Il rito della primavera -The Rite of Spring
Le Sacre du printemps Il rito della primavera | |
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![]() Concept design per l'atto 1, parte dei progetti di Nicholas Roerich per la produzione di Le Sacre du printemps di Diaghilev del 1913
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Titolo nativo | Russo: Весна священная , romanizzato: Vesna svyashchennaya , lett . 'Sacra Primavera' |
Coreografo | Vaslav Nijinsky |
Musica | Igor Stravinskij |
Basato su | Miti pagani |
Prima | 29 maggio 1913 Théâtre des Champs-Élysées Parigi |
Compagnia di balletto originale | Balletti Russi |
Disegno | Nicholas Roerich |
Il rito della primavera (francese: Le Sacre du printemps ) è un'opera per balletto e concerto orchestrale del compositore russo Igor Stravinsky . Fu scritto per la stagione parigina del 1913 delladei Balletti Russi di Sergei Diaghilev ; la coreografia originale era di Vaslav Nijinsky con scenografie e costumi di Nicholas Roerich . Quando si esibì per la prima volta al Théâtre des Champs-Élysées il 29 maggio 1913, la natura d'avanguardia della musica e della coreografia fece scalpore. Molti hanno definito la reazione della prima notte una "rivolta" o "quasi rivolta", sebbene questa formulazione non sia stata adottata fino alle recensioni delle esibizioni successive nel 1924, oltre un decennio dopo. Sebbene concepita come un'opera per il palcoscenico, con passaggi specifici che accompagnano personaggi e azioni, la musica ha ottenuto un riconoscimento uguale se non maggiore come pezzo da concerto ed è ampiamente considerata una delle opere musicali più influenti del XX secolo.
Stravinsky era un giovane compositore praticamente sconosciuto quando Diaghilev lo reclutò per creare opere per i Ballets Russes. Le Sacre du printemps è stato il terzo grande progetto di questo tipo, dopo l'acclamato Firebird (1910) e Petrushka (1911). Il concetto alla base di The Rite of Spring , sviluppato da Roerich dall'idea di Stravinsky, è suggerito dal suo sottotitolo, "Quadri della Russia pagana in due parti"; lo scenario raffigura vari riti primitivi che celebrano l'avvento della primavera, dopodiché una fanciulla viene scelta come vittima sacrificale e danza se stessa fino alla morte. Dopo un'accoglienza critica mista per la sua corsa originale e un breve tour londinese, il balletto non fu più rappresentato fino agli anni '20, quando una versione coreografata da Léonide Massine sostituì l'originale di Nijinsky, che vide solo otto rappresentazioni. Quello di Massine è stato il precursore di molte produzioni innovative dirette dai coreografi più importanti del mondo, ottenendo il riconoscimento del lavoro in tutto il mondo. Negli anni '80, la coreografia originale di Nijinsky, a lungo ritenuta perduta, è stata ricostruita dal Joffrey Ballet di Los Angeles.
La partitura di Stravinsky contiene molte novità per l'epoca, inclusi esperimenti di tonalità , metro , ritmo, accento e dissonanza . Gli analisti hanno notato nella partitura una base significativa nella musica popolare russa , una relazione che Stravinsky tendeva a negare. Considerata tra le prime opere moderniste , la musica ha influenzato molti dei principali compositori del 20° secolo ed è una delle opere più registrate nel repertorio classico.
Sfondo
Igor Stravinsky era il figlio di Fëdor Stravinskij , il principale bassista dell'Opera Imperiale di San Pietroburgo, e di Anna, nata Kholodovskaya, una cantante e pianista dilettante competente di un'antica famiglia russa. L'associazione di Fyodor con molte delle figure di spicco della musica russa, tra cui Rimsky-Korsakov , Borodin e Mussorgsky , ha fatto sì che Igor crescesse in una casa intensamente musicale. Nel 1901 Stravinsky iniziò a studiare legge all'Università di San Pietroburgo mentre prendeva lezioni private di armonia e contrappunto . Stravinsky ha lavorato sotto la guida di Rimsky-Korsakov, dopo averlo impressionato con alcuni dei suoi primi sforzi compositivi. Al momento della morte del suo mentore nel 1908, Stravinsky aveva prodotto diverse opere, tra cui una Sonata per pianoforte in fa ♯ minore (1903–04), una Sinfonia in mi ♭ maggiore (1907), che catalogò come "Opus 1", e un breve pezzo orchestrale, Feu d'artifice ("Fuochi d'artificio", composto nel 1908).
![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/thumb/2/26/Igor_Stravinsky_as_drawn_by_Pablo_Picasso_31_Dec_1920_-_Gallica.jpg/170px-Igor_Stravinsky_as_drawn_by_Pablo_Picasso_31_Dec_1920_-_Gallica.jpg)
Nel 1909 Feu d'artifice fu eseguito in un concerto a San Pietroburgo. Tra il pubblico c'era l'impresario Sergei Diaghilev , che a quel tempo stava progettando di presentare la musica e l'arte russa al pubblico occidentale. Come Stravinsky, Diaghilev aveva inizialmente studiato legge, ma aveva gravitato attraverso il giornalismo nel mondo teatrale. Nel 1907 iniziò la sua carriera teatrale presentando cinque concerti a Parigi; l'anno successivo presentò l'opera Boris Godunov di Mussorgsky . Nel 1909, sempre a Parigi, lanciò i Ballets Russes , inizialmente con le Danze Polovtsiane di Borodin dal principe Igor e la Scheherazade di Rimsky-Korsakov . Per presentare questi lavori Diaghilev ha reclutato il coreografo Michel Fokine , il designer Léon Bakst e il ballerino Vaslav Nijinsky . L'intenzione di Diaghilev, tuttavia, era quella di produrre nuove opere in uno stile tipicamente del XX secolo, ed era alla ricerca di un nuovo talento compositivo. Dopo aver ascoltato Feu d'artifice si avvicinò a Stravinsky, inizialmente con una richiesta di aiuto nell'orchestrare la musica di Chopin per creare nuovi arrangiamenti per il balletto Les Sylphides . Stravinsky ha lavorato all'apertura Notturno in la bemolle maggiore e alla chiusura Grande valse brillante ; la sua ricompensa fu una commissione molto più grande, per scrivere la musica per un nuovo balletto, L'uccello di fuoco ( L'oiseau de feu ) per la stagione 1910.
Stravinsky lavorò per tutto l'inverno 1909-1910, in stretta collaborazione con Fokine che stava coreografando The Firebird . Durante questo periodo Stravinsky fece la conoscenza di Nijinsky che, pur non ballando nel balletto, era un attento osservatore del suo sviluppo. Stravinsky non ha fatto complimenti quando ha registrato le sue prime impressioni sul ballerino, osservando che sembrava immaturo e goffo per la sua età (aveva 21 anni). D'altra parte, Stravinsky ha trovato in Diaghilev un'ispirazione, "l'essenza stessa di una grande personalità". The Firebird è stato presentato per la prima volta il 25 giugno 1910, con Tamara Karsavina nel ruolo principale, ed è stato un grande successo di pubblico. Ciò ha assicurato che la collaborazione Diaghilev-Stravinsky sarebbe continuata, prima con Petrushka (1911) e poi The Rite of Spring .
Sinossi e struttura
In una nota al direttore Serge Koussevitzky nel febbraio 1914, Stravinsky descrisse Le Sacre du printemps come "un'opera musicale-coreografica, [che rappresenta] la Russia pagana ... unita da un'unica idea: il mistero e la grande ondata del potere creativo di Molla". Nella sua analisi de Il rito , Pieter van den Toorn scrive che l'opera manca di una trama o di una narrazione specifica e dovrebbe essere considerata come una successione di episodi coreografati.
I titoli francesi sono riportati nella forma data nella partitura per pianoforte in quattro parti pubblicata nel 1913. Ci sono state numerose varianti delle traduzioni in inglese; quelli mostrati sono dell'edizione 1967 della partitura.
Episodio | traduzione inglese | Sinossi | |
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Parte I: L'Adorazione della Terra (Adorazione della Terra) | |||
introduzione | introduzione | Prima che si alzi il sipario, un'introduzione orchestrale ricorda, secondo Stravinsky, "uno sciame di canne primaverili [ dudki ]" | |
Stampatori Les Augures | Auguri di Primavera | La festa della primavera inizia in collina. Una vecchia entra e comincia a predire il futuro. | |
Jeu du rapt | Rituale del rapimento | Le ragazze arrivano dal fiume, in fila indiana. Iniziano la "Danza del rapimento". | |
Rondes printanières | Turni di Primavera | Le ragazze ballano il Khorovod , i "Rounds primaverili". | |
Jeux des città rivales | Rituale delle tribù rivali | Il popolo si divide in due gruppi in opposizione l'uno all'altro e inizia il "Rituale delle tribù rivali". | |
Corte del saggio : Le Sage | Processione del Saggio: Il Saggio | Un santo corteo conduce all'ingresso dei saggi anziani, capeggiati dal Saggio che interrompe i giochi e benedice la terra. | |
Danza della terra | Danza della Terra | Il popolo irrompe in una danza appassionata, santificandosi e diventando tutt'uno con la terra. | |
Parte II: Le Sacrifice (Il Sacrificio) | |||
introduzione | introduzione | ||
Cerchi misteriosi degli adolescenti | Circoli mistici delle giovani ragazze | Le ragazze si cimentano in giochi misteriosi, camminando in tondo. | |
Glorificazione dell'élue | Glorificazione dell'Eletto | Una delle giovani ragazze viene scelta dal destino, venendo catturata due volte nel cerchio perpetuo, ed è onorata come la "Prescelta" con una danza marziale. | |
Évocation des ancêtres | Evocazione degli Antenati | In una breve danza, le ragazze invocano gli antenati. | |
Azione rituale degli ancêtres | Azione rituale degli antenati | L'Eletto è affidato alle cure dei vecchi saggi. | |
Danza sacra (L'Élue) | Danza sacrificale | Il Prescelto danza fino alla morte alla presenza dei vecchi, nella grande "Danza Sacrificale". |
Creazione
Concezione
Lawrence Morton, in uno studio sulle origini di The Rite , registra che nel 1907–08 Stravinsky mise in musica due poesie dalla raccolta Yar di Sergey Gorodetsky . Un'altra poesia nell'antologia, che Stravinsky non ha ambientato ma che probabilmente ha letto, è "Yarila" che, osserva Morton, contiene molti degli elementi di base da cui si è sviluppato Il rito della primavera , inclusi i riti pagani, i saggi anziani e il sacrificio propiziatorio di una giovane fanciulla: "La somiglianza è troppo vicina per essere casuale". Lo stesso Stravinsky ha fornito resoconti contraddittori sulla genesi del Rito . In un articolo del 1920 sottolineò che le idee musicali erano venute prima, che l'ambientazione pagana era stata suggerita dalla musica piuttosto che il contrario. Tuttavia, nella sua autobiografia del 1936 descrisse così l'origine dell'opera: "Un giorno [nel 1910], mentre stavo finendo le ultime pagine de L'Oiseau de Feu a San Pietroburgo, ebbi una visione fugace ... vidi nella mia immaginazione un solenne rito pagano: saggi anziani, seduti in cerchio, che osservavano una fanciulla danzare fino alla morte. La sacrificavano per propiziare il dio della Primavera. Tale era il tema del Sacre du printemps .
Nel maggio 1910 Stravinsky stava discutendo la sua idea con Nicholas Roerich , il massimo esperto russo di arte popolare e rituali antichi. Roerich aveva una reputazione come artista e mistico e aveva fornito le scenografie per la produzione di Diaghilev del 1909 delle Danze Polovtsiane . La coppia ha rapidamente concordato un titolo provvisorio, "The Great Sacrifice" (russo: Velikaia zhertva ); Diaghilev ha dato la sua benedizione all'opera, anche se la collaborazione è stata sospesa per un anno mentre Stravinsky era impegnato con la sua seconda grande commissione per Diaghilev, il balletto Petrushka .
Nel luglio 1911 Stravinsky visitò Talashkino, vicino a Smolensk , dove Roerich soggiornava con la principessa Maria Tenisheva , nota mecenate delle arti e sponsor della rivista di Diaghilev World of Art . Qui, in diversi giorni, Stravinsky e Roerich hanno finalizzato la struttura del balletto. Thomas F. Kelly , nella sua storia della premiere del rito , suggerisce che lo scenario pagano in due parti emerso sia stato ideato principalmente da Roerich. Stravinsky in seguito spiegò a Nikolai Findeyzen, l'editore della Russian Musical Gazette , che la prima parte dell'opera si sarebbe intitolata "Il bacio della terra", e sarebbe consistita in giochi e danze rituali interrotte da un corteo di saggi , culminanti in una danza frenetica mentre il popolo abbracciava la primavera. La seconda parte, "The Sacrifice", avrebbe un aspetto più oscuro; giochi notturni segreti di fanciulle, che portano alla scelta di una per il sacrificio e alla sua eventuale danza fino alla morte davanti ai saggi. Il titolo provvisorio originale fu cambiato in "Holy Spring" (in russo: Vesna sviashchennaia ), ma l'opera divenne generalmente nota con la traduzione francese Le Sacre du printemps , o il suo equivalente inglese The Rite of Spring , con il sottotitolo "Pictures of Pagan Russia ".
Composizione
I taccuini di Stravinsky mostrano che dopo essere tornato nella sua casa di Ustilug in Ucraina nel settembre 1911, lavorò a due movimenti, gli "Auguri di primavera" e i "Rounds primaverili". In ottobre lasciò Ustilug per Clarens in Svizzera, dove in una stanza minuscola e scarsamente arredata, un armadio di 2,4 x 2,4 m, con solo un pianoforte verticale sordina, un tavolo e due sedie, lavorò per tutto l'inverno 1911-1912 sulla partitura. Nel marzo 1912, secondo la cronologia degli schizzi, Stravinsky aveva completato la Parte I e aveva redatto gran parte della Parte II. Ha anche preparato una versione per pianoforte a due mani, successivamente perduta, che potrebbe aver usato per dimostrare il lavoro a Diaghilev e al direttore del Ballet Russes Pierre Monteux nell'aprile 1912. Ha anche realizzato un arrangiamento per pianoforte a quattro mani che è diventata la prima versione pubblicata di Le Sacre ; lui e il compositore Claude Debussy suonarono insieme la prima metà di questo, nel giugno 1912.
In seguito alla decisione di Diaghilev di ritardare la prima fino al 1913, Stravinsky mise da parte Il rito durante l'estate del 1912. Si godette la stagione parigina e accompagnò Diaghilev al Festival di Bayreuth per assistere a un'esibizione di Parsifal . Stravinsky ha ripreso a lavorare a The Rite in autunno; i quaderni indicano che aveva terminato lo schema della danza sacrificale finale il 17 novembre 1912. Durante i restanti mesi invernali lavorò all'intera partitura orchestrale, che firmò e datava come "completata a Clarens, 8 marzo 1913". Mostrò il manoscritto a Maurice Ravel , che ne fu entusiasta e predisse, in una lettera a un amico, che la prima rappresentazione de Le Sacre sarebbe stata importante quanto la prima del 1902 di Pelléas et Mélisande di Debussy . Dopo l'inizio delle prove orchestrali alla fine di marzo, Monteux ha attirato l'attenzione del compositore su diversi passaggi che causavano problemi: fiati impercettibili, un assolo di flauto soffocato da ottoni e archi e molteplici problemi di equilibrio tra gli strumenti nella sezione degli ottoni durante gli episodi di fortissimo . Stravinsky modificò questi passaggi e fino ad aprile stava ancora rivedendo e riscrivendo le battute finali della "Danza sacrificale". La revisione della partitura non si concluse con la versione preparata per la prima del 1913; piuttosto, Stravinsky ha continuato ad apportare modifiche per i successivi 30 anni o più. Secondo Van den Toorn, "[nessun] altro lavoro di Stravinsky ha subito una tale serie di revisioni post-premier".
Stravinsky ha riconosciuto che la melodia del fagotto di apertura dell'opera era derivata da un'antologia di canzoni popolari lituane, ma ha affermato che questo era il suo unico prestito da tali fonti; se altri elementi suonavano come musica popolare aborigena, ha detto, era dovuto a "qualche memoria 'popolare' inconscia". Tuttavia, Morton ha identificato molte altre melodie nella parte I come aventi le loro origini nella collezione lituana. Più recentemente Richard Taruskin ha scoperto nella partitura una melodia adattata da una delle "Cento canzoni nazionali russe" di Rimsky-Korsakov. Taruskin rileva il paradosso per cui Il rito , generalmente riconosciuto come il più rivoluzionario dei primi lavori del compositore, è in realtà radicato nelle tradizioni della musica russa.
Realizzazione
![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/7/72/Vaslav-nijinsky-in-le-pavillon-d-armide-1911.jpg/200px-Vaslav-nijinsky-in-le-pavillon-d-armide-1911.jpg)
Taruskin ha elencato una serie di fonti che Roerich ha consultato durante la creazione dei suoi progetti. Tra questi ci sono la Primary Chronicle , un compendio del XII secolo delle prime usanze pagane e lo studio di Alexander Afanasyev sul folklore contadino e sulla preistoria pagana. La collezione di costumi della principessa Tenisheva è stata una delle prime fonti di ispirazione. Quando i progetti furono completati, Stravinsky espresse gioia e li dichiarò "un vero miracolo".
Il rapporto di Stravinsky con l'altro suo principale collaboratore, Nijinsky, era più complicato. Diaghilev aveva deciso che il genio di Nijinsky come ballerino si sarebbe tradotto nel ruolo di coreografo e maestro di ballo; non fu dissuaso quando il primo tentativo di coreografia di Nijinsky, L'après-midi d'un faune di Debussy , causò polemiche e quasi scandali a causa dei nuovi movimenti stilizzati del ballerino e del suo gesto apertamente sessuale alla fine del lavoro. È evidente dalla corrispondenza contemporanea che, almeno inizialmente, Stravinsky vedeva con approvazione i talenti di Nijinsky come coreografo; una lettera che ha inviato a Findeyzen elogia "lo zelo appassionato e la completa abnegazione" del ballerino. Tuttavia, nelle sue memorie del 1936 Stravinsky scrive che la decisione di assumere Nijinsky in questo ruolo lo riempiva di apprensione; sebbene ammirasse Nijinsky come ballerino non aveva fiducia in lui come coreografo: "il povero ragazzo non sapeva nulla di musica. Non sapeva né leggerla né suonare nessuno strumento". Più tardi ancora, Stravinsky avrebbe ridicolizzato le fanciulle danzanti di Nijinsky definendole "Lolitas dalle ginocchia sbattute e dalle lunghe trecce".
Il racconto autobiografico di Stravinsky si riferisce a molti "dolorosi incidenti" tra il coreografo e i ballerini durante il periodo delle prove. All'inizio del 1913, quando Nijinsky era in grave ritardo, Stravinsky fu avvertito da Diaghilev che "a meno che tu non venga qui immediatamente ... il Sacre non avrà luogo". I problemi furono lentamente superati e quando si tennero le prove finali nel maggio 1913, i ballerini sembravano aver imparato le difficoltà del lavoro. Anche lo scettico direttore di scena dei Ballets Russes, Serge Grigoriev, ha elogiato l'originalità e il dinamismo della coreografia di Nijinsky.
Il direttore Pierre Monteux aveva lavorato con Diaghilev dal 1911 ed era stato responsabile dell'orchestra alla prima di Petrushka . La prima reazione di Monteux a The Rite , dopo aver sentito Stravinsky suonare una versione per pianoforte, è stata di lasciare la stanza e trovare un angolo tranquillo. Tirò da parte Diaghilev e disse che non avrebbe mai diretto musica del genere; Diaghilev è riuscito a cambiare idea. Sebbene svolgesse i suoi doveri con coscienziosa professionalità, non arrivò mai ad apprezzare il lavoro; quasi cinquant'anni dopo la prima ha detto agli inquirenti che la detestava. In vecchiaia disse al biografo di Sir Thomas Beecham , Charles Reid: "Non mi piaceva Le Sacre allora. Da allora l'ho condotto cinquanta volte. Non mi piace ora". Il 30 marzo Monteux ha informato Stravinsky delle modifiche che riteneva necessarie alla partitura, tutte implementate dal compositore. L'orchestra, tratta principalmente dai Concerts Colonne di Parigi, era composta da 99 musicisti, molto più grandi di quelli normalmente impiegati a teatro, e aveva difficoltà a inserirsi nella fossa dell'orchestra.
Dopo che la prima parte del balletto ha ricevuto due prove orchestrali complete a marzo, Monteux e la compagnia sono partiti per esibirsi a Monte Carlo. Le prove sono riprese quando sono tornati; il numero insolitamente elevato di prove - diciassette esclusivamente orchestrali e cinque con i ballerini - è stato inserito nelle quindici settimane prima dell'apertura, dopo l'arrivo di Stravinsky a Parigi il 13 maggio. La musica conteneva così tante combinazioni di note insolite che Monteux ha dovuto chiedere ai musicisti di smettere di interrompere quando pensavano di aver trovato errori nella partitura, dicendo loro che avrebbe detto loro se qualcosa fosse stato suonato in modo errato. Secondo Doris Monteux, "I musicisti lo pensavano assolutamente pazzo". A un certo punto, un fortissimo di ottoni culminante, l'orchestra scoppiò in una risata nervosa al suono, provocando l'intervento di Stravinsky con rabbia.
Il ruolo della vittima sacrificale doveva essere ballato dalla sorella di Nijinsky, Bronislava Nijinska ; quando rimase incinta durante le prove, fu sostituita dall'allora relativamente sconosciuta Maria Piltz.
Cronologia delle prestazioni e ricezione
Prima
![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/6/67/RiteofSpringDancers.jpg/240px-RiteofSpringDancers.jpg)
Il Théâtre des Champs-Élysées di Parigi era una nuova struttura, aperta il 2 aprile 1913 con un programma che celebrava le opere di molti dei principali compositori dell'epoca. Il direttore del teatro, Gabriel Astruc , era determinato a ospitare la stagione dei Balletti Russi del 1913 e pagò a Diaghilev l'ingente somma di 25.000 franchi per spettacolo, il doppio di quanto aveva pagato l'anno precedente. Il programma del 29 maggio 1913, oltre alla prima di Stravinsky, includeva Les Sylphides , Le Spectre de la Rose di Weber e le Danze Polovtsiane di Borodin . La vendita dei biglietti per la serata, con il raddoppio dei prezzi dei biglietti per una prima, è stata di 35.000 franchi. Si è svolta una prova generale alla presenza di membri della stampa e invitati assortiti. Secondo Stravinsky, tutto è andato pacificamente. Tuttavia, il critico de L'Écho de Paris , Adolphe Boschot , prevedeva possibili guai; si chiedeva come il pubblico avrebbe ricevuto il lavoro e suggerì che avrebbero potuto reagire male se avessero pensato di essere derisi.
La sera del 29 maggio Gustav Linor riferì: "Mai ... la sala è stata così piena, o così splendente; le scale ei corridoi erano affollati di spettatori desiderosi di vedere e di ascoltare". La serata è iniziata con Les Sylphides , in cui Nijinsky e Karsavina hanno ballato i ruoli principali. Seguì Le Sacre . Alcuni testimoni oculari e commentatori hanno affermato che i disordini nel pubblico sono iniziati durante l'introduzione e sono diventati più rumorosi quando si è alzato il sipario sui ballerini che calpestavano "Auguri di primavera". Ma Taruskin afferma: "non è stata la musica di Stravinsky a fare lo scioccante. È stato il brutto barcollare e calpestare legato alla terra ideato da Vaslav Nijinsky". Marie Rambert , che lavorava come assistente di Nijinsky, ricordò in seguito che presto fu impossibile ascoltare la musica sul palco. Nella sua autobiografia, Stravinsky scrive che la risata derisoria che ha salutato le prime battute dell'Introduzione lo ha disgustato e che ha lasciato l'auditorium per assistere al resto dello spettacolo dalle quinte del palco. Le dimostrazioni, dice, sono diventate "un terribile trambusto" che, insieme ai rumori sul palco, ha soffocato la voce di Nijinsky che urlava i numeri dei passi ai ballerini. Due anni dopo la prima, il giornalista e fotografo Carl Van Vechten ha affermato nel suo libro Music After the Great War che la persona dietro di lui si è lasciata trasportare dall'eccitazione e "ha iniziato a battere ritmicamente in cima alla mia testa con i pugni". Nel 1916, in una lettera non pubblicata fino al 2013, Van Vechten ammise di aver effettivamente partecipato alla seconda serata, tra le altre modifiche di fatto.
![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/0/0d/Russian_Ballet_in_Paris_-_New_York_Times_1913-06-08.png/220px-Russian_Ballet_in_Paris_-_New_York_Times_1913-06-08.png)
A quel tempo, un pubblico di balletto parigino era tipicamente composto da due gruppi diversi: il set ricco e alla moda, che si aspetterebbe di vedere un'esibizione tradizionale con bella musica, e un gruppo "bohémien" che, affermò il poeta-filosofo Jean Cocteau , "acclamerebbe, giusto o sbagliato, tutto ciò che è nuovo a causa del loro odio per le scatole". Monteux credeva che i guai fossero iniziati quando le due fazioni iniziarono ad attaccarsi a vicenda, ma la loro rabbia reciproca fu presto deviata verso l'orchestra: "Tutto ciò che era disponibile è stato lanciato nella nostra direzione, ma abbiamo continuato a suonare". Una quarantina dei peggiori colpevoli sono stati espulsi, forse con l'intervento della polizia, anche se questo non è confermato. Nonostante tutti i disturbi, lo spettacolo è continuato senza interruzioni. I disordini si sono attenuati in modo significativo durante la Parte II e, secondo alcuni, la resa di Maria Piltz dell'ultima "Danza sacrificale" è stata osservata in un ragionevole silenzio. Alla fine ci sono stati diversi sipario per i ballerini, per Monteux e l'orchestra, e per Stravinsky e Nijinsky prima che il programma della serata continuasse.
Tra le rassegne stampa più ostili c'era quella del critico de Le Figaro Henri Quittard , che definì l'opera "una barbarie laboriosa e puerile" e aggiunse "Ci dispiace vedere un artista come M. Stravinsky impegnarsi in questa sconcertante avventura" . D'altra parte, Gustav Linor, scrivendo sulla principale rivista teatrale Comœdia , ha ritenuto che la performance fosse superba, in particolare quella di Maria Piltz; i disordini, sebbene deplorevoli, erano semplicemente "un turbolento dibattito" tra due fazioni maleducate. Emile Raudin, di Les Marges , che aveva appena ascoltato la musica, scrisse: "Non potremmo chiedere a M. Astruc... di mettere da parte una performance per spettatori ben intenzionati?... Potremmo almeno proporre di sfrattare il elemento femminile". Il compositore Alfredo Casella pensava che le dimostrazioni fossero rivolte alla coreografia di Nijinsky piuttosto che alla musica, opinione condivisa dal critico Michel-Dimitri Calvocoressi , che scrisse: "L'idea era ottima, ma non è stata realizzata con successo". Calvocoressi non osservò alcuna ostilità diretta nei confronti del compositore, a differenza, disse, della prima di Pelléas et Mélisande di Debussy nel 1902. Di rapporti successivi secondo cui il compositore veterano Camille Saint-Saëns si era ritirato dalla prima, Stravinsky osservò che ciò era impossibile ; Saint-Saëns non ha partecipato. Stravinsky ha anche respinto la storia di Cocteau secondo cui, dopo lo spettacolo, Stravinsky, Nijinsky, Diaghilev e lo stesso Cocteau hanno preso un taxi per il Bois de Boulogne dove un Diaghilev in lacrime recitava poesie di Pushkin . Stravinsky si è limitato a ricordare una cena celebrativa con Diaghilev e Nijinsky, durante la quale l'impresario ha espresso tutta la sua soddisfazione per il risultato. A Maximilien Steinberg, un ex compagno di scuola di Rimsky-Korsakov, Stravinsky scrisse che la coreografia di Nijinsky era stata "incomparabile: con l'eccezione di pochi posti, tutto era come volevo".
Corsa iniziale e primi revival
La prima è stata seguita da altre cinque rappresentazioni di Le Sacre du printemps al Théâtre des Champs-Élysées, l'ultima il 13 giugno. Sebbene queste occasioni fossero relativamente pacifiche, qualcosa dell'atmosfera della prima notte rimase; il compositore Giacomo Puccini , che ha assistito alla seconda rappresentazione il 2 giugno, ha descritto la coreografia come ridicola e la musica cacofonica: "l'opera di un pazzo. Il pubblico sibilava, rideva e applaudiva". Stravinsky, costretto a letto dalla febbre tifoide, non si unì alla compagnia quando si recò a Londra per quattro spettacoli al Theatre Royal, Drury Lane . Esaminando la produzione londinese, il critico del Times è rimasto colpito dal modo in cui diversi elementi del lavoro si sono uniti per formare un insieme coerente, ma è stato meno entusiasta della musica stessa, ritenendo che Stravinsky avesse completamente sacrificato la melodia e l'armonia per il ritmo: "Se M. Stravinsky avesse voluto essere davvero primitivo, sarebbe stato saggio... scrivere il suo balletto solo per la batteria". Lo storico del balletto Cyril Beaumont ha commentato i "movimenti lenti e rozzi" dei ballerini, trovandoli "in completa opposizione alle tradizioni del balletto classico".
![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/c/c4/Massine%2C_Leonide_%281895-1979%29_-_1914_-_Ritratto_da_Leon_Bakst.jpg/170px-Massine%2C_Leonide_%281895-1979%29_-_1914_-_Ritratto_da_Leon_Bakst.jpg)
Dopo la corsa di apertura a Parigi e gli spettacoli londinesi, gli eventi hanno cospirato per impedire ulteriori allestimenti del balletto. La coreografia di Nijinsky, che Kelly descrive come "così sorprendente, così oltraggiosa, così fragile per la sua conservazione", non è apparsa di nuovo fino a quando non sono stati fatti tentativi per ricostruirla negli anni '80. Il 19 settembre 1913 Nijinsky sposò Romola de Pulszky mentre i Ballets Russes erano in tournée senza Diaghilev in Sud America. Quando Diaghilev ha scoperto che era sconvolto e furioso che il suo amante si fosse sposato, e ha licenziato Nijinsky. Diaghilev fu quindi obbligato ad assumere nuovamente Fokine, che si era dimesso nel 1912 perché a Nijinsky era stato chiesto di coreografare Faune . Fokine ha posto come condizione per il suo reimpiego che nessuna delle coreografie di Nijinsky venisse eseguita. In una lettera al critico d'arte e storico Alexandre Benois , Stravinsky scrisse: "[L]a possibilità è andata per qualche tempo di vedere qualcosa di prezioso nel campo della danza e, cosa ancora più importante, di rivedere questa mia progenie".
Con l'interruzione seguita allo scoppio della prima guerra mondiale nell'agosto 1914 e la dispersione di molti artisti, Diaghilev era pronto a coinvolgere nuovamente Nijinsky sia come ballerino che come coreografo, ma Nijinsky era stato posto agli arresti domiciliari in Ungheria come cittadino russo nemico . Diaghilev negoziò il suo rilascio nel 1916 per un tour negli Stati Uniti, ma la salute mentale del ballerino declinò costantemente e non prese più parte al balletto professionale dopo il 1917. Nel 1920, quando Diaghilev decise di far rivivere The Rite , scoprì che nessuno ora ha ricordato la coreografia. Dopo aver trascorso la maggior parte degli anni della guerra in Svizzera, ed essere diventato un esilio permanente dalla sua terra natale dopo la rivoluzione russa del 1917 , Stravinsky riprese la sua collaborazione con Diaghilev alla fine della guerra. Nel dicembre 1920 Ernest Ansermet diresse una nuova produzione a Parigi, coreografata da Léonide Massine , con i disegni di Nicholas Roerich mantenuti; la ballerina principale era Lydia Sokolova . Nelle sue memorie, Stravinsky è equivoco sulla produzione Massine; il giovane coreografo, scrive, mostrava "talento indiscutibile", ma c'era qualcosa di "forzato e artificiale" nella sua coreografia, che mancava del necessario rapporto organico con la musica. Sokolova, nel suo racconto successivo, ha ricordato alcune delle tensioni che circondano la produzione, con Stravinsky, "indossando un'espressione che avrebbe spaventato cento vergini elette, saltellando [ing] su e giù per la navata centrale" mentre Ansermet provava l'orchestra.
Coreografie successive
Il balletto fu mostrato per la prima volta negli Stati Uniti l'11 aprile 1930, quando la versione di Massine del 1920 fu eseguita dalla Philadelphia Orchestra di Filadelfia sotto Leopold Stokowski , con Martha Graham che ballava il ruolo del Prescelto. La produzione si trasferì a New York, dove Massine fu sollevato nel trovare il pubblico ricettivo, un segno, pensava, che i newyorkesi stavano finalmente iniziando a prendere sul serio il balletto. La prima produzione progettata in America, nel 1937, fu quella dell'esponente di danza moderna Lester Horton , la cui versione sostituì l'originale ambientazione pagana russa con un background da selvaggio West e l'uso di danze dei nativi americani .
Nel 1944 Massine iniziò una nuova collaborazione con Roerich, che prima della sua morte nel 1947 completò una serie di schizzi per una nuova produzione che Massine portò a compimento alla Scala di Milano nel 1948. Ciò segnò una serie di significative produzioni europee del dopoguerra. Mary Wigman a Berlino (1957) ha seguito Horton nell'evidenziare gli aspetti erotici del sacrificio della vergine, così come Maurice Béjart a Bruxelles (1959). La rappresentazione di Béjart ha sostituito il sacrificio culminante con una rappresentazione di ciò che il critico Robert Johnson descrive come "coito cerimoniale". La produzione del 1962 del Royal Ballet , coreografata da Kenneth MacMillan e disegnata da Sidney Nolan , fu rappresentata per la prima volta il 3 maggio e fu un trionfo della critica. È rimasto nel repertorio della compagnia per più di 50 anni; dopo la sua rinascita nel maggio 2011 , il critico del Daily Telegraph Mark Monahan lo ha definito uno dei più grandi successi del Royal Ballet. Mosca vide per la prima volta The Rite nel 1965, in una versione coreografata per il Bolshoi Ballet da Natalia Kasatkina e Vladimir Vasiliev . Questa produzione è stata mostrata a Leningrado quattro anni dopo, al Maly Opera Theatre , e ha introdotto una trama che ha fornito al Prescelto un amante che si vendica degli anziani dopo il sacrificio. Johnson descrive la produzione come "un prodotto dell'ateismo di stato ... propaganda sovietica al suo meglio".
![](https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/1/1c/CPinaBausch_MAE_339978-9.tif/lossy-page1-290px-CPinaBausch_MAE_339978-9.tif.jpg)
Nel 1975 la coreografa di danza moderna Pina Bausch , che ha trasformato il Ballett der Wuppertaler Bühnen in Tanztheater Wuppertal , ha suscitato scalpore nel mondo della danza con la sua rappresentazione cruda, rappresentata su un palcoscenico coperto di terra, in cui il Prescelto viene sacrificato per gratificare il misoginia degli uomini circostanti. Alla fine, secondo Luke Jennings di The Guardian , " il cast è sudato, sporco e ansimante". Parte di questa danza compare nel film Pina . La versione di Bausch era stata ballata anche da due compagnie di balletto, il Paris Opera Ballet e l'English National Ballet . In America, nel 1980, Paul Taylor ha utilizzato la versione per pianoforte a quattro mani di Stravinsky della colonna sonora come sfondo per uno scenario basato su omicidi di bambini e immagini di film di gangster. Nel febbraio 1984 Martha Graham, nel suo novantesimo anno, ha ripreso la sua associazione con The Rite coreografando una nuova produzione al New York State Theatre . Il critico del New York Times ha dichiarato la performance "un trionfo ... totalmente elementare, primordiale nell'espressione delle emozioni di base come qualsiasi cerimonia tribale, in quanto ossessionante messa in scena nella sua deliberata desolazione in quanto ricca di implicazioni".
Il 30 settembre 1987, il Joffrey Ballet si esibì a Los Angeles The Rite sulla base di una ricostruzione della coreografia di Nijinsky del 1913, fino ad allora ritenuta irrimediabile. La performance è il risultato di anni di ricerca, principalmente di Millicent Hodson, che ha messo insieme la coreografia dai libri originali, schizzi e fotografie contemporanei e i ricordi di Marie Rambert e di altri sopravvissuti. La versione di Hodson da allora è stata eseguita dal Kirov Ballet , al Mariinsky Theatre nel 2003 e nello stesso anno al Covent Garden. Nella sua stagione 2012-2013 il Joffrey Ballet ha tenuto spettacoli per il centenario in numerose sedi, tra cui l' Università del Texas il 5-6 marzo 2013, l' Università del Massachusetts il 14 marzo 2013 e con la Cleveland Orchestra il 17-18 agosto 2013.
Gli editori musicali Boosey & Hawkes hanno stimato che dalla sua prima il balletto è stato oggetto di almeno 150 produzioni, molte delle quali sono diventate dei classici e sono state eseguite in tutto il mondo. Tra le interpretazioni più radicali c'è la versione del 1974 di Glen Tetley , in cui il Prescelto è un giovane maschio. Più recentemente ci sono state versioni dance soliste ideate da Molissa Fenley e Javier de Frutos e un'interpretazione punk rock di Michael Clark . Il film del 2004 è il ritmo! documenta un progetto del direttore Simon Rattle con la Filarmonica di Berlino e il coreografo Royston Maldoom per mettere in scena un'esibizione del balletto con un cast di 250 bambini reclutati dalle scuole pubbliche di Berlino, provenienti da 25 paesi. In Rites (2008), dell'Australian Ballet in collaborazione con il Bangarra Dance Theatre , sono presenti le percezioni aborigene degli elementi di terra, aria, fuoco e acqua.
Spettacoli da concerto
Il 18 febbraio 1914 The Rite ricevette il suo primo concerto (la musica senza il balletto), a San Pietroburgo sotto Serge Koussevitzky . Il 5 aprile di quell'anno Stravinsky sperimentò personalmente il successo popolare di Le Sacre come opera da concerto, al Casino de Paris. Dopo lo spettacolo, sempre sotto Monteux, il compositore fu portato in trionfo dalla sala sulle spalle dei suoi ammiratori. The Rite tenne il suo primo concerto britannico il 7 giugno 1921, alla Queen's Hall di Londra sotto Eugene Goossens . La sua prima americana avvenne il 3 marzo 1922, quando Stokowski lo inserì in un programma dell'Orchestra di Filadelfia. Goossens fu anche responsabile dell'introduzione di The Rite in Australia il 23 agosto 1946 al Sydney Town Hall, come direttore ospite della Sydney Symphony Orchestra .
Stravinsky diresse l'opera per la prima volta nel 1926, in un concerto tenuto dalla Concertgebouw Orchestra ad Amsterdam; due anni dopo lo portò alla Salle Pleyel di Parigi per due spettacoli sotto la sua direzione. Di queste occasioni in seguito scrisse che "grazie all'esperienza che avevo maturato con tutti i tipi di orchestre ... ero arrivato a un punto in cui potevo ottenere esattamente quello che volevo, come lo volevo". I commentatori hanno ampiamente concordato sul fatto che il lavoro ha avuto un impatto maggiore nella sala da concerto che sul palco; molte delle revisioni di Stravinsky alla musica furono fatte pensando alla sala da concerto piuttosto che al teatro. L'opera è diventata un punto fermo nei repertori di tutte le principali orchestre ed è stata citata da Leonard Bernstein come "il pezzo musicale più importante del 20° secolo".
Nel 1963, 50 anni dopo la prima, Monteux (allora 88enne) accettò di condurre uno spettacolo commemorativo alla Royal Albert Hall di Londra . Secondo Isaiah Berlin , un caro amico del compositore, Stravinsky lo informò che non aveva intenzione di sentire la sua musica "assassinata da quello spaventoso macellaio". Invece ha organizzato i biglietti per quella particolare rappresentazione serale dell'opera di Mozart Le nozze di Figaro , al Covent Garden . Sotto la pressione dei suoi amici, Stravinsky fu convinto a lasciare l'opera dopo il primo atto. Arrivò all'Albert Hall proprio mentre l'esibizione di The Rite stava finendo; compositore e direttore d'orchestra hanno condiviso un caloroso abbraccio di fronte al pubblico inconsapevole e selvaggiamente esultante. Il biografo di Monteux, John Canarina, fornisce in questa occasione un taglio diverso, registrando che alla fine della serata Stravinsky aveva affermato che "Monteux, quasi solo tra i direttori, non ha mai sminuito Rite o cercato in esso la propria gloria, e ha continuato a suonarlo tutta la vita con la massima fedeltà».
Musica
Carattere generale
I commentatori hanno spesso descritto la musica di The Rite in termini vividi; Paul Rosenfeld, nel 1920, ne scrisse "martellante [ing] al ritmo di motori, vortici e spirali come viti e volani, macina e strilla come metallo che lavora". In un'analisi più recente, il critico del New York Times Donal Henahan si riferisce a "grandi accordi scricchiolanti e ringhianti degli ottoni e tonfi fragorosi dei timpani". Il compositore Julius Harrison ha riconosciuto negativamente l'unicità dell'opera: ha dimostrato "l'odio di Stravinsky per tutto ciò per cui la musica ha resistito in questi molti secoli ... tutti gli sforzi e il progresso umani vengono spazzati via per fare spazio a suoni orribili".
In The Firebird , Stravinsky aveva iniziato a sperimentare con la bitonalità (l'uso di due chiavi diverse contemporaneamente). Ha approfondito questa tecnica in Petrushka , ma ne ha riservato il pieno effetto per The Rite dove, come spiega l'analista EW White, "l'ha spinta alla sua logica conclusione". White osserva anche il complesso carattere metrico della musica, con combinazioni di duple e triple time in cui un forte ritmo irregolare è enfatizzato da potenti percussioni. Il critico musicale Alex Ross ha descritto il processo irregolare con cui Stravinsky ha adattato e assorbito nella partitura materiale folk tradizionale russo. Egli "ha proceduto a polverizzarli in frammenti motivici, ad ammucchiarli a strati e a rimontarli in collage e montaggi cubisti".
La durata del lavoro è di circa 35 minuti.
Strumentazione
La partitura richiede una grande orchestra composta dai seguenti strumenti.
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Nonostante la grande orchestra, gran parte della partitura è scritta in modo da camera, con singoli strumenti e piccoli gruppi che hanno ruoli distinti.
Parte I: L'Adorazione della Terra
![\relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"fagotto" \clef treble \numericTimeSignature \time 4/4 \tempo "Lento" 4 = 50 \stemDown c4\fermata(_"solo ad lib." \grace { b16[( c] } bge b' \times 2/3 { a8)\fermata } }](https://upload.wikimedia.org/score/9/6/960zgiksgu1wt1i1wu003iz9n8lbmvn/960zgiks.png)
La melodia di apertura è suonata da un fagotto solista in un registro molto acuto, il che rende lo strumento quasi non identificabile; gradualmente altri strumenti a fiato vengono suonati e alla fine sono uniti da archi. Il suono si accumula prima di interrompersi improvvisamente, dice Hill, "proprio mentre sta esplodendo estaticamente". C'è poi una reiterazione dell'assolo di fagotto di apertura, ora suonato un semitono più basso.
![{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c' { \set Staff.midiInstrument = #"violino" \clef treble \key ees \major \time 2/4 \tempo "Tempo giusto" 2 = 50 <ees des bes g>8\downbow[ <ees des bes g>\downbow <ees des bes g>\downbow <ees des bes g>\downbow] } \new Staff \relative c { \override DynamicText.X-offset = #-4 \override DynamicLineSpanner.staff-padding = #3.5 \set Staff.midiInstrument = #"violoncello" \clef bass \key ees \major \time 2/4 <fes ces aes fes>8^\f\downbow[ <fes ces aes fes>\downbow <fes ces aes fes>\downbow <fes ces aes fes>\downbow] } >> }](https://upload.wikimedia.org/score/2/z/2zyfgf354cxnt9ch264vadmd3z7ub0g/2zyfgf35.png)
Il primo ballo, "Augurs of Spring", è caratterizzato da un accordo timbrante ripetitivo nei corni e negli archi, basato su E ♭ dominante 7 sovrapposto a una triade di E, G ♯ e B. White suggerisce che questa combinazione bitonale, che Stravinsky considerato il punto focale dell'intera opera, è stato ideato al pianoforte, poiché gli accordi costitutivi sono comodi per le mani su una tastiera. Il ritmo del calpestio è disturbato dal continuo spostamento dell'accento di Stravinsky, dentro e fuori il ritmo, prima che la danza finisca in un crollo, come per esaurimento. Alex Ross ha riassunto lo schema (corsivo = accenti ritmici) come segue:
uno due tre quattro cinque sei sette otto
uno due tre quattro cinque sei sette otto
uno due tre quattro cinque sei sette otto
uno due tre quattro cinque sei sette otto
Secondo Roger Nichols "A prima vista non sembra esserci alcun modello nella distribuzione degli accenti agli accordi di timbratura. Prendendo la croma iniziale della battuta 1 come accento naturale abbiamo per il primo sfogo i seguenti gruppi di crome: 9, 2, 6 , 3, 4, 5, 3. Tuttavia, questi numeri apparentemente casuali hanno senso se divisi in due gruppi:
9 6 4 3
2 3 5
Chiaramente la linea superiore sta diminuendo, la linea inferiore sta aumentando e rispettivamente di quantità decrescenti e crescenti ... Se Stravinsky li abbia elaborati in questo modo probabilmente non lo sapremo mai. Ma il modo in cui due diversi "ordini" ritmici interferiscono l'uno con l'altro per produrre un caos apparente è... una nozione tipicamente stravinskiana".
Il "Rituale del rapimento" che segue è descritto da Hill come "la più terrificante delle cacce musicali". Si conclude con una serie di trilli di flauto che inaugurano i "Rounds di primavera", in cui un tema lento e laborioso sale gradualmente a un fortissimo dissonante, una "caricatura orribile" della melodia principale dell'episodio.
![\relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"tuba" \clef treble \numericTimeSignature \time 4/4 \tempo "Molto allegro" 4 = 166 gis2. g4 | gis2. g4 | gis2. fis4 | gis ais cis ais }](https://upload.wikimedia.org/score/j/p/jp0azpnco1z4el1ga40hhj7rt1f1oof/jp0azpnc.png)
Ottoni e percussioni predominano all'inizio del "Ritual of the Rival Tribes". Emerge una melodia su tube di tenore e basso, che conduce, dopo molte ripetizioni, all'ingresso del corteo del Saggio. La musica si interrompe quindi virtualmente, "sbiancata senza colore" (Hill), mentre il Saggio benedice la terra. Inizia quindi la "Danza della Terra", che conclude la Parte I con una serie di frasi del massimo vigore che vengono bruscamente terminate in quella che Hill descrive come una "amputazione brutale e brutale".
Parte II: Il sacrificio
![\relative c'''' { \set Staff.midiInstrument = #"violino" \clef treble \numericTimeSignature \time 4/4 \tempo "Largo" 4 = 48 a4~\flageolet( a8\flageolet g\flageolet) a4( \flageolet e8\flageolet d\flageolet) | \time 2/4 g4(\flageolet e)\flageolet }](https://upload.wikimedia.org/score/o/m/omsa0wjonu3q6cgsuve63glck3d9plm/omsa0wjo.png)
La parte II ha una maggiore coesione rispetto al suo predecessore. Hill descrive la musica come se seguisse un arco che va dall'inizio dell'introduzione alla conclusione del ballo finale. Le trombe a fiato e sordina sono prominenti in tutta l'introduzione, che termina con una serie di cadenze crescenti su archi e flauti. Il passaggio ai "Cerchi Mistici" è quasi impercettibile; il tema principale della sezione è stato prefigurato nell'Introduzione. Un forte accordo ripetuto, che Berger paragona a un richiamo all'ordine, annuncia il momento della scelta della vittima sacrificale. La "Glorificazione dell'Eletto" è breve e violenta; nella "Evocazione degli antenati" che segue, brevi frasi sono intervallate da rulli di tamburi. L '"azione rituale degli antenati" inizia in silenzio, ma lentamente si sviluppa fino a una serie di culmine prima di sprofondare improvvisamente nelle frasi tranquille che hanno iniziato l'episodio.
![{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c'' { \set Staff.midiInstrument = #"violino" \clef treble \tempo 8 = 126 \override DynamicLineSpanner.staff-padding = #4 \time 3/16 r16 < dca fis d>-! r16\fermata | \time 2/16 r <dca fis d>-! \time 16/3 r <dca fis d>8-! | r16 <dca fis d>8-! | \time 2/8 <dca fis>16-! <ec bes g>->-![ <cis b aes f>-! <ca fis ees>-!] } \new Staff \relative c { \set Staff.midiInstrument = #"violino" \clef bass \time 3/16 d,16-! <be'' ees,>^\f-! r\fermata | \time 2/16 <d,, d,>-! <be'' ees,>-! | \time 16/3 d16-! <ees cis>8-! | r16 <ees cis>8-! | \time 2/8 d16^\sf-! <ees cis>-!->[ <d c>-! <d c>-!] } >> }](https://upload.wikimedia.org/score/q/h/qha58rrv2dvp8e20wcadsmov6ydccva/qha58rrv.png)
La transizione finale introduce la "Danza Sacrificale". Questo è scritto come un rituale più disciplinato rispetto alla danza stravagante che ha concluso la Parte I, sebbene contenga alcuni momenti selvaggi, con la grande sezione di percussioni dell'orchestra a voce piena. Stravinsky ha avuto difficoltà con questa sezione, specialmente con le battute finali che concludono il lavoro. Il brusco finale ha scontentato diversi critici, uno dei quali ha scritto che la musica "cade improvvisamente su un fianco". Lo stesso Stravinsky ha definito l'accordo finale in modo sprezzante come "un rumore", ma nei suoi vari tentativi di modificare o riscrivere la sezione, non è stato in grado di produrre una soluzione più accettabile.
Influenza e adattamenti
Lo storico della musica Donald Jay Grout ha scritto: " The Sacre è senza dubbio la composizione più famosa del primo Novecento... ha avuto l'effetto di un'esplosione che ha così disperso gli elementi del linguaggio musicale da non poterli più mettere insieme come prima". L'accademico e critico Jan Smaczny, facendo eco a Bernstein, la definisce una delle composizioni più influenti del XX secolo, fornendo "stimoli senza fine per artisti e ascoltatori". Taruskin scrive che "uno dei segni dello status unico di The Rite è il numero di libri che gli sono stati dedicati, sicuramente un numero maggiore di quello che è stato dedicato a qualsiasi altro balletto, forse a qualsiasi altra composizione musicale individuale ..." Secondo per Kelly la prima del 1913 potrebbe essere considerata "il singolo momento più importante nella storia della musica del 20° secolo", e le sue ripercussioni continuano a riverberare nel 21° secolo. Ross ha descritto The Rite come un'opera profetica, che presagiva l'era della "seconda avanguardia" nella composizione classica: musica del corpo piuttosto che della mente, in cui "[le] elodie seguirebbero gli schemi del discorso; i ritmi corrisponderebbero l'energia della danza... le sonorità avrebbero la durezza della vita così com'è vissuta". L'opera è considerata tra i primi esempi di modernismo in musica .
Tra i compositori del 20° secolo più influenzati da The Rite c'è il quasi contemporaneo di Stravinsky, Edgard Varèse , che aveva assistito alla prima del 1913. Varèse, secondo Ross, era particolarmente attratto dalle "armonie crudeli e dai ritmi stimolanti" di The Rite , che impiegò a pieno effetto nel suo lavoro da concerto Amériques (1921), composto per un'enorme orchestra con effetti sonori aggiunti tra cui il ruggito di un leone e una sirena lamentosa. Aaron Copland , a cui Stravinsky fu un'ispirazione particolare ai tempi degli studenti del primo, considerava The Rite un capolavoro che aveva creato "il decennio dell'accento spostato e dell'accordo politonale". Copland ha adottato la tecnica di Stravinsky di comporre in piccole sezioni che ha poi mischiato e riarrangiato, piuttosto che lavorare dall'inizio alla fine. Ross cita la musica del balletto di Copland Billy the Kid come proveniente direttamente dalla sezione "Spring Rounds" di The Rite . Per Olivier Messiaen il Rito aveva un significato speciale; ha costantemente analizzato ed esposto il lavoro, che gli ha fornito un modello duraturo per la spinta ritmica e l'assemblaggio del materiale. Stravinsky era scettico sull'analisi eccessivamente intellettuale del lavoro. "L'uomo ha trovato ragioni per ogni nota e che la linea del clarinetto a pagina 3 è il contrappunto invertito del corno a pagina 19. Non ci avevo mai pensato", avrebbe risposto a Michel Legrand quando gli è stato chiesto dell'interpretazione di Pierre Boulez la questione.
Dopo la prima, lo scrittore Léon Vallas ha ritenuto che Stravinsky avesse scritto musica con 30 anni di anticipo sui tempi, adatta per essere ascoltata nel 1940. Casualmente, fu in quell'anno che Walt Disney pubblicò Fantasia , un film d'animazione che utilizzava la musica di The Rite e altre composizioni classiche, dirette da Stokowski. Il segmento Rite del film descriveva la preistoria della Terra, con la creazione della vita, che portò all'estinzione dei dinosauri come finale. Tra coloro che furono colpiti dal film c'era Gunther Schuller , in seguito compositore, direttore d'orchestra e studioso di jazz. La sequenza della sagra della primavera , dice, lo ha sopraffatto e ha determinato la sua futura carriera musicale: "Spero che [Stravinsky] abbia apprezzato il fatto che centinaia, forse migliaia, di musicisti siano stati trasformati in La sagra della primavera ... attraverso Fantasia , musicisti che potrebbero altrimenti mai sentito l'opera, o almeno non fino a molti anni dopo". In seguito Stravinsky dichiarò disgusto per l'adattamento, anche se, come osserva Ross, all'epoca non disse nulla di critico; secondo Ross, il compositore Paul Hindemith ha osservato che "Igor sembra amarlo".
Registrazioni
Prima che le prime registrazioni su disco per grammofono di The Rite fossero pubblicate nel 1929, Stravinsky aveva contribuito a produrre una versione per pianoforte dell'opera per la filiale londinese della Aeolian Company . Creò anche un arrangiamento molto più completo per la Pleyela, prodotta dalla compagnia francese di pianoforti Pleyel , con la quale firmò due contratti nell'aprile e nel maggio 1921, in base ai quali molti dei suoi primi lavori furono riprodotti su questo supporto. La versione Pleyela di The Rite of Spring fu pubblicata nel 1921; il pianista britannico Rex Lawson ha registrato per la prima volta il lavoro in questa forma nel 1990.
Nel 1929 Stravinsky e Monteux gareggiarono tra loro per dirigere la prima registrazione per grammofono orchestrale di The Rite . Mentre Stravinsky guidava L'Orchestre des Concerts Straram in una registrazione per l'etichetta Columbia, allo stesso tempo Monteux la registrava per l'etichetta HMV. La versione di Stokowski seguì nel 1930. Stravinsky fece altre due registrazioni, nel 1940 e nel 1960. Secondo il critico Edward Greenfield , Stravinsky non era tecnicamente un grande direttore ma, dice Greenfield, nella registrazione del 1960 con la Columbia Symphony Orchestra il compositore ispirò una performance con "straordinaria spinta e resilienza". Nelle conversazioni con Robert Craft , Stravinsky ha esaminato diverse registrazioni di The Rite realizzate negli anni '60. Pensava che la registrazione di Herbert von Karajan del 1963 con la Filarmonica di Berlino fosse buona, ma "la performance è ... troppo raffinata, un animale selvaggio piuttosto che reale". Stravinsky pensava che Pierre Boulez , con l' Orchestre National de France (1963), fosse "meno bravo di quanto sperassi ... tempi pessimi e alcune alterazioni insipide". Ha elogiato una registrazione del 1962 della Moscow State Symphony Orchestra per aver fatto suonare la musica in russo, "che è giusto", ma il giudizio conclusivo di Stravinsky era che nessuna di queste tre esibizioni valeva la pena di essere conservata.
Nel 2013 c'erano oltre 100 diverse registrazioni di The Rite disponibili in commercio e molte altre conservate negli archivi sonori della biblioteca. È diventata una delle opere musicali del 20° secolo più registrate.
Edizioni
La prima partitura pubblicata fu l'arrangiamento per pianoforte a quattro mani ( Edition Russe de Musique , RV196), datato 1913. La pubblicazione dell'intera partitura orchestrale fu impedita dallo scoppio della guerra nell'agosto 1914. Dopo la ripresa dell'opera nel 1920 Stravinsky, che non ascoltava la musica da sette anni, fece numerose revisioni alla partitura, che fu finalmente pubblicata nel 1921 (Edition Russe de Musique, RV 197/197b. Large and pocket scores).
Nel 1922 Ansermet, che si preparava a eseguire l'opera a Berlino, inviò a Stravinsky un elenco di errori che aveva trovato nella partitura pubblicata. Nel 1926, come parte della sua preparazione per l'esibizione di quell'anno con l' Orchestra del Concertgebouw , Stravinsky riscrisse la sezione "Evocazione degli antenati" e apportò modifiche sostanziali alla "Danza sacrificale". L'entità di queste revisioni, insieme alle raccomandazioni di Ansermet, convinse Stravinsky che era necessaria una nuova edizione, che apparve in forma grande e tascabile nel 1929. Tuttavia, non includeva tutti gli emendamenti di Ansermet e, in modo confuso, portava la data e Codice RV dell'edizione del 1921, che rende difficile identificare la nuova edizione.
Stravinsky continuò a rivedere l'opera e nel 1943 riscrisse la "Danza sacrificale". Nel 1948 Boosey & Hawkes pubblicarono una versione corretta della partitura del 1929 (B&H 16333), sebbene il sostanziale emendamento di Stravinsky del 1943 della "Danza sacrificale" non fosse incorporato nella nuova versione e rimase non eseguito, con disappunto del compositore. Lo considerava "molto più facile da suonare ... e superiore per equilibrio e sonorità" alle versioni precedenti. Un motivo meno musicale per le revisioni e le edizioni corrette era la legge sul copyright. Il compositore aveva lasciato la Galaxy Music Corporation (agenti per Editions Russe de la Musique, l'editore originale) per Associated Music Publishers in quel momento, e le orchestre sarebbero state riluttanti a pagare un secondo canone di locazione da due editori per abbinare l'opera completa e la rivista Danza sacrificale; inoltre, il ballo rivisto poteva essere pubblicato solo in America. La partitura del 1948 forniva protezione del copyright all'opera in America, dove era scaduta, ma Boosey (che acquisì il catalogo delle Editions Russe) non aveva i diritti sul finale rivisto.
La partitura del 1929 rivista nel 1948 costituisce la base delle esecuzioni più moderne di The Rite. Boosey & Hawkes ristamparono la loro edizione del 1948 nel 1965 e ne produssero una nuova edizione incisa (B&H 19441) nel 1967. L'azienda pubblicò anche una ristampa non modificata della riduzione per pianoforte del 1913 nel 1952 (B&H 17271) e una versione per pianoforte rivista, che incorporava la riduzione per pianoforte del 1929 revisioni, nel 1967.
La Paul Sacher Foundation , in associazione con Boosey & Hawkes, ha annunciato nel maggio 2013, nell'ambito delle celebrazioni del centenario di The Rite, l'intenzione di pubblicare la partitura autografa del 1913, come usata nelle prime esibizioni . Dopo essere stata conservata in Russia per decenni, la partitura autografa è stata acquisita da Boosey & Hawkes nel 1947. L'azienda ha presentato la partitura a Stravinsky nel 1962, nel giorno del suo 80esimo compleanno. Dopo la morte del compositore nel 1971 il manoscritto fu acquisito dalla Fondazione Paul Sacher. Oltre alla partitura autografa, hanno pubblicato la partitura manoscritta per pianoforte a quattro mani.
Nel 2000, Kalmus Music Publishers ha pubblicato un'edizione in cui l'ex bibliotecario della Philadelphia Orchestra Clint Nieweg ha apportato oltre 21.000 correzioni alla partitura e alle parti. Da allora un elenco di errata pubblicato ha aggiunto altre 310 correzioni e questa è considerata la versione più accurata del lavoro del 2013.
Note e riferimenti
Appunti
Citazioni
Fonti
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Ulteriori letture
- Hodson, Millicent (1996). Il crimine contro la grazia di Nijinsky: ricostruzione della coreografia originale per Le Sacre du printemps . Pendragon Press.
link esterno
- "100 anni dopo: Igor Stravinsky su The Rite of Spring di Robert Craft , The Times Literary Supplement , 19 giugno 2013
- Sito Web multimediale - Tenere il punteggio: rivoluzioni nella musica: La sagra della primavera di Stravinsky
- Prima registrazione orchestrale del 1929 diretta dal compositore in formato MP3
- Esecuzione dell'arrangiamento per pianoforte a quattro mani di Stravinsky di The Rite of Spring di Jonathan Biss e Jeremy Denk dall'Isabella Stewart Gardner Museum in formato MP3
- The Rite of Spring : Scores at the International Music Score Library Project
- The Rite of Spring : 'The work of a madman' di Tom Service , The Guardian , 13 febbraio 2013
- BBC Proms 2011 Il rito della primavera di Stravinsky