Gioca (teatro) - Play (theatre)

Una performance di Macbeth (2018)

Un'opera teatrale è un'opera teatrale , di solito costituita principalmente da dialoghi tra personaggi e destinata alla rappresentazione teatrale piuttosto che alla semplice lettura . Lo scrittore di una commedia è un drammaturgo .

Gli spettacoli vengono rappresentati a vari livelli, dal West End di Londra e Broadway a New York City - che sono il livello più alto di teatro commerciale nel mondo di lingua inglese - al teatro regionale , al teatro di comunità , nonché alle produzioni universitarie o scolastiche . Un'opera teatrale è un'opera teatrale eseguita, e scritta per essere eseguita, sul palco piuttosto che trasmessa o trasformata in un film. Gli spettacoli teatrali sono quelli eseguiti su qualsiasi palcoscenico davanti a un pubblico. Ci sono rari drammaturghi, in particolare George Bernard Shaw , che hanno avuto poca preferenza sul fatto che le loro opere fossero rappresentate o lette. Il termine "spettacolo" può riferirsi sia ai testi scritti dei drammaturghi sia alla loro rappresentazione teatrale completa.

Commedia

Le commedie sono commedie progettate per essere umoristiche. Le commedie sono spesso piene di commenti spiritosi, personaggi insoliti e circostanze strane. Alcune commedie sono orientate a fasce di età diverse. Le commedie erano uno dei due tipi di gioco originali dell'antica Grecia , insieme alle tragedie. Un esempio di una commedia sarebbe William Shakespeare gioco s' Sogno di una notte di mezza estate , o per un esempio più moderno le scenette da Sabato Night Live .

Palcoscenico

Un genere di gioco generalmente privo di senso, le farse sono spesso recitate e spesso implicano umorismo. Un esempio di una farsa comprende commedia di William Shakespeare La commedia degli errori , o di Mark Twain 's gioco È morto? .

Satirico

Un gioco di satira dà uno sguardo comico agli eventi attuali, mentre allo stesso tempo tenta di fare una dichiarazione politica o sociale, ad esempio sottolineando la corruzione . Un esempio di una satira sarebbe Nikolai Gogol 's L'ispettore generale e di Aristofane ' Lisistrata . Le commedie di satira sono generalmente una delle forme più popolari di commedia e spesso considerate del tutto un genere a sé stante.

Commedia del restauro

La commedia della restaurazione è un genere che ha esplorato le relazioni tra uomini e donne ed è stato considerato a suo tempo osé. I personaggi presenti nella commedia del restauro includevano stereotipi di ogni tipo, e questi stessi stereotipi sono stati trovati nella maggior parte delle commedie di questo genere, tanto che la maggior parte delle commedie erano molto simili nel messaggio e nel contenuto. Tuttavia, poiché la commedia del restauro si occupava di aspetti non detti delle relazioni, creava un tipo di connessione tra pubblico e spettacolo che era più informale e privato.

È comunemente accettato che la commedia del restauro abbia origini nelle teorie della commedia di Molière , ma differisca per intenzione e tono. L'incoerenza tra la morale della commedia restaurativa e la morale dell'epoca è qualcosa che emerge spesso durante lo studio di questo genere. Questo può dare indizi sul perché, nonostante il suo successo originale, la commedia del restauro non durò a lungo nel diciassettesimo secolo. Tuttavia, negli ultimi anni, è diventato un argomento di interesse per i teorici del teatro, che hanno esaminato stili teatrali che hanno le proprie convenzioni di rappresentazione.

Tragedia

Questi giochi contengono temi più oscuri come la morte e il disastro. Spesso il protagonista della commedia ha un difetto tragico , un tratto che porta alla sua rovina. I drammi tragici trasmettono tutte le emozioni e hanno conflitti molto drammatici. La tragedia era uno dei due tipi di gioco originali dell'antica Grecia. Alcuni esempi di tragedie sono di William Shakespeare Amleto , e anche John Webster 's giocano La Duchessa di Amalfi .

Storico

Un'attrice recita davanti a 2 statue del Mausoleo di Alicarnasso. Sala 21, British Museum, Londra
Un attore e un'attrice recitano davanti al monumento alla Nereide, sala 17, British Museum, Londra

Questi giochi si concentrano su eventi storici reali. Possono essere tragedie o commedie, ma spesso non sono nessuna di queste. La storia come genere separato è stata resa popolare da William Shakespeare. Esempi di drammi storici includono Friedrich Schiller s' Demetrio e di Shakespeare re Giovanni .

Teatro musicale

L'opera ballata, uno stile teatrale popolare all'epoca, fu il primo stile di musical ad essere eseguito nelle colonie americane. Il primo musical di origine americana fu presentato in anteprima a Filadelfia nel 1767 e si chiamava "The Disappointment", tuttavia, questo spettacolo non arrivò mai alla produzione.

Il teatro musicale occidentale moderno è emerso nell'era vittoriana, con molti elementi strutturali stabiliti dalle opere di Gilbert e Sullivan in Gran Bretagna e da quelle di Harrigan e Hart in America. Intorno agli anni '20, gli stili teatrali cominciarono a essere definiti più chiaramente. Per il teatro musicale, ciò significava che i compositori acquisivano il diritto di creare ogni canzone nell'opera, e queste nuove commedie erano tenute a convenzioni più specifiche, come le canzoni di trentadue battute. Quando arrivò la Grande Depressione, molte persone lasciarono Broadway per Hollywood e l'atmosfera dei musical di Broadway cambiò in modo significativo. Una situazione simile si è verificata negli anni '60, quando i compositori erano scarsi e i musical mancavano di vitalità e valore di intrattenimento.

Negli anni '90, c'erano pochissimi musical originali di Broadway, poiché molti erano ricreazioni di film o romanzi.

Le produzioni musicali hanno canzoni per aiutare a spiegare la storia e spostare le idee del gioco. Di solito sono accompagnati da balli. I musical possono essere molto elaborati nelle ambientazioni e nelle esibizioni degli attori. Esempi di produzioni musicali includono Wicked e Fiddler on the Roof .

Teatro della crudeltà

Questo stile teatrale è nato negli anni '40, quando Antonin Artaud ipotizzò gli effetti dell'espressione attraverso il corpo rispetto al "pensiero socialmente condizionato". Nel 1946 scrisse una prefazione alle sue opere in cui spiegava come era arrivato a scrivere cosa e come faceva.

Soprattutto Artaud non si fidava del linguaggio come mezzo di comunicazione. Gli spettacoli all'interno del genere del teatro della crudeltà sono astratti per convenzione e contenuto. Artaud voleva che le sue commedie avessero un effetto e realizzassero qualcosa. La sua intenzione era quella di simboleggiare il subconscio attraverso le prestazioni corporee, poiché non credeva che il linguaggio potesse essere efficace. Artaud considerava le sue commedie una rappresentazione piuttosto che una rievocazione, il che significava che credeva che i suoi attori fossero nella realtà, piuttosto che rievocare la realtà.

Le sue commedie trattavano temi pesanti come i pazienti nei reparti psichiatrici e la Germania nazista. Attraverso queste esibizioni, voleva "rendere udibili le cause della sofferenza", tuttavia, il pubblico inizialmente ha reagito male, poiché era così sorpreso da ciò che vedeva. Gran parte del suo lavoro fu bandito in Francia all'epoca.

Artaud non credeva che il teatro convenzionale dell'epoca avrebbe permesso al pubblico di vivere un'esperienza catartica e di aiutare a guarire le ferite della seconda guerra mondiale. Per questo motivo si è orientato verso il teatro radiofonico, in cui il pubblico poteva usare la propria immaginazione per collegare le parole che ascoltava al proprio corpo. Ciò ha reso il suo lavoro molto più personale e individualizzato, cosa che secondo lui avrebbe aumentato l'efficacia della rappresentazione della sofferenza.

Teatro dell'assurdo

Teatro dell'assurdo: questo genere generalmente include rappresentazioni metafisiche di scrupoli e domande esistenziali. Il teatro dell'assurdo nega la razionalità e abbraccia l'inevitabilità di cadere nell'abisso della condizione umana. Invece di discutere questi temi, tuttavia, il teatro dell'assurdo ne è una dimostrazione. Questo lascia il pubblico a discutere e mettere in discussione il contenuto del gioco per se stesso.

Uno degli aspetti principali del teatro dell'assurdo è la contraddizione fisica con il linguaggio. Spesso, il dialogo tra i personaggi si oppone direttamente alle loro azioni.

Drammaturghi famosi all'interno di questo genere includono Beckett, Sartre, Ionesco, Adamov e Genet.

Terminologia

Il termine "gioco" può essere un termine generico o più specificamente riferirsi a un'opera teatrale non musicale. A volte il termine "spettacolo diretto" è usato in contrasto con " musicale ", che si riferisce a un gioco basato su musica , danza e canzoni cantate dai personaggi del gioco. Per un breve gioco, a volte viene usato il termine "playlet".

Il termine "sceneggiatura" si riferisce al testo scritto dell'opera. Dopo l' argomento principale , come il titolo e l'autore, inizia convenzionalmente con un dramatis personae : un elenco che presenta ciascuno dei personaggi principali dell'opera per nome, seguito da una breve caratterizzazione (ad esempio, " Stefano , un maggiordomo ubriaco".)

Per un'opera musicale ( opera , opera leggera o musical ) è comunemente usato il termine " libretto " invece di "sceneggiatura".

Un gioco è solitamente diviso in atti , simile a quello che sono i capitoli in un romanzo. Un gioco breve può consistere in un solo atto, e quindi è chiamato "un atto". Gli atti sono suddivisi in scene . Gli atti sono numerati, così come le scene; la numerazione delle scene riparte da 1 per ogni atto successivo, quindi l' Atto 4, Scena 3 può essere seguito dall'Atto 5, Scena 1 . Ogni scena è ambientata in una posizione specifica, indicata nel copione all'inizio della scena (es. " Scena 1. Prima della cella di Prospero ."). Cambiare location di solito richiede cambiare lo scenario , che richiede tempo – anche se semplicemente un fondale dipinto – e può essere fatto solo tra le scene.

Accanto al testo che deve essere pronunciato dagli attori, un copione contiene "didascalie" (da non confondere con l'uso di quel termine nel blocco , la messa in scena di attori con movimenti specificati attraverso il palcoscenico). Il tipo più comune è per l'ingresso e l'uscita degli attori, ad esempio "[ Exeunt Caliban, Stephano e Trinculo .]" ( Exeunt è il plurale latino di exit , che significa "[essi] se ne vanno".) Altre didascalie possono indicare il modalità di consegna del testo, come "[Aside]" o "[Sings]", o indicare suoni da produrre fuori scena, come "[Thunder]".

Guarda anche

Elenchi

Riferimenti

link esterno