è rimasto un personaggio ricorrente nel cinema pre-Codice. In The Match King (1932), Warren William ha interpretato un industriale basato sul vero imprenditore svedese Ivar Kreuger , lui stesso soprannominato il "Match King", che tenta di conquistare il mercato globale delle partite. Il vile personaggio di William, Paul Kroll, commette rapine, frodi e omicidi mentre si trasforma da bidello a capitano d'industria. Quando il mercato crolla nel crollo del 1929, Kroll è rovinato e si suicida per evitare la prigione. William ha interpretato un altro uomo d'affari senza scrupoli in Skyscraper Souls (1932): David Dwight, un ricco banchiere che possiede un edificio che porta il suo nome che è più grande dell'Empire State Building . Inganna tutti quelli che conosce portandoli alla povertà per appropriarsi della ricchezza altrui. Alla fine viene ucciso dalla sua segretaria ( Verree Teasdale ), che poi conclude il film e la sua stessa vita camminando giù dal tetto del grattacielo.

La sfiducia e l'avversione degli americani nei confronti degli avvocati erano un argomento frequente di dissezione nei film sui problemi sociali come Lawyer Man (1933), State's Attorney e The Mouthpiece (1932). In film come Paid (1930), il sistema legale trasforma personaggi innocenti in criminali. La vita del personaggio di Joan Crawford è rovinata e il suo interesse romantico viene messo a frutto in modo che possa vivere libera, sebbene sia innocente del crimine per il quale il procuratore distrettuale vuole condannarla. L'ipocrisia religiosa è stata affrontata in film come La donna dei miracoli (1931), con Barbara Stanwyck e diretto da Frank Capra . Stanwyck ha anche interpretato un'infermiera e un'eroina inizialmente riluttante che riesce a salvare, con mezzi non ortodossi, due bambini piccoli in pericolo da personaggi nefasti (tra cui Clark Gable come autista malevolo) in Night Nurse (1931).

Molti film pre-Codice hanno affrontato le realtà economiche di un paese che lotta per trovare il suo prossimo pasto. In Venere bionda (1932), il personaggio di Marlene Dietrich ricorre alla prostituzione per nutrire suo figlio, e il personaggio di Claudette Colbert in Accadde una notte (1934) ottiene la sua punizione per aver gettato un vassoio di cibo sul pavimento ritrovandosi in seguito senza cibo o risorse finanziarie. Il personaggio di Joan Blondell in Big City Blues (1932) riflette che, come ragazza del coro , riceveva regolarmente diamanti e perle in dono, ma ora deve accontentarsi di un panino con carne in scatola. In Union Depot (1932), Douglas Fairbanks Jr. mette un pasto delizioso come primo ordine del giorno del suo itinerario dopo essere entrato in possesso di denaro.

Comunicati politici Political

Nel film pre-Codice Gabriel Over the White House (1933), un presidente degli Stati Uniti si fa dittatore - parte di ciò che i giornali commerciali degli anni '30 hanno soprannominato la "mania del dittatore".

Date le circostanze sociali, i film sui problemi sociali di orientamento politico ridicolizzavano i politici e li dipingevano come incompetenti imbroglioni, canaglie e bugiardi. In The Dark Horse (1932), Warren William viene nuovamente arruolato, questa volta per far eleggere un imbecille, che è accidentalmente in corsa per la carica di Governatore. Il candidato vince le elezioni nonostante le sue incessanti, imbarazzanti disavventure. Washington Merry-Go-Round ha rappresentato lo stato di un sistema politico bloccato in posizione neutrale. La Columbia Pictures ha preso in considerazione l'idea di rilasciare il film con una scena dell'esecuzione pubblica di un politico come momento culminante prima di decidere di tagliarlo.

Cecil B. DeMille pubblicò This Day and Age nel 1933, ed è in netto contrasto con gli altri suoi film del periodo. Girato poco dopo che DeMille aveva completato un tour di cinque mesi in Unione Sovietica , This Day and Age si svolge in America e presenta diversi bambini che torturano un gangster che è riuscito a farla franca con l'omicidio di un famoso negoziante locale. I giovani vengono visti calare il gangster in una vasca di topi quando arriva la polizia, e la loro risposta è incoraggiare i giovani a continuare così. Il film si conclude con i giovani che portano il gangster da un giudice locale e costringono il magistrato a condurre un processo in cui l'esito non è mai in dubbio.

La necessità di leader forti che possano prendere il comando e guidare l'America fuori dalla sua crisi è vista in Gabriel Over the White House (1933), su un dittatore benevolo che prende il controllo degli Stati Uniti. Walter Huston interpreta un presidente debole e inefficace (probabilmente sul modello di Hoover) che è abitato dall'arcangelo Gabriele dopo essere stato svenuto. Il comportamento dello spirito è simile a quello di Abraham Lincoln . Il presidente risolve la crisi di disoccupazione della nazione e giustizia un criminale tipo Al Capone che ha continuamente violato la legge.

I dittatori non erano solo glorificati nella finzione. Mussolini Speaks (1933) della Columbia era un inno di 76 minuti al leader fascista , narrato dal commentatore radiofonico della NBC Lowell Thomas . Dopo aver mostrato alcuni dei progressi compiuti dall'Italia durante i 10 anni di regno di Mussolini , Thomas afferma: "Questo è un momento in cui un dittatore torna utile!" Il film è stato visto da oltre 175.000 persone giubilanti durante le sue prime due settimane al cavernoso Palace Theatre di Albany, New York .

L'elezione di Franklin Delano Roosevelt (FDR) nel 1932 placò l'affetto pubblico per i dittatori. Poiché il paese è diventato sempre più affascinato da FDR, che è apparso in innumerevoli cinegiornali , ha mostrato meno desiderio di forme di governo alternative. Molti film di Hollywood riflettevano questo nuovo ottimismo. Heroes for Sale , nonostante sia un film tremendamente cupo ea tratti antiamericano, si chiude con una nota positiva poiché il New Deal appare come un segno di ottimismo. Quando Wild Boys of the Road (1933), diretto da William Wellman , giunge alla sua conclusione, un delinquente giovanile espropriato è in tribunale in attesa di una condanna al carcere. Tuttavia il giudice lascia andare il ragazzo, rivelandogli il simbolo del New Deal dietro la sua scrivania, e gli dice "[t]hings andrà meglio qui ora, non solo qui a New York, ma in tutto il paese ." Una vittima al botteghino di questa speranza è stato Gabriel Over the White House , che è entrato in produzione durante il malessere dell'era Hoover e ha cercato di capitalizzare su di esso. Quando il film è uscito il 31 marzo 1933, l'elezione di FDR aveva prodotto un livello di speranza in America che ha reso obsoleto il messaggio del film.

L'ascesa al potere di Adolf Hitler in Germania e le politiche antisemite del suo regime hanno influenzato in modo significativo il cinema americano pre-Codice. Sebbene Hitler fosse diventato impopolare in molte parti degli Stati Uniti, la Germania era ancora un voluminoso importatore di film americani e gli studios volevano placare il governo tedesco. Il divieto agli ebrei e le rappresentazioni negative della Germania da parte del governo di Hitler portarono persino a una significativa riduzione del lavoro per gli ebrei a Hollywood fino alla fine della seconda guerra mondiale. Di conseguenza, solo due film sui problemi sociali distribuiti da società cinematografiche indipendenti hanno affrontato la mania in Germania durante l'era pre-Codice ( Siamo civilizzati? e Hitler's Reign of Terror ).

Nel 1933, Herman J. Mankiewicz e il produttore Sam Jaffe annunciarono che stavano lavorando a un film, intitolato Mad Dog of Europe , che doveva essere un attacco su vasta scala a Hitler. Jaffe aveva lasciato il suo lavoro alla RKO Pictures per realizzare il film. Hays ha convocato la coppia nel suo ufficio e ha detto loro di interrompere la produzione poiché stavano causando inutili grattacapi agli studi. La Germania aveva minacciato di sequestrare tutte le proprietà dei produttori di Hollywood in Germania e di vietare l'importazione di qualsiasi futuro film americano.

Le scene che mostrano pistole puntate verso la telecamera (come in questo scatto di The Great Train Robbery , 1903) furono considerate inappropriate dai censori dello Stato di New York negli anni '20 e solitamente rimosse.

Film gialli

All'inizio del 1900, gli Stati Uniti erano ancora principalmente un paese rurale, soprattutto nell'identità personale. DW Griffith 'il I moschettieri di Pig Alley (1912) è uno dei primi film americani a funzione criminalità organizzata urbana. L'arrivo del proibizionismo nel 1920 creò un ambiente in cui coloro che desideravano consumare alcolici dovevano spesso frequentare i criminali, soprattutto nelle aree urbane. Tuttavia, il genere del crimine urbano è stato per lo più ignorato fino al 1927, quando Underworld , che è riconosciuto come il primo film di gangster, è diventato un successo a sorpresa.

Secondo la voce dell'Enciclopedia di Hollywood su Underworld , "Il film ha stabilito gli elementi fondamentali del film di gangster: un eroe teppista; strade cittadine inquietanti e avvolte dalla notte; sgualdrine; e un finale ardente in cui i poliziotti hanno abbattuto il protagonista". Film di gangster, come Thunderbolt (1929) e Doorway to Hell (1930) sono stati rilasciati per capitalizzare Underworld ' popolarità s, con Thunderbolt viene descritto come "un remake virtuale" di Underworld . Altri film polizieschi della fine degli anni '20 hanno indagato sulla connessione tra mafiosi e produzioni di Broadway in film come Lights of New York (1928), Tenderloin (1928) e Broadway (1929).

L'Ufficio Hays non aveva mai raccomandato ufficialmente di vietare la violenza in qualsiasi forma negli anni '20, a differenza della volgarità, del traffico di droga o della prostituzione, ma consigliava di gestirla con attenzione. Il consiglio di censura di New York era più completo di quello di qualsiasi altro stato, mancando solo circa 50 delle 1.000-1.300 pubblicazioni annuali del paese.

Dal 1927 al 1928, le scene violente rimosse includevano quelle in cui una pistola era puntata contro la telecamera o "contro o dentro il corpo di un altro personaggio". Sono anche soggette a potenziale censura le scene che coinvolgono mitragliatrici, criminali che sparano alle forze dell'ordine, accoltellamenti o brandimento di coltelli (il pubblico considerava le pugnalate più inquietanti delle sparatorie), frustate, soffocamento, tortura ed elettrocuzione, nonché scene percepite come istruttive per il pubblico su come commettere un crimine. La violenza sadica e gli scatti di reazione che mostravano i volti delle persone destinatarie della violenza sono stati considerati aree particolarmente sensibili. Il Codice in seguito sconsigliava scene che mostrassero rapine, furti, scassi di casseforti, incendi dolosi, "l'uso di armi da fuoco", "dinamitaggio di treni, macchine ed edifici" e "uccisioni brutali", sulla base del fatto che sarebbero state respinte dalle autorità locali. censori.

Il fascino del pubblico per i gangster nei primi anni '30 fu rafforzato dall'ampia copertura di notizie di criminali come Al Capone e John Dillinger , su cui si basavano personaggi come Scarface , interpretato da Paul Muni (1932).

Nascita del gangster di Hollywood

Nessun genere cinematografico dell'era pre-codice era più incendiario del film di gangster; né i filati di predicazione né i film viziosi hanno oltraggiato i guardiani morali o innervosito i padri della città come gli scenari di alto livello che hanno reso gli eroi dello schermo degli assassini di pietre.

— Lo  storico pre-codice Thomas P. Doherty

All'inizio degli anni '30, diversi criminali della vita reale divennero celebrità. Due in particolare hanno catturato l'immaginario americano: Al Capone e John Dillinger . Gangster come Capone avevano trasformato la percezione di intere città. Capone ha dato a Chicago la sua "reputazione come il locus classicus del gangsterismo americano, un paesaggio urbano in cui roadster a prova di proiettile con teppisti armati di mitra sulle pedane si aggiravano per State Street spruzzando raffiche di lumache nelle vetrine dei negozi di fiori e falciando la concorrenza in schizzi di sangue garage." Capone è apparso sulla copertina della rivista Time nel 1930. Gli sono state persino offerte somme a sette cifre da due importanti studi di Hollywood per apparire in un film, ma ha rifiutato.

Dillinger è diventato una celebrità nazionale come rapinatore di banche che è sfuggito all'arresto ed è sfuggito al confino più volte. Era diventato il fuorilegge pubblico più celebrato dai tempi di Jesse James . Suo padre è apparso in una popolare serie di cinegiornali dando consigli fatti in casa alla polizia su come catturare suo figlio. La popolarità di Dillinger è aumentata così rapidamente che Variety ha scherzato sul fatto che "se Dillinger rimane in libertà molto più a lungo e vengono ottenute più interviste di questo tipo, potrebbero circolare alcune petizioni per nominarlo presidente". Hays scrisse un cablogramma a tutti gli studios nel marzo 1934 ordinando che Dillinger non fosse ritratto in nessun film.

Il genere è entrato a un nuovo livello dopo l'uscita di Little Caesar (1931), che vedeva Edward G. Robinson nei panni del gangster Rico Bandello. Caesar , insieme a The Public Enemy (interpretato da James Cagney ) e Scarface (1932) (interpretato da Paul Muni ), erano, per gli standard dell'epoca, film incredibilmente violenti che crearono un nuovo tipo di antieroe. Nove film di gangster furono pubblicati nel 1930, 26 nel 1931, 28 nel 1932 e 15 nel 1933, quando la popolarità del genere iniziò a diminuire dopo la fine del proibizionismo. Il contraccolpo contro i film di gangster è stato rapido. Nel 1931, Jack Warner annunciò che il suo studio avrebbe smesso di produrli e che lui stesso non aveva mai permesso al figlio quindicenne di vederli.

In Little Caesar (1931), Rico ( Edward G. Robinson ) affronta Joe ( Douglas Fairbanks Jr. ) per voler lasciare la banda.

Il piccolo Cesare è generalmente considerato il nonno dei film di gangster. Dopo la sua uscita, James Wingate, che allora era a capo del consiglio di censura di New York, ha detto a Hays di essere stato inondato di lamentele da parte di persone che hanno visto bambini nei cinema di tutta la nazione "applaudire il capo della banda come un eroe". Il successo di Little Caesar ispirò The Secret Six (1931) e Quick Millions (1931) di Fox e City Streets (1931) della Paramount , ma il prossimo grande gangster di Hollywood sarebbe arrivato dalla Warner.

La famigerata "scena del pompelmo" in The Public Enemy (1931), con James Cagney e Mae Clarke

The Public Enemy (1931) di William Wellman vedeva James Cagney nel ruolo di Tim Powers. Nella famigerata "scena del pompelmo", quando la ragazza di Powers ( Mae Clarke ) lo fa arrabbiare durante la colazione, lui le spinge mezzo pompelmo in faccia. Il personaggio di Cagney si è comportato in modo ancora più violento nei confronti delle donne nel film di gangster Picture Snatcher (1933); in una scena mette KO una donna innamorata di cui non ricambia i sentimenti e la getta violentemente sul sedile posteriore della sua auto. Nell'aprile 1931, lo stesso mese dell'uscita di The Public Enemy , Hays reclutò l'ex capo della polizia August Vollmer per condurre uno studio sull'effetto che le immagini di gangster avevano sui bambini. Dopo aver terminato il suo lavoro, Vollmer dichiarò che i film di gangster erano innocui e persino eccessivamente favorevoli nel rappresentare la polizia. Sebbene Hays abbia utilizzato i risultati per difendere l'industria cinematografica, la commissione di censura dello Stato di New York non è stata colpita e dal 1930 al 1932 ha rimosso 2.200 scene del crimine dalle immagini.

Sia Osgood Perkins che Paul Muni accendono un fiammifero per la sigaretta di Karen Morley nel trailer di Scarface (1932). Morley sceglie la luce di Muni, disprezzando simbolicamente il suo ragazzo per il gangster in rapida ascesa.

Alcuni critici hanno chiamato Scarface (1932) come il film di gangster pre-Codice più incendiario. Diretto da Howard Hawks e interpretato da Paul Muni nei panni di Tony Camonte, il film è parzialmente basato sulla vita di Al Capone e incorpora dettagli della biografia di Capone nella trama. La produzione di Scarface è stata travagliata fin dall'inizio. L'ufficio Hays ha avvertito il produttore Howard Hughes di non realizzare il film, e quando il film è stato completato alla fine del 1931, l'ufficio ha richiesto numerosi cambiamenti, tra cui una conclusione in cui Camonte è stato catturato, processato, condannato e impiccato. Ha anche richiesto che il film portasse il sottotitolo "Vergogna di una nazione". Hughes ha inviato il film a numerosi comitati di censura statali, affermando di aver sperato di dimostrare che il film è stato realizzato per combattere la "minaccia dei gangster". Dopo che non è stato in grado di far passare il film dal consiglio di censura dello Stato di New York anche dopo le modifiche, Hughes ha citato in giudizio il consiglio e ha vinto, permettendogli di rilasciare il film in una versione vicina alla forma prevista. Quando altri censori locali si sono rifiutati di rilasciare la versione modificata, l'ufficio Hays ha inviato Jason Joy per assicurarli che il ciclo di film di gangster di questa natura stava finendo.

Scarface ha provocato indignazione principalmente a causa della sua violenza senza precedenti, ma anche per i suoi cambiamenti di tono dal serio al comico. Dave Kehr , scrivendo sul Chicago Reader , ha dichiarato che il film fonde "commedia e horror in un modo che suggerisce che Chico Marx si sia scatenato con una mitragliatrice". In una scena, Camonte è all'interno di un caffè mentre un torrente di mitragliatrice dall'auto di una banda rivale si dirige verso di lui; quando la diga è finita, Camonte prende una delle appena rilasciata tommy pistole che i gangster avevano lasciato cadere e mostre meraviglia infantile e l'eccitazione sfrenata sopra il nuovo giocattolo. I leader civici si sono infuriati per il fatto che gangster come Capone (che è stato anche l'ispirazione per Little Caesar ) venivano applauditi nei cinema di tutta l'America. La sceneggiatura, adattata dal giornalista di Chicago Ben Hecht, conteneva dettagli biografici del personaggio di Muni che erano così ovviamente presi da Capone che era impossibile non tracciare dei paralleli.

Uno dei fattori che hanno reso i film di gangster così sovversivi era che, nei difficili tempi economici della Depressione, esisteva già l'idea che l'unico modo per raggiungere il successo finanziario fosse attraverso il crimine. Il Kansas City Times ha affermato che sebbene gli adulti possano non essere particolarmente colpiti, questi film erano "fuorvianti, contaminanti e spesso demoralizzanti per bambini e giovani". Ad aggravare il problema, alcuni proprietari di sale cinematografiche pubblicizzavano film di gangster in modo irresponsabile; gli omicidi della vita reale erano legati a promozioni e "le lobby del teatro mostravano mitra e blackjack ". La situazione ha raggiunto un tale nesso che gli studios hanno dovuto chiedere agli esercenti di attenuare l'espediente nelle loro promozioni.

Film carcerari

I film carcerari dell'era pre-Codice spesso coinvolgevano uomini ingiustamente incarcerati, e i film ambientati nelle carceri del Nord tendevano a dipingerli come un bastione di solidarietà contro il sistema sociale in rovina della Grande Depressione . Accesi dal vero incendio del penitenziario dell'Ohio il 21 aprile 1930, in cui le guardie si rifiutarono di liberare i prigionieri dalle loro celle, causando 300 morti, i film descrivevano le condizioni disumane all'interno delle carceri nei primi anni '30. Il genere era composto da due archetipi: il film carcerario e il film di gang . I film carcerari di solito raffiguravano grandi orde di uomini che si muovevano in uniformi identiche, rassegnati al loro destino e vivendo secondo un codice ben definito. Nei film a catena, i prigionieri del sud erano spesso sottoposti a un sistema draconiano di disciplina nel caldo torrido all'aperto, dove venivano trattati terribilmente dai loro spietati rapitori.

I am a Fugitive from a Chain Gang (interpretato da Paul Muni, 1932) era basato sulle memorie autobiografiche di Robert E. Burns , che era lui stesso un fuggitivo quando il film uscì. Il film si è rivelato un potente catalizzatore per la giustizia penale e le riforme sociali successive.

Il prototipo del genere carcerario era The Big House (1930). Nel film, Robert Montgomery interpreta un detenuto contorto che viene condannato a sei anni dopo aver commesso omicidio colposo mentre era sotto l'influenza. I suoi compagni di cella sono un assassino interpretato da Wallace Beery e un falsario interpretato da Chester Morris . L'immagine presenta i futuri punti cardine del genere carcerario come l'isolamento, gli informatori, le rivolte, le visite, una fuga e i codici della vita carceraria. Il protagonista, Montgomery, finisce per essere un personaggio ripugnante, un codardo che venderà chiunque si trovi in ​​prigione per assicurarsi un rilascio anticipato. Il film è stato vietato in Ohio, il luogo dei disordini carcerari mortali che lo hanno ispirato. Seguono Uomini numerati , Il codice penale , L' ombra della legge , Il codice del condannato e altri, provenienti da non meno di sette studi. Tuttavia, i film carcerari si rivolgevano principalmente agli uomini e di conseguenza hanno avuto scarse prestazioni al botteghino.

Gli Studios hanno anche prodotto film carcerari per bambini che affrontavano i problemi di delinquenza giovanile dell'America durante la Depressione. Il sindaco dell'Inferno , ad esempio, ha caratterizzato i bambini che uccidono un sovrintendente del riformatorio omicida e violento senza vendetta.

Film a catena

La critica più bruciante del sistema carcerario americano è stata riservata alla rappresentazione delle bande di catene del sud, con I Am a Fugitive from a Chain Gang che è di gran lunga il più influente e famoso. Il film è basato sulla vera storia della figura popolare Robert E. Burns Nella prima metà del 1931, la rivista True Detective Mysteries aveva pubblicato il lavoro di Burns in sei numeri e la storia fu pubblicata come libro nel gennaio 1932. Il veterano decorato James Allen (Paul Muni) torna dalla prima guerra mondiale un uomo cambiato e cerca un'alternativa al lavoro noioso che si era lasciato alle spalle, viaggiando per il paese in cerca di lavori edili. Allen segue un vagabondo, che aveva incontrato in un rifugio per senzatetto, in un caffè, accettando l'offerta di un pasto gratuito. Quando il vagabondo tenta di rapinare il ristorante, Allen viene accusato di complicità, condannato per aver rubato qualche dollaro e condannato a dieci anni in una banda di catene.

Gli uomini sono incatenati insieme e trasportati in una cava per rompere le rocce ogni giorno. Anche quando sono slegati l'uno dall'altro, le catene rimangono sempre intorno alle caviglie. Allen convince un grosso prigioniero nero che ha una mira particolarmente buona a colpire le catene alle sue caviglie con una mazza per piegarle. Rimuove i piedi dalle catene piegate e, in una famosa sequenza, fugge attraverso i boschi mentre viene inseguito dai segugi. All'esterno sviluppa una nuova identità e diventa uno sviluppatore rispettato a Chicago. Viene ricattato in matrimonio da una donna che non ama che scopre il suo segreto. Quando minaccia di lasciarla per una giovane donna di cui si è innamorato, sua moglie lo consegna. Il suo caso diventa una cause célèbre e lui accetta di arrendersi in base all'accordo che sconterà 90 giorni e poi sarà rilasciato. Tuttavia, viene ingannato e non viene liberato dopo la durata concordata. Questo lo costringe a fuggire di nuovo, e cerca la giovane donna, dicendole che non possono stare insieme perché sarà sempre braccato. Il film termina con lei che gli chiede come sopravvive, e la sua minacciosa risposta dall'oscurità è: "Rubo".

Sebbene basato sulla realtà, il film Chain Gang cambia leggermente la storia originale per attrarre il pubblico dell'era della Depressione descrivendo il paese come in difficoltà economicamente, anche se Burns è tornato durante i ruggenti anni Venti . Il finale cupo e anti-establishment del film ha scioccato il pubblico.

Risate all'inferno , un film del 1933 diretto da Edward L. Cahn e interpretato da Pat O'Brien , è stato ispirato in parte da I Am a Fugitive from a Chain Gang . O'Brien interpreta un ingegnere ferroviario che uccide sua moglie e il suo amante in preda alla gelosia, e viene mandato in prigione. Il fratello del morto è il direttore della prigione e tormenta il personaggio di O'Brien. O'Brien e molti altri si ribellano, uccidendo il guardiano e fuggendo con il suo nuovo amante ( Gloria Stuart ). Il film, riscoperto nel 2012, ha suscitato polemiche per la sua scena del linciaggio in cui sono stati impiccati diversi uomini di colore, anche se i rapporti variano sul fatto che gli uomini di colore siano stati impiccati insieme ai bianchi o da soli. Un critico cinematografico di The New Age (un settimanale afroamericano) ha elogiato i registi per essere stati abbastanza coraggiosi da rappresentare le atrocità che si stavano verificando in alcuni stati del sud.

I titoli dei film pre-Codice erano spesso deliberatamente provocatori. Sebbene violento, Safe in Hell (1931) era un film socialmente moderno e riflessivo.

Film di sesso

Promozione

Poiché i film con elementi pruriginosi hanno ottenuto buoni risultati al botteghino, dopo la repressione dei film polizieschi, Hollywood ha aumentato la produzione di immagini con i sette peccati capitali . Nel 1932, la Warner Bros formò una politica ufficiale decretando che "due storie su cinque dovrebbero essere calde" e che quasi tutti i film potrebbero trarre vantaggio dall'"aggiungere qualcosa che ha a che fare con lo zenzero". I registi (inclusa l'astuta Mae West ) hanno iniziato a inserire materiale eccessivamente suggestivo che sapevano non sarebbe mai arrivato nei cinema nella speranza che reati minori sopravvivessero al montaggio della sala di montaggio. Lo sceneggiatore della MGM Donald Ogden Stewart ha dichiarato: "[Joy e Wingate] non vorrebbero tirar fuori troppo, quindi daresti loro cinque cose da portare fuori per soddisfare l'ufficio Hays, e te la caveresti con l'omicidio con quello che hanno lasciato dentro ."

Film come Laughing Sinners , The Devil's Holiday , Safe in Hell , The Devil is Driving , Merrily We Go to Hell , Laughter in Hell e The Road to Ruin erano provocatori nei loro soli titoli. Gli studi hanno commercializzato i loro film, a volte in modo disonesto, inventando slogan suggestivi e titoli paurosi, arrivando persino a organizzare concorsi interni per ideare titoli provocatori per le sceneggiature. Comunemente etichettati come "film di sesso" dai censori, queste immagini offendevano il gusto in più categorie oltre alla semplice sessualità. Secondo un'analisi di varietà di 440 immagini prodotte nel 1932-1933, 352 avevano "una certa inclinazione sessuale", con 145 in possesso di "sequenze discutibili" e 44 "criticamente sessuali". Variety ha riassunto che "oltre l'80% della produzione cinematografica principale del mondo era ... aromatizzata con l'essenza della camera da letto". I tentativi di creare film per soli adulti (soprannominati "pinking") hanno portato al cinema un vasto pubblico di tutte le età.

Alcuni si sono opposti alle foto pubblicitarie come questo scatto del 1932 di Ina Claire che posa in modo seducente su una chaise longue di The Greeks Had a Word for Them .

Poster e foto pubblicitarie erano spesso allettanti. Le donne apparivano in pose e abiti che non si intravedevano nemmeno nei film stessi. In alcuni casi le attrici con piccole parti nei film (o nel caso di Dolores Murray nella sua pubblicità ancora per The Common Law , nessuna parte) apparivano discinte. Hays si indignò per le immagini piene di vapore che circolavano sui giornali di tutto il paese. L'originale Hays Code conteneva una nota spesso ignorata sulle immagini pubblicitarie, ma ha scritto un messaggio pubblicitario completamente nuovo nello stile dei Dieci Comandamenti che conteneva una serie di dodici divieti. Le prime sette immagini indirizzate. Proibivano le donne in biancheria intima, le donne che alzano le gonne, pose allusive, baci, collo e altro materiale allusivo. Gli ultimi cinque riguardavano la copia pubblicitaria e il travisamento proibito dei contenuti del film, la "copia salace" e la parola " cortigiana ".

Gli studi sono riusciti a aggirare le restrizioni e hanno pubblicato immagini sempre più spinte. Alla fine questo fallì nel 1934 quando un cartellone pubblicitario a Filadelfia fu collocato fuori dalla casa del cardinale Dennis Dougherty . Gravemente offeso, Dougherty si vendicò aiutando a lanciare il boicottaggio cinematografico che in seguito avrebbe facilitato l'applicazione del Codice. Un tema comunemente ripetuto da coloro che sostengono la censura, e menzionato nel Codice stesso, era l'idea che la gente comune avesse bisogno di essere salvata da se stessa dall'élite culturale più raffinata.

Nonostante gli ovvi tentativi di attirare i maschi americani dal sangue rosso, la maggior parte dei clienti delle foto di sesso erano donne. Variety ha chiaramente incolpato le donne per l'aumento delle immagini dei vizi:

Le donne sono responsabili del gusto sempre crescente del pubblico per il sensazionalismo e le cose sexy. Le donne che costituiscono la maggior parte del pubblico cinematografico sono anche le lettrici di maggioranza dei tabloid, dei fogli scandalistici, delle riviste appariscenti e dei libri erotici ... la mente dell'uomo medio sembra sana in confronto. ... Le donne amano lo sporco, niente le sconvolge.

Jean Harlow (visto qui su una copertina di Time del 1935 ) è stato spinto alla celebrità in film pre-Codice come Platinum Blonde , Red Dust e Red-Headed Woman .

Il pubblico femminile pre-codice amava indulgere negli stili di vita carnali di amanti e adultere mentre allo stesso tempo si rallegrava della loro solitamente inevitabile caduta nelle scene finali del film. Mentre si diceva che i film di gangster corrompessero la morale dei ragazzini, i film viziosi venivano accusati di minacciare la purezza delle donne adolescenti.

Contenuto

Nella Hollywood pre-Code, il film di sesso è diventato sinonimo di immagini femminili - Darryl F. Zanuck una volta disse a Wingate che gli era stato ordinato dall'ufficio aziendale di New York della Warner Brothers di riservare il 20% della produzione dello studio per "quadri femminili, il che inevitabilmente significa foto di sesso". I film di Vice in genere puntavano su finali in cui i personaggi più peccaminosi venivano puniti o redenti. I film hanno esplorato argomenti che sfidano il Codice in modo impenitente con la premessa che un momento finale potrebbe riscattare tutto ciò che era successo prima. Il concetto di matrimonio è stato spesso messo alla prova in film come The Prodigal (1931), in cui una donna ha una relazione con un personaggio squallido, e poi si innamora di suo cognato. Quando sua suocera interviene alla fine del film, è per incoraggiare un figlio a concedere il divorzio alla moglie in modo che possa sposare suo fratello, di cui è ovviamente innamorata. La donna più anziana proclama il messaggio del film in una riga verso la fine: "Questo è il ventesimo secolo. Esci nel mondo e ottieni la felicità che puoi".

In Madame Satan (1930), l'adulterio è esplicitamente perdonato e usato come segno per una moglie che ha bisogno di agire in un modo più allettante per mantenere l'interesse del marito. In Secrets (1933), un marito ammette di aver commesso adulterio seriale, solo che questa volta si pente e il matrimonio viene salvato. I film hanno preso di mira quella che era già un'istituzione danneggiata. Durante la Grande Depressione, le relazioni tra i coniugi si deteriorarono spesso a causa delle difficoltà finanziarie, i matrimoni diminuirono e i mariti abbandonarono le loro famiglie in numero crescente. I tassi di matrimonio sono diminuiti continuamente all'inizio degli anni '30, per poi aumentare nel 1934, l'ultimo anno dell'era pre-Codice, e sebbene i tassi di divorzio siano diminuiti, è probabile che la diserzione sia diventata un metodo di separazione più comune. Di conseguenza, personaggi femminili, come Ruth Chatterton in Female , vivono stili di vita promiscui da addio al nubilato e controllano il proprio destino finanziario (Chatterton supervisiona una fabbrica di automobili) senza rimpianti.

In The Divorcee (1930), con Norma Shearer , una moglie scopre che suo marito (interpretato da Chester Morris), la tradisce. In reazione, decide di avere una relazione con il suo migliore amico (interpretato da Robert Montgomery ). Quando il marito lo scopre, decide di lasciarla. Dopo averlo supplicato di restare, la moglie scatena su di lui le sue frustrazioni e in un momento di ispirazione rivela il suo desiderio di vivere una vita senza paura e sessualmente liberata. Secondo almeno uno storico del cinema, questo è stato il film che ha ispirato altri film incentrati su sofisticate protagoniste femminili, che sono rimaste fuori fino a tardi, hanno avuto relazioni, indossavano abiti succinti e che sostanzialmente hanno distrutto il doppio standard sessuale affermandosi sia all'interno della società che nella camera da letto. Da The Divorcee in poi, si sviluppò "una tendenza verso una raffinatezza nelle immagini delle donne che sarebbe continuata senza sosta fino alla fine dell'era pre-codice a metà del 1934".

Uno degli esempi più importanti di punizione per le trasgressioni immorali nel film vizio può essere visto in The Story of Temple Drake , basato sul romanzo di William Faulkner Sanctuary . In Drake , il personaggio del titolo (interpretato da Miriam Hopkins ), una fredda e insulsa "ragazza da festa", figlia di un giudice, viene violentata e costretta a prostituirsi da un personaggio dei boschi, e secondo lo studioso del pre-Codice Thomas Doherty, il film implica che le azioni fatte a lei sono in compenso per la sua immoralità. Più tardi, in tribunale, confessa di aver ucciso l'uomo che l'ha violentata e trattenuta. Sviene dopo questa confessione, su cui il suo avvocato la esegue, portando a un "lieto fine". Nel film della RKO Christopher Strong , Katharine Hepburn interpreta un'aviatrice che rimane incinta a causa di una relazione con un uomo sposato. Si suicida facendo volare il suo aereo direttamente verso l'alto fino a quando non batte il record mondiale di altitudine, a quel punto si toglie la maschera di ossigeno e precipita a terra. Personaggi femminili forti spesso finivano i film come donne "riformate", dopo aver sperimentato situazioni in cui la loro prospettiva progressista si è rivelata difettosa.

L'aperta bisessualità di Marlene Dietrich ha causato un putiferio. Nel 1933 il suo studio, la Paramount, firmò un accordo in gran parte inefficace per non rappresentare donne in abiti maschili nei loro film.

Le protagoniste femminili nei film di vizi sessuali aggressivi erano di solito di due tipi generali: la ragazza cattiva o la donna caduta. Nelle immagini delle cosiddette "cattive ragazze", i personaggi femminili hanno tratto profitto dalla promiscuità e dal comportamento immorale. Jean Harlow , un'attrice che secondo tutti i rapporti era una persona spensierata e gentile fuori dallo schermo, interpretava spesso personaggi di cattive ragazze e li soprannominò "avvoltoi del sesso".

Due degli esempi più importanti di film di cattive ragazze, Red-Headed Woman e Baby Face , presentavano Harlow e Stanwyck. In Red-Headed Woman Harlow interpreta una segretaria determinata a farsi strada a dormire in uno stile di vita più lussuoso, e in Baby Face Stanwyck è una fuggitiva maltrattata determinata a usare il sesso per avanzare finanziariamente.

In Baby Face Stanwyck si trasferisce a New York e dorme fino alla cima del Gotham Trust. I suoi progressi sono illustrati in una metafora visiva ricorrente della cinepresa che si sposta sempre verso l'alto lungo la parte anteriore del grattacielo di Gotham Trust. Gli uomini sono impazziti dalla lussuria per lei e commettono un omicidio, tentano il suicidio e sono rovinati finanziariamente per essersi associati con lei prima che si ravvisi nella bobina finale. In un'altra partenza dai film post-codice, l'unica compagna di Stanwyck per tutta la durata del film è una donna di colore di nome Chico ( Theresa Harris ), che ha portato con sé quando è scappata di casa all'età di 14 anni.

Red-Headed Woman inizia con Harlow che seduce il suo capo Bill LeGendre e rompe intenzionalmente il suo matrimonio. Durante le sue seduzioni, lui cerca di resistere e la schiaffeggia, a quel punto lei lo guarda delirante e dice "Fallo di nuovo. Mi piace! Fallo di nuovo!" Alla fine si sposano, ma Harlow seduce un ricco industriale anziano che è in affari con suo marito in modo che possa trasferirsi a New York. Sebbene questo piano abbia successo, viene messa da parte quando viene scoperta avere una relazione con il suo autista, in sostanza tradisce il suo amante. Harlow spara a LeGendre, quasi uccidendolo. Quando si vede l'ultima volta nel film, è in Francia sul sedile posteriore di una limousine con un anziano ricco signore guidato dallo stesso autista. Il film è stato un vantaggio per la carriera di Harlow ed è stato descritto come un "capolavoro spazzatura".

Il cinema classificato come film di "donne cadute" è stato spesso ispirato dalle difficoltà della vita reale che le donne hanno sopportato nei primi posti di lavoro dell'era della depressione. Gli uomini al potere in queste immagini spesso molestavano sessualmente le donne che lavoravano per loro. Rimanere occupati diventava spesso una questione di virtù di una donna. In She Had to Say Yes (1933), con Loretta Young , un grande magazzino in difficoltà offre appuntamenti con le sue stenografe come incentivo ai clienti. L'ingresso dei dipendenti è stato commercializzato con lo slogan "Guarda cosa devono affrontare le ragazze senza lavoro in questi giorni". Joy si lamentò nel 1932 di un altro genere, il film "mantenuto donna", che presentava l'adulterio come alternativa alla noia di un matrimonio infelice.

Fino al 1934, la nudità che coinvolgeva donne "civili", che si intendeva significare donne bianche, era generalmente vietata, ma consentita con donne "non civilizzate", che si intendeva significare donne non bianche. Il regista Deane Dickason ha approfittato di questa scappatoia per pubblicare un documentario quasi pornografico Virgins of Bali nel settembre 1932, che riguarda un giorno nella vita di due adolescenti balinesi, presumibilmente "incivili". L'introduzione del film osserva che le donne balinesi erano normalmente in topless e si coprivano il seno solo per i doveri cerimoniali; Doherty ha commentato seccamente che, "fortunatamente" per Dickason, le due "star" del suo film raramente svolgevano compiti cerimoniali. Tipica del film è la prima scena in cui le due ragazze fanno il bagno nel fiume mentre Dickason narra, parlando senza fiato di come le due ragazze "lavano i loro corpi di bronzo spudoratamente nudi". Virgins of Bali , che consisteva quasi interamente di scene di donne balinesi in vari stati di svestizione con il pretesto di mostrare com'era la vita quotidiana a Bali , era un film immensamente popolare tra gli uomini all'epoca, e quasi da solo trasformò Bali in una popolare destinazione turistica.

Gli omosessuali sono stati ritratti in film pre-Codice come Our Betters (1933), Footlight Parade (1933), Only Yesterday (1933), Sailor's Luck (1933) e Cavalcade (1933). Sebbene l'argomento sia stato trattato molto più apertamente rispetto ai decenni successivi, le caratterizzazioni dei personaggi gay e lesbiche erano solitamente dispregiative. I personaggi maschili gay sono stati ritratti come volubili con voci alte, esistenti semplicemente come personaggi secondari buffoni.

Un raro esempio di personaggio omosessuale che non è stato ritratto nel modo standard effeminato, anche se ancora in modo negativo, è stato il cattivo "Murder Legendre", interpretato da Bela Lugosi in White Zombie (1932), il francese che ha padroneggiato i poteri magici di un Bokor ( stregone vudù). Legendre viene assunto da un ricco proprietario di piantagioni Charles Beaumont ( Robert Frazer ) per trasformare la donna che desidera in uno zombi, solo per essere informato in seguito che Legendre lo desidera e lo trasformerà in uno zombi. In film come Ladies They Talk About , le lesbiche sono state ritratte come personaggi rozzi e corpulenti, ma in The Sign of the Cross di DeMille , una schiava cristiana viene portata da un prefetto romano e sedotta nella danza da una statuaria ballerina lesbica. Fox è diventato quasi il primo studio americano a usare la parola "gay" per riferirsi all'omosessualità, ma l'SRC ha fatto sì che lo studio smorzasse la parola nella colonna sonora di tutti i filmati che raggiungevano i cinema.

A volte Mae West viene erroneamente chiamata la ragione del Codice di Produzione. Anche sotto il Codice è riuscita a indossare un abito quasi trasparente in Go West, Young Man (1936).

L'attrice bisessuale Marlene Dietrich ha coltivato una base di fan di genere incrociato e ha iniziato una tendenza quando ha iniziato a indossare abiti da uomo. Ha causato un trambusto quando è apparsa alla prima de Il segno della croce nel 1932 in smoking, completo di cilindro e bastone. La comparsa dei personaggi omosessuali raggiunse il culmine nel 1933; in quell'anno, Hays dichiarò che tutti i personaggi maschili gay sarebbero stati rimossi dalle immagini. La Paramount ha approfittato della pubblicità negativa generata da Dietrich firmando un accordo in gran parte insignificante in cui affermava che non avrebbero ritratto donne in abiti maschili.

Commedia

Nei duri tempi economici della prima depressione, i film e gli attori spesso presentavano uno stile comico alienato, cinico e socialmente pericoloso. Come per i film politici, la commedia si è ammorbidita con l'elezione di FDR e l'ottimismo del New Deal. I personaggi nell'era pre-Codice si impegnavano spesso in duelli comici di crescenti allusioni sessuali. In Employee's Entrance , una donna entra nell'ufficio di un capo canaglia che osserva: "Oh, sei tu - non ti ho riconosciuto con tutti i vestiti addosso". Gli stereotipi razziali venivano solitamente impiegati quando apparivano i caratteri etnici. I neri in particolare erano di solito il bersaglio della battuta, mai la battuta. Il comico nero più riconosciuto è stato Stepin Fetchit , il cui personaggio comico arguto doveva avere successo solo in modo non intenzionale, con se stesso come battuta finale.

Il palcoscenico di New York era pieno di umorismo volgare e di commedie sessualmente offensive; quando i produttori cinematografici hanno iniziato a inserire battute nelle loro immagini sonore, hanno cercato artisti di New York. Fumetti popolari come i fratelli Marx hanno avuto il loro inizio a Broadway davanti al pubblico dal vivo. I censori si sono lamentati quando hanno dovuto tenere il passo con il diluvio di battute nelle immagini nei primi anni '30, alcune delle quali erano progettate per andare oltre le loro teste. Le battute comiche di alcuni dei primi film sonori erano rapide, ininterrotte e spesso estenuanti per il pubblico fino all'ultima bobina.

Mae West si era già affermata come attrice comica quando il suo spettacolo di Broadway del 1926 Sex fece notizia a livello nazionale. Processata e condannata per atti osceni dal procuratore distrettuale di New York, ha scontato otto giorni di carcere. West ha costruito con cura un personaggio teatrale e l'ha riportato nelle sue interviste e apparizioni personali. Nonostante il suo fisico voluttuoso, la maggior parte del suo fascino risiedeva nel suo modo suggestivo. È diventata una paroliera nell'arte del come-on e della linea seducente, e nonostante il suo ovvio appeal per il pubblico maschile, era popolare anche tra le donne. Nonostante le grida della censura, la West ha avuto il suo inizio nel film Night After Night (1932), con George Raft e Constance Cummings , come personaggio secondario in stile Texas Guinan . Ha accettato di apparire nel film solo dopo che i produttori hanno acconsentito a lasciarla scrivere le sue battute. Nella prima battuta di West nel film, dopo che una ragazza che controlla il cappello ha commentato "Dio, che bei diamanti", West risponde: "Il cielo non ha niente a che fare con questo, caro". Raft, che aveva voluto la stessa Texas Guinan per il ruolo assegnato a West, in seguito scrisse: "In questa foto, Mae West ha rubato tutto tranne le telecamere". Ha continuato a girare She Done Him Wrong nel 1933, che è diventato un enorme successo al botteghino, incassando $ 3 milioni contro un budget di $ 200.000, e poi nove mesi dopo ha scritto e recitato in I'm No Angel . È diventata un tale successo che la sua carriera ha salvato la Paramount dalla rovina finanziaria.

L'arrivo del film sonoro ha creato un nuovo mercato del lavoro per gli scrittori di dialoghi sullo schermo. Molti giornalisti di giornali si trasferirono in California e diventarono sceneggiatori impiegati in studio. Ciò ha portato a una serie di immagini comiche dalla parlata veloce con i giornalisti. The Front Page , in seguito rifatto come il molto meno cinico e più sentimentale post-Code His Girl Friday (1940), è stato adattato dalla commedia di Broadway da giornalisti di Chicago e sceneggiatori di Hollywood, Ben Hecht e Charles MacArthur . Si basava sulle esperienze di Hecht lavorando come giornalista per il Chicago Daily Journal .

Betty Boop nel 1933 e 1939
Ballerini che provano in abiti abbreviati in 42nd Street (1933) illustrano il fascino del musical dietro le quinte
Il " da una cascata " numero da Busby Berkeley 's Footlight Parade (1933), che ha evidenziato anche James Cagney ' talenti di danza s.

Cartoni animati

Anche le vignette teatrali sono state coperte dal Codice di produzione. Secondo Leonard Maltin : "All'inizio del 1933 un proprietario di un teatro della Georgia scrisse al Film Daily : 'I peggiori colpi che abbiamo sono nei cartoni animati. Sono principalmente un disegno per bambini, e i genitori spesso si oppongono alla sporcizia che viene messa in loro, tra l'altro senza aiutare la commedia. Le più sporche sono invariabilmente le meno divertenti.'" Betty Boop subì così alcuni dei cambiamenti più drammatici dopo l'imposizione del Codice: "fuori la giarrettiera, la gonna corta, il décolleté".

Musical

Poiché le immagini sonore sono diventate la norma a Hollywood, il film musicale "dietro le quinte" è stato un soggetto naturale per il nuovo mezzo. Non solo gli studios potevano presentare canti e balli al loro pubblico - molti dei quali era improbabile che avessero mai visto un musical sul palco prima - ma i musical dei film pre-Codice tendevano anche a presentare giovani "ragazze" del coro femminile formose che indossavano abiti succinti per le prove che ha rivelato parti del corpo che non erano ancora normali da vedere per strada e ha accennato ad altre parti in un modo che la moda normale non permetteva. Ma anche se questo potrebbe essere considerato un uso sfruttatore del corpo femminile, i musical cinematografici pre-Codice non erano generalmente dispregiativi nella loro presentazione delle virtù fisiche delle loro donne, ma celebrativi, con gli spettacolari numeri musicali di Busby Berkeley in particolare, e argutamente, così; Berkeley ha evitato di feticizzare le sue interpreti femminili.

Anche i "ragazzi" del coro erano generalmente esemplari ben costruiti, dall'aspetto sano e virili, ma anche così non ricevevano nemmeno lontanamente l'attenzione delle donne. Insieme alle ovvie esibizioni del potenziale sessuale maschile e femminile, e al flirt e al corteggiamento che ne derivano, i musical pre-Codice presentano l'energia e la vitalità dei loro giovani interpreti, così come le abilità comiche dei molti attori caratteristi più anziani di Hollywood , che sono stati spesso scelti come produttori, agenti, "angeli" di Broadway (sostenitori finanziari) e parenti ricchi avari, e hanno portato un tocco leggero, anche se spesso stereotipato, a questi film.

Alcuni musical pre-codice

Horror e fantascienza

A differenza delle immagini di sesso e crimine dell'era muta, i film horror muti, nonostante siano stati prodotti a centinaia, non sono mai stati una grande preoccupazione per i censori o i leader civici. Quando i film horror sonori sono stati rilasciati, tuttavia, hanno rapidamente causato polemiche. Il suono ha fornito "musica atmosferica ed effetti sonori, dialoghi macabri dalla voce inquietante e una dose generosa di urla agghiaccianti" che hanno intensificato i suoi effetti sul pubblico e, di conseguenza, sui crociati morali. Il Codice Hays non menzionava il raccapricciante e i registi hanno approfittato di questa svista. Tuttavia, le commissioni statali di solito non avevano linee guida fisse e potevano obiettare a qualsiasi materiale che trovassero indecente. Sebbene film come Frankenstein e Freaks abbiano causato polemiche quando sono stati rilasciati, erano già stati rimontati per conformarsi alla censura.

Boris Karloff in Frankenstein (1931). La brutalità del mostro ha scioccato molti spettatori, così come la dichiarazione del dottore che "Ora so cosa si prova ad essere Dio!" Al tempo di La sposa di Frankenstein (1935), il Codice era in pieno vigore.

Comprendendo i nascenti generi cinematografici di horror e fantascienza , il film da incubo provocava il terrore psicologico individuale nelle sue incarnazioni horror, mentre incarnava il terrore sociologico di gruppo nelle sue manifestazioni di fantascienza. I due principali tipi di film horror pre-Codice erano il singolo film di mostri e i film in cui masse di bestie orribili si alzavano e attaccavano i loro presunti superiori. Frankenstein e Freaks hanno esemplificato entrambi i generi.

Il ciclo dell'orrore pre-Codice era motivato da necessità finanziarie. La Universal in particolare si è sostenuta con la produzione di successi horror come Dracula (1931) e Frankenstein , poi ha seguito quei successi con Murders in the Rue Morgue (1932), The Mummy (1932) e The Old Dark House (1932). Altri grandi studi hanno risposto con le proprie produzioni. Proprio come il ciclo dei film polizieschi, tuttavia, l'intenso boom del ciclo dell'orrore era effimero ed era caduto al botteghino entro la fine dell'era pre-Codice.

Mentre Joy ha dichiarato Dracula "abbastanza soddisfacente dal punto di vista del Codice" prima della sua uscita, e il film ha avuto pochi problemi a raggiungere i cinema, Frankenstein era una storia diversa. New York, Pennsylvania e Massachusetts hanno rimosso la scena in cui il mostro annega involontariamente una bambina e le linee che facevano riferimento al complesso divino del dottor Frankenstein. Kansas , in particolare, si è opposto al film. La censura dello stato ha chiesto il taglio di 32 scene, che se rimosse, avrebbero dimezzato la durata del film.

Dr. Jekyll e Mr. Hyde (1931) della Paramount suonavano le teorie freudiane popolari tra il pubblico del suo tempo. Fredric March ha interpretato il personaggio del titolo dalla doppia personalità. Jekyll rappresentava il super-io composto e Hyde l' id lascivo . La civettuola cantante da bar di Miriam Hopkins , Ivy Pierson, stuzzica sessualmente Jekyll all'inizio del film mostrando parti delle sue gambe e del suo seno. Joy sentiva che la scena era stata "trascinata semplicemente per solleticare il pubblico". Hyde la costringe con la minaccia della violenza a diventare la sua amante e la picchia quando lei tenta di smettere di vederlo. È in contrasto con la sua sana fidanzata Muriel ( Rose Hobart ), la cui natura casta non soddisfa l'alter ego di March. Il film è considerato il "più onorato dei film horror pre-codice". Molte delle scene grafiche tra Hyde e Ivy sono state tagliate dalla censura locale a causa della loro suggestione. Il sesso era intimamente legato all'horror in molti film horror pre-Codice. Nel delitti della Rue Morgue , un adattamento di Edgar Allan Poe 's racconto classico che ha poco in comune con il materiale di origine, Bela Lugosi interpreta uno scienziato pazzo che torture e uccide le donne, cercando di mescolare sangue umano con il sangue della scimmia durante i suoi esperimenti . Il suo prezioso esperimento, una scimmia intelligente di nome Erik, irrompe nella finestra dell'appartamento al secondo piano di una donna e la violenta.

In Murders in the Rue Morgue (1932), l'ombra della mano della scimmia appare sopra la testa di Camille ( Sidney Fox ) mentre entra nella sua stanza. Quello che segue è stato soprannominato "meticciato interspecie" dallo storico del cinema Thomas Doherty.

In Freaks , il regista Tod Browning della fama di Dracula dirige un'immagine che raffigura un circo itinerante popolato da un gruppo di mostri deformi del carnevale. Browning ha popolato il film di veri e propri attori di carnevale tra cui "nani, nani, ermafroditi, gemelli siamesi e, cosa più orribile, l'uomo senza braccia e senza gambe pubblicizzato come il 'torso vivente'". C'è anche un gruppo di Pinheads, che sono raffigurati come fortunati in quanto non sono abbastanza capaci mentalmente da capire che disgustano le persone. Ma i personaggi veramente sgradevoli qui sono i cattivi, l'uomo forte del circo Hercules e la bella artista di filo alto Cleopatra, che intende sposare e avvelenare Hans, il nano erede innamorato di lei. A una cena che celebra la loro unione, uno dei mostri balla sul tavolo mentre cantano "gooble-gobble, gobble, gobble, uno di noi, uno di noi, la accettiamo, la accettiamo". Disgustata, Cleopatra insulta Hans e limona con Ercole davanti a lui. Quando i mostri scoprono la sua trama, si vendicano mutilando Cleopatra in un mostro. Sebbene i fenomeni da circo fossero comuni nei primi anni '30, il film fu la loro prima rappresentazione sullo schermo. Browning ha avuto cura di soffermarsi sulle riprese degli artisti deformi e disabili con lunghe riprese di loro tra cui uno del "busto vivente" che accende un fiammifero e poi una sigaretta con la bocca. Il film è stato accompagnato da una sensazionale campagna di marketing che poneva domande sessuali come "I gemelli siamesi fanno l'amore?", "Di che sesso è il mezzo uomo e mezzo donna?" e "Può una donna adulta amare davvero un nano? ?" Sorprendentemente, data la sua reazione a Frankenstein , lo stato del Kansas non si oppose a nulla in Freaks . Tuttavia, altri stati, come la Georgia, sono stati respinti dal film e non è stato mostrato in molti locali. Il film in seguito divenne un classico di culto stimolato dalle proiezioni di film di mezzanotte , ma fu una bomba al botteghino nella sua versione originale.

In L' isola delle anime perdute (1932), un adattamento del romanzo di fantascienza di HG Wells L'isola del dottor Moreau , Charles Laughton interpreta un altro scienziato pazzo con un complesso divino. Nei panni di Moreau, Laughton crea un'isola paradisiaca per uno scienziato pazzo, un paradiso non monitorato dove è libero di creare una razza di uomini-bestie e Lota, una donna-bestia che vuole accoppiare con un normale maschio umano. Un naufrago atterra sulla sua isola, offrendogli l'opportunità di vedere fino a che punto è arrivato il suo esperimento scientifico, l'attraente Lota appena vestita. Il naufrago scopre che Moreau sta vivisezionando uno degli uomini-bestia e tenta di lasciare l'isola. Corre nell'accampamento degli uomini-bestia e Moreau li respinge con una frusta. Il film termina con Lota morta, il naufrago salvato e gli uomini bestie che cantano: "Non siamo uomini?" mentre attaccano e poi vivisezionano Moreau. Il film è stato descritto come "A rich man's Freaks " a causa del suo stimato materiale originale. Wells, tuttavia, disprezzava il film per i suoi orribili eccessi. È stato rifiutato da 14 commissioni di censura locali negli Stati Uniti e considerato "contro natura" in Gran Bretagna, dove è stato vietato fino al 1958.

Film d'avventura esotici

Dolores del Río balla quasi in topless in Bird of Paradise (1932).

I film pre-codice contenevano un tema continuo e ricorrente del razzismo bianco. All'inizio degli anni '30, gli studios hanno girato una serie di immagini che miravano a fornire agli spettatori un senso dell'esotico, un'esplorazione dell'ignoto e del proibito. Queste immagini spesso si ispiravano al fascino del sesso interrazziale secondo lo storico pre-Codice Thomas Doherty. "Al centro psichico del genere c'è il brivido dell'attrazione sessuale, la minaccia e la promessa del meticciato". Film come Africa Speaks sono stati commercializzati direttamente facendo riferimento al sesso interrazziale; gli spettatori hanno ricevuto piccoli pacchetti etichettati "Segreti" che contenevano immagini di donne nere nude. Come rappresentazioni di condizioni storiche, questi film sono di scarso valore educativo, ma come artefatti che mostrano l'atteggiamento di Hollywood nei confronti della razza e delle culture straniere sono illuminanti. Il punto centrale di interesse in The Blonde Captive (1931), un film che descriveva una donna bionda rapita da una tribù selvaggia di aborigeni australiani, non era che fosse stata rapita, ma che le piace vivere in mezzo alla tribù. La mancanza di personaggi neri nei film evidenzia il loro status in Jim Crow America .

In Bird of Paradise , un uomo bianco americano ( Joel McCrea ) gode di una torrida relazione con una principessa polinesiana ( Dolores del Río ). Il film ha creato uno scandalo quando è uscito a causa di una scena con del Río che nuota nudo . Orson Welles ha detto che del Río ha rappresentato il più alto ideale erotico con la sua interpretazione nel film.

Il protagonista bianco di Tarzan, l'Uomo Scimmia (1932) è il "Re della giungla [africana]". Tarzan ( Johnny Weissmuller ) è una creatura della giungla seminuda monosillabica la cui attrattiva deriva dalla sua prestanza fisica; per tutto il film, salva Jane ( Maureen O'Sullivan ) dal pericolo e lei sviene tra le sue braccia. Quando il padre di Jane la avverte "[h] e non è come noi", lei risponde, "[h] e's white" come prova del contrario. Nel filante sequel del 1934, Tarzan e la sua compagna (l'ultima parola significa sia uno status che una funzione biologica), gli uomini arrivano dagli Stati Uniti con abiti eleganti e altri accessori per corteggiare e vestire Jane senza reggiseno, appena vestita, di nuovo interpretata da O'Sullivan, sperando di attirarla lontano dal selvaggio Tarzan. Detesta i vestiti più eleganti e li strappa di dosso. Il film includeva una scena di magro con ampia nudità con una controfigura al posto di O'Sullivan. Breen, allora capo della SRC, si oppose alla scena e MGM, il produttore del film, decise di portare il loro caso al comitato di revisione degli appelli. Il consiglio era composto dai capi di Fox, RKO e Universal. Dopo aver visto la scena "più volte", il consiglio si è schierato con Breen e l'MPPDA, e la scena è stata rimossa, ma la MGM ha comunque permesso che alcuni trailer non tagliati e alcune bobine rimanessero in circolazione. MGM ha commercializzato il film principalmente verso le donne utilizzando slogan come:

Ragazze! Vivresti come Eva se trovassi l'Adamo giusto?
I matrimoni moderni potrebbero imparare molto da questo dramma dell'accoppiamento primitivo nella giungla!
Se tutti i matrimoni fossero basati sull'istinto primitivo dell'accoppiamento, sarebbe un mondo migliore.

I personaggi etnici sono stati ritratti contro lo stereotipo in Massacre (1934). Il protagonista ( Richard Barthelmess ) è un nativo americano che si esibisce in uno spettacolo del selvaggio West in completo abito indiano, ma poi si infila in un completo e parla in slang americano una volta che lo spettacolo è finito. Ha un maggiordomo nero che è atipicamente intelligente; il suo personaggio si limita a suonare stupido scivolando in uno stereotipato personaggio "negro" arguto quando gli si addice, piuttosto che essere sinceramente poco intelligente.

Film come The Mask of Fu Manchu (1932), Shanghai Express (1932) e The Bitter Tea of ​​General Yen (1933), hanno esplorato l'esotismo dell'Estremo Oriente, utilizzando attori bianchi, non asiatici, nei ruoli principali. Gli attori bianchi sembravano spesso assurdi con il trucco giallo accanto a veri asiatici, quindi gli studios avrebbero scelto tutte le parti asiatiche bianche. In generale, gli stereotipi del " Pericolo giallo " dominavano la rappresentazione dei personaggi asiatici, che erano quasi sempre dei cattivi. Lo studioso americano Huang Yunte ha scritto che il personaggio di Charlie Chan, un detective cinese-americano aiutato dal suo goffo "Figlio numero uno" americanizzato, erano praticamente gli unici esempi positivi di personaggi asiatici a Hollywood in questo periodo. L'attrice Anna May Wong si lamentò in un'intervista del 1933 della prevalenza degli stereotipi del "pericolo giallo" a Hollywood dicendo: "Perché il cinese dello schermo è sempre il cattivo? E un cattivo così rozzo - omicida, traditore, un serpente nel erba! Non siamo così. Come potremmo esserlo, con una civiltà così tante volte più antica dell'Occidente?"

In Fu Manchu , Boris Karloff interpreta il malvagio scienziato pazzo e gangster cinese Dr. Fu Manchu, che vuole trovare la spada e la maschera di Gengis Khan , che gli daranno il potere di controllare le "innumerevoli orde" di asiatici e guidarli in battaglia contro l'Occidente. Fu è un deviante sessuale che si dedica alla tortura rituale e ha poteri occulti. Più volte, il film sembra suggerire che Fu sia impegnato in una relazione incestuosa con la sua altrettanto malvagia figlia Fah Lo See ( Myrna Loy ), che riproduce un tema centrale delle paure del "pericolo giallo", la presunta sessualità anormale degli asiatici. In una scena tagliata dal film a causa della sua rappresentazione del meticciato, il film mostra la figlia depravata di Fu che viola uno dei personaggi casti e buoni. Fu alla fine viene conquistato, ma non prima che abbia temporaneamente posato la mano sulla spada e abbia proclamato a un vasto esercito panasiatico composto da asiatici e musulmani: "Avreste delle fanciulle come questa [riferendosi a Karen Morley ] per le vostre mogli? Allora conquista e alleva! Uccidi l'uomo bianco e prendi le sue donne!"

Il signore della guerra cinese, il generale Henry Chang ( Warner Oland ) nel film Shanghai Express del 1932 viene presentato non solo come eurasiatico , ma come avente una minacciosa asessualità che lo pone al di fuori del mondo convenzionalmente definito della sessualità occidentale e dell'ordine razziale, rendendolo pericoloso ai personaggi occidentali che ha preso in ostaggio tanto quanto al fatto che è un feroce signore della guerra. Sebbene Chang sia eurasiatico, è orgoglioso della sua eredità cinese mentre rifiuta la sua eredità americana, il che conferma la sua identità orientale. La Cina dilaniata dalla guerra, circa 1931, è presentata come un "inferno", che un gruppo eterogeneo di occidentali deve attraversare in un viaggio in treno da incubo da Pechino a Shanghai , che prende una brutta piega quando il treno viene dirottato da Chang e il suo uomini. Il film suggerisce fortemente che Chang è bisessuale, che non solo vuole violentare l'eroina Shanghai Lily ( Marlene Dietrich ), ma anche l'eroe Capitano Donald "Doc" Harvey ( Clive Brook ). Quando il contrabbandiere di oppio tedesco Erich Baum ( Gustav von Seyffertitz ) insulta Chang, il risultato è una scena in cui il signore della guerra commette uno stupro simbolico, poiché il sadico Chang prova chiaramente piacere sessuale marchiando Baum con un attizzatoio rovente. Dopo essere stato marchiato (il simbolo della schiavitù), l'orgoglioso Baum diventa notevolmente intimidito e sottomesso nei confronti di Chang che in un certo senso ora lo "possiede", il che riflette l'ultima paura del Pericolo Giallo che gli occidentali diventino schiavi dell'Oriente e dei suoi sessualità "perversa". Più tardi, Chang ha effettivamente violentato Hui Fei ( Anna May Wong ). Gina Marchetti suggerisce che il desiderio di Chang di accecare Harvey non è solo inteso letteralmente, ma è anche una metafora della castrazione, che anche sotto il più permissivo codice di produzione in vigore nel 1932 sarebbe stato un argomento tabù. In netto contrasto con la sessualità contorta di Chang e il suo "smalto quasi effeminato", Harvey è presentato come un soldato decisamente eterosessuale, robusto e duro con una profonda vena romantica che ha più che ampiamente dimostrato la sua virilità nelle trincee della prima guerra mondiale , presentando un modello della mascolinità e della forza occidentali.

Più volte, il film suggerisce che Shanghai Lily e Hui Fei sono più che migliori amici, e sono infatti impegnati in una relazione lesbica, quindi quando il film finisce con Lily che sceglie Harvey come suo amante, questo serve come testamento al suo virile Sex appeal occidentale, che la "riscatta" dalla sua vita di prostituta. Allo stesso tempo che Shanghai Express abbraccia gli stereotipi del pericolo giallo attraverso il personaggio di Chang, li mina anche in una certa misura attraverso il personaggio di Hui, che viene mostrato piangere inconsolabilmente dopo essere stato violentato da Chang, il che le dà una certa umanità e consente pubblico a simpatizzare con lei. Hui è una cortigiana che è disprezzata da tutti i personaggi occidentali tranne che dalla sua migliore amica Lily a causa della sua razza e professione, ma mostra di possedere dignità e la volontà di difendersi. Diverse scene sembravano suggerire che Shanghai Lily e Hui siano più attratti l'uno dall'altro che dal Capitano Harvey poiché le due donne si scambiano sguardi desiderosi più di una volta, il che potrebbe suggerire che la sessualità di Hui non è del tutto normale (la maggior parte delle persone nel 1932 considerata innaturale la bisessualità). Ad un certo punto, Hui indossa un vestito aderente cheongsam, che rivela chiaramente i suoi capezzoli eretti, che catturano sicuramente l'interesse di Lily. La stessa critica potrebbe essere applicata a Lily, ma il film termina con Lily che abbraccia l'amore eterosessuale baciando Harvey mentre Hui se ne va da sola in lontananza, più triste per aver perso la sua migliore amica con Harvey e perché è stata violentata, ma per il resto immutata . Infine, è Hui che salva Harvey nel climax dall'essere accecato/stuprato/castrato per mano di Chang uccidendo Chang; Hui spiega l'uccisione come il suo modo per riguadagnare il rispetto di sé che Chang le aveva tolto.

Frank Capra 's L'amaro tè del generale Yen non era lo stesso tipo di film: Stanwyck gioca un missionario che va alla guerra civile dilaniato dalla Cina e incontra il generale titolare (interpretato da Nils Asther ), dopo la sua auto uccide il conducente di il suo risciò . Quando perde i sensi in una sommossa, la porta fuori dalla plebaglia e la porta su un vagone. Ha sogni luridi, a tema horror e simbolici sul Generale, in cui è allo stesso tempo titilata e respinta da lui. Il film rompe i precedenti sviluppandosi in una storia d'amore interrazziale, ma il suo esercito finisce in rovina. Yen si uccide alla conclusione del film, bevendo tè avvelenato, piuttosto che essere catturato e ucciso. Capra ha adorato la sceneggiatura e ha ignorato il rischio di fare un film che violasse le leggi della California (e di altri 29 stati) sulla rappresentazione del meticciato. Il direttore della fotografia Joseph Walker ha testato una nuova tecnica da lui creata, che ha soprannominato "Variable Diffusion", durante le riprese del film. Ciò ha reso l'intera immagine con una messa a fuoco molto morbida .

Cinegiornali e documentari

Dal 1904 al 1967, quando finalmente la televisione li uccise, i cinegiornali precedettero i film. All'inizio dell'era dei film sonori, duravano circa otto minuti e contenevano momenti salienti e clip delle più grandi storie del mondo. Aggiornati due volte alla settimana dai cinque maggiori studios, diventarono un'impresa altamente redditizia: nel 1933, i cinegiornali ebbero un incasso totale al botteghino di quasi $ 19,5 milioni contro un esborso di meno di $ 10 milioni. L'era del film sonoro ha creato il narratore; tra i primi c'era Graham McNamee , che ha fornito la voce fuori campo durante le clip, offrendo spesso battute trite mentre delineava l'azione sullo schermo. Interviste e monologhi sonori per cinegiornali presentavano soggetti famosi non abituati al nuovo mezzo. Queste clip hanno cambiato la percezione pubblica di importanti personaggi storici a seconda della loro elocuzione, del suono delle loro voci precedentemente inascoltate e della loro compostezza davanti alla telecamera. Circa 12 "cinegiornali" furono presto creati negli Stati Uniti, il maggior successo fu l'Embassy Newsreel Theatre a Broadway . L'Ambasciata era una struttura da 578 posti che presentava quattordici programmi di 45-50 minuti al giorno, dalle 10 del mattino fino a mezzanotte. Era noto per il suo pubblico attento e intellettuale, molti dei quali non frequentavano le sale cinematografiche.

Niente di nuovo sul fronte occidentale (1930), uno dei primi film americani a ritrarre gli orrori della prima guerra mondiale , ricevette grandi elogi dal pubblico per il suo messaggio umanitario e contro la guerra.

La notizia più avvincente dell'era pre-Codice fu il rapimento del bambino Lindbergh la sera del 1 marzo 1932. Poiché il bambino era già enormemente famoso prima del rapimento, l'evento creò un circo mediatico, con una copertura di notizie più intensa di qualsiasi cosa dalla prima guerra mondiale. I cinegiornali con foto di famiglia del bambino (la prima volta che le foto private erano state "costituite per il servizio pubblico") chiedevano agli spettatori di riferire di qualsiasi sua vista. Il 12 maggio 1932, il corpo del bambino fu trovato a meno di cinque miglia dalla casa di Lindbergh. Sebbene i cinegiornali coprissero gli argomenti più importanti della giornata, presentavano anche storie di interesse umano (come la copertura immensamente popolare dei cinque gemelli Dionne ) e notizie di intrattenimento, a volte in modo più dettagliato rispetto a questioni politiche e sociali più urgenti.

Parte dell'impatto delle immagini smentisce la loro accuratezza storica; quasi tutte le cerimonie e gli eventi pubblici che sono stati filmati per i cinegiornali nella prima era sonora sono stati messi in scena, e in alcuni casi anche rimessi in scena. Ad esempio: quando FDR ha firmato un disegno di legge importante, un membro del suo gabinetto è stato allontanato prima che iniziasse la messa in scena della rievocazione, quindi il film lo mostra assente al momento della firma, sebbene fosse presente. I cinegiornali di FDR sono stati messi in scena per nascondere la sua andatura zoppicante causata dalla poliomielite. Intrappolati tra il desiderio di presentare notizie accurate e incisive e la necessità di mantenere il pubblico nell'umore per l'intrattenimento imminente, i cinegiornali hanno spesso attenuato le difficoltà che gli americani hanno dovuto affrontare durante i primi anni della Grande Depressione. FDR in particolare ricevette un trattamento favorevole da Hollywood, con tutti e cinque i principali studi che producevano cortometraggi pro-FDR entro la fine del 1933. Questi cortometraggi presentavano alcuni dei talenti a contratto minori degli studi che esaltavano le virtù dei programmi governativi e sociali creati da FDR. Lo stesso Roosevelt era un naturale davanti alla telecamera. I cinegiornali sono stati fondamentali per il successo della sua campagna iniziale e per la sua duratura popolarità mentre era in carica. È stato descritto da Variety come il "Barrymore della capitale".

Approfittando di 30 anni di cinegiornali archiviati, i registi realizzavano i primi documentari dell'era del suono. La prima guerra mondiale era un argomento popolare di queste immagini ed è stata oggetto di numerosi documentari tra cui The Big Drive (1933), World in Revolt (1933), This is America (1933), Hell's Holiday (1933) e il preveggente titolo The Prima guerra mondiale (1934) - il documentario di maggior successo critico e commerciale dell'epoca.

I registi hanno anche realizzato lungometraggi documentari che hanno coperto i recessi oscuri del globo, tra cui la foresta pluviale amazzonica , gli insediamenti dei nativi americani , le isole del Pacifico e ovunque nel mezzo. Sfruttando gli impulsi voyeuristici del pubblico, aiutati dalla concessione della nudità nei documentari tribali, le riprese di terre non toccate dalla modernità e la presentazione di luoghi mai girati prima, questi film hanno placato il pubblico americano dell'era della depressione mostrando loro stili di vita più difficili del loro possedere. Sono state catturate anche spedizioni artiche in film come 90° South e With Byrd at the South Pole , e l' Africa sub-sahariana nei film safari di Martin e Osa Johnson , tra gli altri.

Alcuni documentari in stile sfruttamento pretendevano di mostrare eventi reali ma erano invece messi in scena, elaborati stratagemmi. Il più importante di questi è stato Ingagi (1931), un film che sosteneva di mostrare un rituale in cui le donne africane venivano consegnate ai gorilla come schiave del sesso, ma invece è stato girato principalmente a Los Angeles usando neri locali al posto dei nativi. Douglas Fairbanks ha deriso la falsità di molti documentari pre-Codice nella sua parodia Il giro del mondo in 80 minuti con Douglas Fairbanks , in una scena in cui si è filmato mentre lotta con una bambola di tigre di pezza, poi un tappeto di pelle di tigre. Di fronte a questi film c'era il diario di viaggio che veniva mostrato prima dei lungometraggi e fungeva da breve e sdolcinata forma di turismo cinematografico.

Inizio dell'era del Codice (1 luglio 1934)

Pre-codice: "Non fare" e "Fai attenzione", come proposto nel 1927

Il Codice enumera una serie di punti chiave noti come "Non fare" e "Fai attenzione":

Risolto, che le cose che sono incluse nel seguente elenco non devono apparire nelle immagini prodotte dai membri di questa Associazione, indipendentemente dal modo in cui sono trattati:

  • Profanità appuntita - sia per titolo che per labbra - questo include le parole "Dio", "Signore", "Gesù", "Cristo" (a meno che non vengano usate con riverenza in relazione a cerimonie religiose appropriate), "inferno", "dannazione", "Gawd", e ogni altra espressione profana e volgare comunque si possa pronunciare;
  • Qualsiasi nudità licenziosa o suggestiva – di fatto o in silhouette; e qualsiasi avviso lascivo o licenzioso da parte di altri personaggi nella foto;
  • Il traffico illegale di stupefacenti;
  • Qualsiasi inferenza di perversione sessuale;
  • schiavitù bianca ;
  • Mescolanza (rapporti sessuali tra le razze bianche e nere);
  • Igiene sessuale e malattie veneree;
  • Scene di parto vero e proprio – di fatto o in silhouette;
  • Organi sessuali dei bambini;
  • ridicolo del clero;
  • Offesa intenzionale a qualsiasi nazione, razza o credo;

E si risolva ulteriormente, che si eserciti una cura speciale nel modo in cui sono trattati i seguenti argomenti, al fine che la volgarità e la suggestione possano essere eliminate e che il buon gusto possa essere enfatizzato:

  • L'uso della bandiera;
  • Relazioni internazionali (evitando di immaginare in una luce sfavorevole la religione, la storia, le istituzioni, le persone importanti e la cittadinanza di un altro paese);
  • Incendio doloso;
  • L'uso di armi da fuoco;
  • Furto, rapina, scassinamento e dinamitaggio di treni, miniere, edifici, ecc. (tenendo presente l'effetto che una descrizione troppo dettagliata di questi può avere sull'idiota );
  • Brutalità e possibile raccapricciante;
  • Tecnica per commettere un omicidio con qualsiasi metodo;
  • Metodi di contrabbando;
  • Metodi di terzo grado ;
  • Impiccagioni o elettrocuzioni effettive come punizione legale per il crimine;
  • Simpatia per i criminali;
  • Atteggiamento verso i personaggi e le istituzioni pubbliche;
  • sedizione ;
  • Apparente crudeltà verso bambini e animali;
  • Branding di persone o animali;
  • La vendita delle donne, o di una donna che vende la sua virtù;
  • Stupro o tentato stupro;
  • Scene della prima notte ;
  • Uomo e donna a letto insieme;
  • Seduzione deliberata delle ragazze;
  • L'istituzione del matrimonio;
  • operazioni chirurgiche;
  • L'uso di droghe;
  • Titoli o scene che hanno a che fare con forze dell'ordine o agenti di polizia;
  • Baci eccessivi o lussuriosi, in particolare quando un personaggio o l'altro è un " pesante ".

I film pre-codice iniziarono a suscitare l'ira di vari gruppi religiosi, alcuni protestanti ma soprattutto un contingente di crociati cattolici romani. Amleto Giovanni Cicognani , delegato apostolico presso la Chiesa cattolica negli Stati Uniti, ha invitato i cattolici romani negli Stati Uniti a unirsi contro la crescente immoralità dei film. Di conseguenza, nel 1933 fu istituita la Catholic Legion of Decency, guidata dal reverendo John T. McNicholas (in seguito ribattezzata National Legion of Decency ), per controllare e far rispettare gli standard di decenza e boicottare i film ritenuti offensivi. Hanno creato un sistema di classificazione per i film che iniziavano con "innocuo" e finivano con "condannato", con quest'ultimo che denotava un film che era un peccato da guardare.

Desidero unirmi alla Legion of Decency, che condanna le immagini in movimento vili e malsane. Mi unisco a tutti coloro che protestano contro di loro come una grave minaccia per i giovani, per la vita familiare, per la patria e per la religione. Condanno assolutamente quei film salaci che, con altre agenzie degradanti, stanno corrompendo la morale pubblica e promuovendo una mania sessuale nella nostra terra ... Considerando questi mali, prometto con la presente di rimanere lontano da tutti i film tranne quelli che non offendono la decenza e morale cristiana.

—  Impegno della legione cattolica della decenza

La Legione ha spronato diversi milioni di cattolici romani negli Stati Uniti ad aderire al boicottaggio, consentendo ai leader religiosi locali di determinare quali film protestare. I protestanti conservatori tendevano a sostenere gran parte della repressione, in particolare nel sud, dove non era possibile descrivere qualsiasi cosa relativa allo stato delle relazioni razziali o al meticciato. Sebbene la Conferenza centrale dei rabbini americani si unisse alla protesta, si trattava di un'alleanza difficile data la pesante presenza di dirigenti e produttori di studi ebrei, che, si sentiva, aveva ispirato almeno una parte del vetriolo dei gruppi cattolici.

Hays si è opposto alla censura diretta, considerandola "non americana". Aveva affermato che, sebbene secondo lui ci fossero alcuni film di cattivo gusto, lavorare con i registi era meglio della supervisione diretta e che, nel complesso, i film non erano dannosi per i bambini. Hays ha incolpato alcuni dei film più pruriginosi dei difficili periodi economici che hanno esercitato "una tremenda pressione commerciale" sugli studios più che una violazione del codice. I gruppi cattolici si infuriarono con Hays e già nel luglio 1934 chiedevano che si dimettesse dalla sua posizione, cosa che non fece, anche se la sua influenza svanì e Breen prese il controllo, con Hays che divenne un funzionario.

Il sigillo di approvazione PCA negli anni '30. Il Sigillo è apparso prima di ogni immagine approvata dall'MPPDA.

Il Payne Study and Experiment Fund è stato creato nel 1927 da Frances Payne Bolton per sostenere uno studio sull'influenza della narrativa sui bambini. Anche i Payne Fund Studies , una serie di otto libri pubblicati dal 1933 al 1935 che descrivevano cinque anni di ricerche mirate specificamente agli effetti del cinema sui bambini, stavano guadagnando pubblicità in questo periodo e divennero una grande preoccupazione per Hays. Hays aveva detto che certe immagini potevano alterare "... quella cosa sacra, la mente di un bambino ... quella cosa pulita, vergine, quello stato senza segni" e avere "la stessa responsabilità, la stessa cura per la cosa che le è stata posta sopra che il miglior sacerdote o l'insegnante più ispirato avrebbe." Nonostante la sua accoglienza iniziale, i principali risultati dello studio erano in gran parte innocui. Ha scoperto che l'effetto del cinema sugli individui variava con l'età e la posizione sociale e che le immagini rafforzavano le credenze esistenti del pubblico. Il Motion Picture Research Council (MPRC, guidato dal vicepresidente onorario Sara Delano Roosevelt (madre del presidente Franklin D. Roosevelt) e dal direttore esecutivo il reverendo William H. Short) che ha finanziato lo studio, non è stato contento. Un "riassunto allarmista" dei risultati dello studio scritto da Henry James Forman è apparso su McCall's , una delle principali riviste femminili dell'epoca, e il libro di Forman, Our Movie Made Children , che è diventato un best-seller, ha pubblicizzato i risultati del Payne Fund, sottolineando la sua aspetti più negativi.

L'ambiente sociale creato dalla pubblicità del Payne Fund Studies e dalle proteste religiose raggiunse un tale culmine che un membro dell'Ufficio Hays lo descrisse come uno "stato di guerra". Tuttavia, giornali tra cui The Plain Dealer ( Cleveland ), New Orleans Times Picayune , Chicago Daily News , Atlanta Journal , Saint Paul Dispatch , Philadelphia Record e Public Ledger , Boston American e New York's Daily News , Daily Mirror e Evening Post tutti criticato gli studi. Nel discutere la decisione del 1915 della Corte Suprema, lo storico del cinema Gregory Black sostiene che gli sforzi dei riformatori avrebbero potuto essere ridotti se "i registi fossero stati disposti a produrre film per un pubblico specializzato (solo adulti, famiglia, senza bambini) ... dell'industria voleva o aveva bisogno del più grande mercato possibile." Le immagini più provocanti erano le più redditizie, con il 25% della produzione dell'industria cinematografica che era la più sensazionale che sosteneva il 75% più pulito.

Nel 1932, c'era un movimento crescente per il controllo del governo. A metà del 1934, quando il cardinale Dougherty di Filadelfia chiese il boicottaggio cattolico di tutti i film e Raymond Cannon stava preparando in privato un disegno di legge del Congresso sostenuto sia dai democratici che dai repubblicani che avrebbe introdotto la supervisione del governo, gli studios decisero che ne avevano avuto abbastanza. Hanno riorganizzato le procedure di esecuzione dando a Hays e al recentemente nominato Joseph I. Breen , un devoto cattolico romano, capo della nuova amministrazione del codice di produzione (PCA), un maggiore controllo sulla censura. Gli studios hanno accettato di sciogliere il loro comitato di appello e di imporre una multa di $ 25.000 per la produzione, la distribuzione o l'esposizione di qualsiasi film senza l'approvazione della PCA. Hays aveva originariamente assunto Breen, che aveva lavorato nelle pubbliche relazioni, nel 1930 per gestire la pubblicità del Codice di produzione, e quest'ultimo era popolare tra i cattolici. Joy iniziò a lavorare esclusivamente per i Fox Studios e Wingate era stato scavalcato a favore di Breen nel dicembre 1933. Hays divenne un funzionario, mentre Breen si occupò dell'attività di censura dei film.

Breen inizialmente aveva pregiudizi antisemiti, ed è stato citato come affermando che gli ebrei "sono, probabilmente, la feccia della terra". Quando Breen morì nel 1965, la rivista specializzata Variety dichiarò: "Più di ogni singolo individuo, ha plasmato la statura morale del cinema americano". Sebbene l'impatto della Legione sull'applicazione più efficace del Codice sia indiscutibile, la sua influenza sulla popolazione in generale è più difficile da valutare. Uno studio condotto da Hays dopo che il Codice è stato finalmente implementato completamente ha scoperto che il pubblico stava facendo l'esatto contrario di ciò che la Legione aveva raccomandato. Ogni volta che la Legione protestava contro un film, ciò significava un aumento delle vendite dei biglietti; non sorprende che Hays tenesse per sé questi risultati e non furono rivelati fino a molti anni dopo. A differenza delle grandi città, i boicottaggi nelle città più piccole erano più efficaci e i proprietari dei teatri si lamentavano delle molestie che ricevevano quando proiettavano film osceni.

Molti attori e attrici, come Edward G. Robinson, Barbara Stanwyck e Clark Gable, hanno continuato la loro carriera a ritmo sostenuto dopo l'entrata in vigore del Codice. Tuttavia, altri, come Ruth Chatterton (che si trasferì in Inghilterra intorno al 1936) e Warren William (che morì relativamente giovane negli anni '40), che eccellevano in questo periodo, sono per lo più dimenticati oggi.

Effetti del Codice

Scene come questa, in cui un uomo sta per baciare una donna a letto in camicia da notte, ( Warren William e Ann Dvorak in Three on a Match del 1932 ) erano vietate dal codice di produzione. Dopo il 1934, una scena come questa non sarebbe apparsa in un film di Hollywood per decenni.

Censori come Martin Quigley e Joseph Breen hanno capito che:

un codice dell'industria privata, rigorosamente applicato, è più efficace della censura governativa come mezzo per imporre dogmi religiosi. È segreto, per prima cosa, operare nella fase di pre-produzione. Il pubblico non sa mai cosa è stato tagliato, tagliato, rivisto o mai scritto. Dall'altro, è uniforme, non soggetto a centinaia di diversi standard di licenza. Infine, e più importante, la censura privata può essere più radicale nelle sue richieste, perché non è vincolata da un giusto processo costituzionale o da regole di libera espressione - in generale, queste si applicano solo al governo - o dal comando della separazione chiesa-stato. .. non c'è dubbio che il cinema americano oggi sia molto più libero rispetto ai tempi d'oro del Codice, quando la matita blu di Joe Breen e l'onnipresente minaccia di boicottaggio della Legion of Decency si unirono per assicurare che i film aderissero alla dottrina della Chiesa cattolica.

Definito da Breen come "Valore morale compensatore", la massima era che "ogni tema deve contenere almeno un bene sufficiente nella storia per compensare e contrastare qualsiasi male che si riferisce". Hollywood potrebbe presentare un comportamento malvagio, ma solo se fosse sradicato entro la fine del film, "con i colpevoli puniti e il peccatore redento".

Lo studioso del pre-codice Thomas Doherty ha riassunto gli effetti pratici:

Anche per i guardiani morali della dedizione di Breen, tuttavia, la censura cinematografica può essere un affare complicato. Le immagini devono essere tagliate, i dialoghi sovraincisi o cancellati, i messaggi espliciti e le implicazioni sottili asportate da quella che l'argot della critica cinematografica chiama la " diegesi ". In parole povere, la diegesi è il mondo del film, l'universo abitato dai personaggi esistenti nel paesaggio del cinema. Gli elementi "diegetici" sono vissuti dai personaggi del film e (vicariamente) dallo spettatore; Gli elementi "non diegetici" sono appresi dal solo spettatore. ... Il compito del censore cinematografico è quello di pattugliare la diegesi, tenendo d'occhio e ascoltando immagini, linguaggi e significati che dovrebbero essere banditi dal mondo del cinema. ... La parte più semplice del compito è collegare i punti e collegare ciò che è visivamente e verbalmente vietato per nome. ... Più impegnativo è il lavoro di analisi testuale e riabilitazione narrativa che discerne e reindirizza lezioni nascoste e significati morali.

Shirley Temple , una stella nascente nel 1934, è stata pubblicizzata come "un'attrazione che servirà come risposta a molti degli attacchi che vengono scagliati contro le immagini".

I censori ampliarono così la loro giurisdizione da ciò che era visto a ciò che era implicito nella mente dello spettatore. In The Office Wife (1930), molte delle manovre di svestizione di Joan Blondell erano severamente vietate e l'immagine implicita dell'attrice nuda appena fuori dallo schermo era ritenuta troppo suggestiva anche se si affidava al pubblico che usava la propria immaginazione, quindi post- Le versioni in codice del film avevano scene sfocate o rese indistinte, se consentite del tutto.

In seguito alla decisione del 1 luglio 1934 degli studios di mettere il potere sulla censura cinematografica nelle mani di Breen, è apparso in una serie di clip di cinegiornali che promuovono il nuovo ordine degli affari, assicurando agli americani che l'industria cinematografica sarebbe stata ripulita dal "volgare , l'economico e il pacchiano" e che le immagini sarebbero diventate "un intrattenimento vitale e salutare". Tutti gli script ora sono passati attraverso la PCA e diversi film in programmazione nei cinema sono stati ritirati.

Il primo film censurato da Breen in fase di produzione è stato il film di Joan Crawford-Clark Gable Forsaking All Others . Sebbene i produttori cinematografici indipendenti abbiano giurato che "non avrebbero pensato a Mr. Joe Breen oa qualsiasi cosa rappresenti", hanno ceduto sulla loro posizione entro un mese dalla realizzazione. I maggiori studios possedevano ancora la maggior parte dei teatri di successo del paese e capi di studio come Harry Cohn della Columbia Pictures avevano già accettato di smettere di fare film indecenti. In diverse grandi città il pubblico ha fischiato quando il sigillo di produzione è apparso prima dei film. Ma la Chiesa cattolica ne fu compiaciuta, e nel 1936 papa Pio XI dichiarò che l'industria cinematografica statunitense "ha riconosciuto e accetta le sue responsabilità di fronte alla società". La Legione condannò zero film prodotti dall'MPPDA tra il 1936 e il 1943.

Una ripresa casuale nelle fortune di diversi studi è stata pubblicamente spiegata dai sostenitori del Codice come il Motion Picture Herald come prova positiva che il codice stava funzionando. Un'altra fortunata coincidenza per i sostenitori del Codice è stato il torrente di famosi criminali come John Dillinger , Baby Face Nelson e Bonnie e Clyde che sono stati uccisi dalla polizia poco dopo che la PCA ha preso il potere. I cadaveri dei fuorilegge sono stati mostrati nei cinegiornali di tutto il paese, insieme a clip di Al Capone e Machine Gun Kelly ad Alcatraz . Tra gli aspetti indiscutibilmente positivi dell'applicazione del Codice c'era il denaro che ha risparmiato agli studios nel dover modificare, tagliare e alterare i film per ottenere l'approvazione dai vari consigli di stato e censori. Il denaro risparmiato era di milioni ogni anno. Un'ondata di film per famiglie più salutari con attori come Shirley Temple è decollata.

Star come James Cagney hanno ridefinito le loro immagini. Cagney ha interpretato una serie di patrioti e il suo gangster in Angels with Dirty Faces (1937) agisce intenzionalmente come un codardo quando viene giustiziato in modo che i bambini che lo ammiravano smettessero di ammirarlo. Breen in sostanza ha castrato Groucho Marx, rimuovendo la maggior parte delle sue battute che facevano direttamente riferimento al sesso, anche se alcuni riferimenti sessuali sono passati inosservati nelle immagini post-Codice dei Fratelli Marx. In ambito politico, film come Mr. Smith Goes to Washington (1939) in cui James Stewart cerca di cambiare il sistema americano dall'interno riaffermandone i valori fondamentali, sono in netto contrasto con Gabriel Over the White House, dove è necessario un dittatore per curare i guai dell'America.

Alcuni film pre-Codice hanno subito danni irreparabili a causa della censura dopo il 1934. Quando gli studios hanno tentato di ripubblicare film degli anni '20 e dei primi anni '30, sono stati costretti a effettuare tagli estesi. Film come Mata Hari (1931), Arrowsmith (1931), Shopworn (1932), Dr. Monica (1934) e Horse Feathers (1932) esistono solo nelle loro versioni censurate. Molti altri film sono sopravvissuti intatti perché erano troppo controversi per essere ripubblicati, come The Maltese Falcon (1931), che è stato rifatto un decennio dopo con lo stesso nome, e quindi non sono mai stati modificati i loro negativi principali. Nel caso di Convention City (1933), che Breen non avrebbe permesso di ripubblicare in nessuna forma, l'intero film rimane mancante. Anche se si dice che tutte le stampe e i negativi siano stati distrutti da Jack Warner alla fine degli anni '30, ulteriori ricerche mostrano che il negativo era nei caveau fino al 1948, quando fu buttato via a causa della decomposizione dei nitrati.

Dopo il codice

Il codice di produzione continuò a essere applicato, ma durante il periodo che precedette la seconda guerra mondiale , gli studios di Hollywood iniziarono a preoccuparsi che l'adesione al codice avrebbe ridotto i loro profitti all'estero dall'Europa. Allo stesso tempo, Hays ha messo in guardia contro i film utilizzati per scopi di propaganda .

Hays si è dimesso nel 1945, dopo 24 anni come capo censore di Hollywood, ma è rimasto un consigliere. Il suo successore, Eric Johnston , ha rinominato l'associazione come Motion Picture Association of America (MPAA). Nel 1956 ha curato la prima grande revisione del Codice di Produzione da quando è stato creato nel 1930. Questa revisione ha permesso il trattamento di alcuni argomenti prima vietati, tra cui l'aborto e l'uso di stupefacenti, purché fossero "all'interno del limiti del buon gusto”. Allo stesso tempo, le revisioni hanno aggiunto una serie di nuove restrizioni al codice, inclusa la messa al bando della rappresentazione della blasfemia e degli omicidi per pietà nei film.

Johnston morì nel 1963 e, dopo tre anni di ricerca, gli successe nel 1966 Jack Valenti , ex aiutante del presidente Lyndon Johnson . Nel novembre 1968, Valenti sostituì il Codice di produzione con un sistema di valutazione volontaria dei film , al fine di limitare la censura dei film di Hollywood e fornire ai genitori informazioni sull'adeguatezza dei film per bambini. Oltre alle preoccupazioni sulla protezione dei bambini, Valenti ha dichiarato nella sua autobiografia che ha cercato di garantire che i registi americani potessero produrre i film che volevano, senza la censura che esisteva ai sensi del Codice di produzione in vigore dal 1934. Il sistema di valutazione è stato approvato alcune modifiche, ma rimane in vigore oggi.

Proiezioni contemporanee

Nel 1980, New York City Film Forum programmatore Bruce Goldstein tenuto il primo festival che caratterizzano i film pre-Code. Goldstein è anche accreditato dal critico cinematografico di San Francisco Mick LaSalle come la persona che ha portato il termine "pre-Codice" nell'uso generale.

L'UCLA ha trasmesso diverse serie di film pre-Codice durante gli anni 2000, mostrando film che non si vedevano da decenni e non erano disponibili in home video.

Nel 2014, il British Film Institute ha condotto una stagione di 21 film intitolata Hollywood Babylon: Early Talkies Before the Censors , al BFI Southbank .

Video casalingo

Negli anni '90, MGM ha rilasciato diversi film pre-Codice su laserdisc e VHS. "The Forbidden Hollywood Collection" includeva: Baby Face ; La bellezza e il capo ; Ragazza di grandi affari ; Evento benedetto ; Bionda Pazzo ; Bomba ; Danza, sciocchi, danza ; Ingresso dipendenti ; Ex-Signora ; femmina ; le vedove dell'Avana ; Eroi in vendita ; illecito ; Ho il tuo numero ; Signore di cui parlano ; signora assassino ; Signora Satana ; Infermiera notturna ; Le nostre figlie danzanti ; Le nostre fanciulle moderne ; Il Prezzo di Acquisto ; Donna dai capelli rossi ; alba scarlatta ; Anime del grattacielo ; Lo strano amore di Molly Louvain ; Lo chiamano peccato ; e Tre su una partita .

La carica sessuale Baby Face (1933) interpretato da Barbara Stanwyck , che "ha avuto esso e reso esso paga".

MGM/UA e Turner Classic Movies hanno anche pubblicato altri film pre-Codice come The Divorcee , Doctor X , A Free Soul , Little Caesar , Mystery of the Wax Museum , Possessed , The Public Enemy , Red Dust (rifatto nel 1953 come Mogambo ) e Riptide sotto altre etichette.

Nel 1999, il Roan Group/Troma Entertainment ha pubblicato due raccolte di DVD pre-Code: Pre-Code Hollywood: The Risqué Years #1 , con Of Human Bondage , Millie and Kept Husbands , e Pre-Code Hollywood 2 , con Bird of Paradise e La Signora Rifiuta .

La Warner Bros. Home Video ha rilasciato alcuni dei suoi film pre-Codice su DVD sotto il banner di Forbidden Hollywood . Ad oggi sono usciti 10 volumi:

Universal Home Video ha seguito l'esempio con il cofanetto Pre-Code Hollywood Collection: Universal Backlot Series (7 aprile 2009). Include The Cheat , Merrily We Go to Hell , Hot Saturday , Torch Singer , Murder at the Vanities e Search for Beauty , insieme a una copia dell'intero Hays Code.

Ci sono state numerose uscite di DVD-R fabbricati su richiesta , con la Warner che ha anche emesso vari pre-codificatori individualmente e come set di due film tramite la loro impronta Warner Archive Collection . Questi includono:

Turner ha anche rilasciato MOD DVD-R, tra cui:

Guarda anche

Riferimenti

Appunti

Fonti

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Ulteriori letture

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