Animazione tradizionale -Traditional animation

Dipingere con vernice acrilica sul retro di un cel già inchiostrato, qui posizionato sul disegno di animazione originale

L'animazione tradizionale (o animazione classica , animazione cel , animazione disegnata a mano o animazione 2D ) è una tecnica di animazione in cui ogni fotogramma viene disegnato a mano. La tecnica era la forma dominante di animazione nel cinema fino all'animazione al computer .

Processi

Scrittura e storyboard

La produzione dell'animazione di solito inizia dopo che una storia è stata convertita in una sceneggiatura di un film d'animazione, da cui deriva uno storyboard . Uno storyboard ha un aspetto in qualche modo simile ai pannelli dei fumetti ed è una suddivisione inquadratura per inquadratura della messa in scena, della recitazione e di tutte le mosse della telecamera che saranno presenti nel film. Le immagini consentono al team di animazione di pianificare il flusso della trama e la composizione delle immagini. Gli artisti dello storyboard incontreranno regolarmente il regista e potranno ridisegnare o "rimontare" una sequenza molte volte prima che raggiunga l'approvazione finale.

Registrazione vocale

Prima dell'inizio dell'animazione, viene registrata una colonna sonora preliminare o una traccia scratch in modo che l'animazione possa essere sincronizzata in modo più preciso con la colonna sonora. Dato il modo lento in cui viene prodotta l'animazione tradizionale, è quasi sempre più facile sincronizzare l'animazione con una colonna sonora preesistente che sincronizzare una colonna sonora con un'animazione preesistente. Una colonna sonora di cartoni animati completa conterrà musica , effetti sonori e dialoghi eseguiti da doppiatori . La traccia scratch utilizzata durante l'animazione in genere contiene solo le voci, tutte le canzoni a cui i personaggi devono cantare insieme e tracce musicali temporanee; la partitura finale e gli effetti sonori vengono aggiunti durante la post-produzione .

Nel caso dell'animazione giapponese e della maggior parte dei cartoni animati sonori precedenti al 1930, il suono era post-sincronizzato ; la colonna sonora è stata registrata dopo che gli elementi del film erano stati completati guardando il film ed eseguendo i dialoghi, la musica e gli effetti sonori richiesti. Alcuni studi, in particolare i Fleischer Studios , hanno continuato a sincronizzare i loro cartoni animati per la maggior parte degli anni '30, il che ha consentito la presenza di "improvvisazioni mormorate" presenti in molti cartoni animati di Braccio di Ferro e Betty Boop .

Design, tempistica e layout

Quando gli storyboard vengono inviati ai reparti di progettazione, i designer dei personaggi preparano schede modello per tutti i personaggi e gli oggetti di scena che appaiono nel film; e questi sono usati per aiutare a standardizzare l'aspetto, le pose e i gesti. Le schede modello spesso includeranno "turnaround" che mostrano come appare un personaggio o un oggetto in tre dimensioni insieme a pose ed espressioni speciali standardizzate in modo che gli artisti abbiano una guida a cui fare riferimento. Piccole statue conosciute come maquette possono essere prodotte in modo che un animatore possa vedere come appare un personaggio in tre dimensioni. Gli stilisti in background faranno un lavoro simile per qualsiasi ambientazione e luogo presente nello storyboard, e gli art director e gli stilisti del colore determineranno lo stile artistico e le combinazioni di colori da utilizzare.

Un direttore dei tempi (che in molti casi sarà il regista principale) prenderà l'animatic e analizzerà esattamente quali pose, disegni e movimenti delle labbra saranno necessari su quali fotogrammi. Viene creato un foglio di esposizione (o foglio X ); questa è una tabella stampata che scompone l'azione, il dialogo e il suono fotogramma per fotogramma come guida per gli animatori. Se un film è basato più fortemente sulla musica, è possibile preparare un foglio di barre in aggiunta o al posto di un foglio X. I fogli a barre mostrano la relazione tra l'azione sullo schermo, il dialogo e l'effettiva notazione musicale utilizzata nella partitura.

Il layout inizia dopo che i progetti sono stati completati e approvati dal direttore. È qui che gli artisti del layout dello sfondo determinano gli angoli della telecamera, i percorsi della telecamera, l'illuminazione e l'ombreggiatura della scena. Gli artisti della disposizione dei personaggi determineranno le pose principali per i personaggi nella scena e faranno un disegno per indicare ogni posa. Per i cortometraggi, la disposizione dei personaggi è spesso responsabilità del regista. I disegni di layout e gli storyboard vengono quindi uniti, insieme all'audio e viene formato un animato (da non confondere con il suo predecessore, la leica reel ).

Mentre l'animazione viene eseguita, gli artisti sullo sfondo dipingeranno i set su cui si svolgerà l'azione di ciascuna sequenza animata. Questi sfondi sono generalmente realizzati a guazzo o pittura acrilica , sebbene alcune produzioni animate abbiano utilizzato sfondi realizzati ad acquerello o pittura ad olio . Gli artisti dello sfondo seguono molto da vicino il lavoro degli artisti del layout dello sfondo e degli stilisti del colore (che di solito viene compilato in una cartella di lavoro per il loro utilizzo) in modo che gli sfondi risultanti siano armoniosi in tono con i design dei personaggi.

animato

Di solito, una bobina animata o storia viene creata dopo che la colonna sonora è stata registrata e prima che inizi l'animazione completa. Il termine "animatico" è stato originariamente coniato dai Walt Disney Animation Studios . Un animatic consiste in genere in immagini dello storyboard temporizzate e tagliate insieme alla colonna sonora. Ciò consente agli animatori e ai registi di elaborare eventuali problemi di sceneggiatura e tempistica che potrebbero esistere con lo storyboard attuale. Lo storyboard e la colonna sonora vengono modificati se necessario e un nuovo animato può essere creato e rivisto con il regista fino a quando lo storyboard non soddisfa i requisiti degli utenti. Il montaggio del film nella fase di animazione impedisce l'animazione di scene che verrebbero eliminate dal film. Viene evitata la creazione di scene che alla fine verranno modificate dal cartone animato completato.

Animazione

Schizzo di una barra di animazione e misurazioni di tre tipi, Acme è il più comune.

Nel tradizionale processo di animazione, gli animatori inizieranno disegnando sequenze di animazione su fogli di carta trasparente perforati per adattarsi alle barre di fissaggio delle loro scrivanie, usando spesso matite colorate , un'immagine o una "cornice" alla volta. Una barra di ancoraggio è uno strumento di animazione utilizzato nell'animazione tradizionale per mantenere i disegni in posizione. Un animatore chiave o un animatore principale disegnerà i disegni chiave o i fotogrammi chiave in una scena, utilizzando i layout dei personaggi come guida. L'animatore chiave disegna un numero sufficiente di fotogrammi per superare le pose principali all'interno dell'esibizione di un personaggio.

Mentre lavora su una scena, un animatore chiave di solito prepara un test con la matita della scena. Un test con la matita è una versione molto più approssimativa della scena animata finale (spesso priva di molti dettagli e colori del personaggio); i disegni a matita vengono rapidamente fotografati o scansionati e sincronizzati con le colonne sonore necessarie. Ciò consente di rivedere e migliorare l'animazione prima di passare il lavoro ai loro assistenti animatori, che aggiungeranno dettagli e alcuni dei fotogrammi mancanti nella scena. Il lavoro degli assistenti animatori viene rivisto, testato con la matita e corretto fino a quando l'animatore principale non è pronto per incontrare il regista e preparare la scena .

Una volta che l'animazione chiave è stata approvata, l'animatore principale inoltra la scena al reparto di pulizia, composto dagli animatori di pulizia e dagli intermediari. Gli animatori di pulizia prendono i disegni degli animatori principali e assistenti e li tracciano su un nuovo foglio di carta, assicurandosi di includere tutti i dettagli presenti sui fogli del modello originale, in modo che il film mantenga una coesione e coerenza nello stile artistico . Gli intermediari disegneranno in tutti i fotogrammi mancanti tra i disegni degli altri animatori. Questa procedura è chiamata interpolazione . I disegni risultanti vengono nuovamente testati con la matita e sottoposti a sudore fino a quando non incontrano l'approvazione.

In ogni fase dell'animazione con la matita, la grafica approvata viene inserita nella bobina Leica .

Questo processo è lo stesso sia per l' animazione dei personaggi che per l'animazione degli effetti speciali , che nella maggior parte delle produzioni ad alto budget vengono eseguite in reparti separati. Spesso, ogni personaggio principale avrà un animatore o un gruppo di animatori dedicato esclusivamente a disegnare quel personaggio. Il gruppo sarà composto da un animatore supervisore, un piccolo gruppo di animatori chiave e un gruppo più ampio di assistenti animatori. Gli animatori di effetti animano tutto ciò che si muove e non è un personaggio, inclusi oggetti di scena, veicoli, macchinari e fenomeni come fuoco , pioggia ed esplosioni . A volte, invece dei disegni, vengono utilizzati numerosi processi speciali per produrre effetti speciali nei film d'animazione; la pioggia, ad esempio, è stata creata nei film d'animazione Disney dalla fine degli anni '30 filmando filmati al rallentatore dell'acqua davanti a uno sfondo nero, con il film risultante sovrapposto all'animazione.

Inchiostro e vernice tradizionali e fotocamera

Una volta completate le pulizie e i disegni intermedi per una sequenza, vengono preparati per un processo noto come inchiostro e vernice. Ogni disegno viene quindi trasferito dalla carta a un sottile foglio di plastica trasparente chiamato cel , una contrazione del nome del materiale celluloide (l'originale nitrato di cellulosa infiammabile è stato successivamente sostituito con il più stabile acetato di cellulosa ). Il contorno del disegno viene inchiostrato o fotocopiato sul cel e sul retro dei cels viene utilizzato un tipo di vernice a guazzo , acrilico o simile per aggiungere colori nelle tonalità appropriate. La qualità trasparente del cel consente di animare ogni personaggio o oggetto in un fotogramma su cel diversi, poiché il cel di un personaggio può essere visto sotto il cel di un altro; e lo sfondo opaco si vedrà sotto tutte le celle.

Quando un'intera sequenza è stata trasferita su cels, inizia il processo fotografico. Ogni cella coinvolta in un fotogramma di una sequenza è posta una sopra l'altra, con lo sfondo in fondo alla pila. Un pezzo di vetro viene abbassato sull'opera d'arte per appiattire eventuali irregolarità e l'immagine composita viene quindi fotografata da una speciale telecamera di animazione , chiamata anche telecamera da rostro . I cels vengono rimossi e il processo si ripete per il fotogramma successivo fino a quando ogni fotogramma della sequenza non è stato fotografato. Ogni cella ha fori di registrazione, piccoli fori lungo il bordo superiore o inferiore della cella, che consentono di posizionare la cella sulle barre di ancoraggio corrispondenti davanti alla fotocamera per garantire che ogni cella sia allineata con quella precedente; se i cels non sono allineati in questo modo, l'animazione, se riprodotta a piena velocità, apparirà "tremolante". A volte, i fotogrammi potrebbero dover essere fotografati più di una volta, per implementare sovrapposizioni e altri effetti della fotocamera. Le panoramiche vengono create spostando le celle o gli sfondi di 1 passaggio alla volta su una successione di fotogrammi (la fotocamera non esegue la panoramica, ma solo ingrandisce e rimpicciolisce).

Una fotocamera utilizzata per le riprese di animazione tradizionale. Vedi anche Immagine aerea .

I fogli di droga vengono creati dagli animatori e utilizzati dall'operatore della telecamera per trasferire ogni disegno di animazione nel numero di fotogrammi del film specificato dagli animatori, che sia 1 (1s, uno) 2 (2s, due) o 3 (3s, tre ).

Quando le scene escono dalla fotografia finale, vengono unite nella bobina Leica, prendendo il posto dell'animazione a matita. Una volta che ogni sequenza della produzione è stata fotografata, il film finale viene inviato per lo sviluppo e l'elaborazione, mentre la musica finale e gli effetti sonori vengono aggiunti alla colonna sonora.

Processo moderno

Inchiostro digitale e vernice

L'attuale processo, chiamato "inchiostro e pittura digitali", è lo stesso dell'inchiostro e della pittura tradizionali fino al completamento dei disegni di animazione; invece di essere trasferiti su cels, i disegni degli animatori vengono scansionati in un computer o disegnati direttamente sul monitor di un computer tramite tavolette grafiche , dove vengono colorati ed elaborati utilizzando uno o più pacchetti software. I disegni risultanti vengono composti nel computer sui rispettivi sfondi, che sono stati anche scansionati nel computer (se non dipinti digitalmente) e il computer emette il film finale esportando un file video digitale , utilizzando un videoregistratore o stampando per filmare utilizzando un dispositivo di output ad alta risoluzione. L'uso dei computer consente uno scambio più facile di opere d'arte tra dipartimenti, studi e persino paesi e continenti (nella maggior parte delle produzioni animate americane a basso budget, la maggior parte dell'animazione viene effettivamente eseguita da animatori che lavorano in altri paesi , tra cui Corea del Sud , Taiwan , Giappone , Cina , Singapore , Messico , India e Filippine ). Poiché il costo dell'inchiostrazione e della pittura di nuovi cel per film d'animazione e programmi TV e l'uso ripetuto di cels più vecchi per programmi TV e film animati più recenti è aumentato e il costo per fare la stessa cosa digitalmente è diminuito, alla fine, l'inchiostro digitale- e il processo di verniciatura è diventato lo standard per i futuri film d'animazione e programmi TV.

Implementazione

Hanna-Barbera è stato il primo studio di animazione americano a implementare un sistema di animazione al computer per l'utilizzo di inchiostro e pittura digitale. A seguito di un impegno per la tecnologia nel 1979, l'informatico Marc Levoy ha guidato l'Hanna-Barbera Animation Laboratory dal 1980 al 1983, sviluppando un sistema di inchiostro e vernice che è stato utilizzato in circa un terzo della produzione nazionale di Hanna-Barbera, a partire dal 1984 e continuando fino alla sostituzione con software di terze parti nel 1996. Oltre a un risparmio sui costi rispetto alla tradizionale pittura su cel di 5 a 1, il sistema Hanna-Barbera consentiva anche effetti fotocamera multipiano evidenti nelle produzioni HB come A Pup Named Scooby- Doo (1988).

L'inchiostro e la vernice digitali sono in uso presso i Walt Disney Animation Studios dal 1989, dove sono stati utilizzati per l'ultima ripresa dell'arcobaleno ne La sirenetta . Tutti i successivi lungometraggi animati Disney sono stati inchiostrati e dipinti digitalmente (a cominciare da The Rescuers Down Under , che è stato anche il primo film importante a utilizzare interamente inchiostro e vernice digitali), utilizzando la tecnologia proprietaria CAPS (Computer Animation Production System) della Disney, sviluppata principalmente da Pixar Animation Studios . Il sistema CAPS ha consentito agli artisti Disney di utilizzare le tecniche colorate delle linee di inchiostro per lo più perse durante l'era della xerografia, nonché effetti multipiano, ombreggiature sfumate e una più facile integrazione con sfondi CGI 3D (come nella sequenza della sala da ballo nel film Beauty del 1991 e la Bestia ), oggetti di scena e personaggi.

Mentre Hanna-Barbera e Disney hanno iniziato a implementare l'inchiostrazione digitale e la pittura, il resto del settore ha impiegato più tempo per adattarsi. Molti registi e studi di produzione non volevano passare al processo di inchiostro e pittura digitale perché ritenevano che l'animazione digitale colorata sarebbe sembrata troppo sintetica e avrebbe perso il fascino estetico del cel non computerizzato per i loro progetti. Molte serie televisive animate erano ancora animate in altri paesi utilizzando il tradizionale processo cel inchiostrato e dipinto fino al 2004, sebbene la maggior parte di esse sia passata al processo digitale ad un certo punto durante la loro corsa. L'ultimo grande lungometraggio a utilizzare l'inchiostro e la pittura tradizionali è stato Millennium Actress (2001) di Satoshi Kon ; le ultime grandi produzioni di animazione in occidente a utilizzare il processo tradizionale sono state SpongeBob SquarePants di Nickelodeon , I Simpson e King of the Hill di Fox e The Powerpuff Girls di Cartoon Network e Ed , Edd n Eddy , che sono tutti cambiati. alla pittura digitale tra il 2000 e il 2004, mentre l'ultima grande produzione animata in assoluto ad abbandonare l'animazione cel è stata l'adattamento televisivo di Sazae-san , che è rimasto fedele alla tecnica fino al 29 settembre 2013, quando è passato all'animazione completamente digitale il 6 ottobre , 2013. In precedenza, la serie ha adottato l'animazione digitale esclusivamente per i titoli di testa nel 2009, ma ha mantenuto l'uso di cel tradizionali per il contenuto principale di ogni episodio. Produzioni minori, come Hair High (2004) di Bill Plympton , hanno utilizzato i cel tradizionali molto tempo dopo l'introduzione delle tecniche digitali. La maggior parte degli studi oggi utilizza uno di una serie di altri pacchetti software di fascia alta, come Toon Boom Harmony , Toonz (OpenToonz), Animo e RETAS , o anche applicazioni di livello consumer come Adobe Flash , Toon Boom Technologies e TV Paint .

Tecniche

Cel

Questa immagine mostra come due celle trasparenti, ciascuna con un carattere diverso disegnato su di esse, e uno sfondo opaco vengono fotografate insieme per formare l'immagine composita.

Il processo di animazione cel è stato inventato da Earl Hurd e John Bray nel 1915. Il cel è un'importante innovazione per l'animazione tradizionale, poiché consente di ripetere alcune parti di ciascun fotogramma da un fotogramma all'altro, risparmiando così manodopera. Un semplice esempio potrebbe essere una scena con due personaggi sullo schermo, uno dei quali sta parlando e l'altro in piedi in silenzio. Poiché quest'ultimo personaggio non si muove, può essere visualizzato in questa scena utilizzando un solo disegno, su una cella, mentre più disegni su più celle vengono utilizzati per animare il personaggio che parla.

Per un esempio più complesso, considera una sequenza in cui una persona posa un piatto su un tavolo. La tabella rimane ferma per l'intera sequenza, quindi può essere disegnata come parte dello sfondo. Il piatto può essere disegnato insieme al personaggio mentre il personaggio lo posiziona sul tavolo. Tuttavia, dopo che il piatto è sul tavolo, il piatto non si muove più, anche se la persona continua a muoversi mentre allontana il braccio dal piatto. In questo esempio, dopo che la persona ha posato il piatto, il piatto può essere disegnato su una cella separata da loro. Ulteriori riquadri presentano nuovi cels della persona, ma il piatto non deve essere ridisegnato in quanto non si muove; la stessa cella del piatto può essere utilizzata in ogni cornice rimanente che è ancora sul tavolo. Le vernici cel sono state effettivamente prodotte in versioni sfumate di ciascun colore per compensare lo strato aggiuntivo di cel aggiunto tra l'immagine e la fotocamera; in questo esempio, la lastra fissa verrebbe dipinta leggermente più brillante per compensare lo spostamento di uno strato verso il basso.

In TV e in altre produzioni a basso budget, i cels venivano spesso "ciclizzati" (cioè una sequenza di cel veniva ripetuta più volte) e persino archiviati e riutilizzati in altri episodi. Dopo che il film è stato completato, i film sono stati buttati via o, soprattutto nei primi giorni dell'animazione, lavati e riutilizzati per il film successivo. In alcuni casi, alcuni dei cel sono stati inseriti nell '"archivio" per essere utilizzati ancora e ancora per scopi futuri al fine di risparmiare denaro. Alcuni studi hanno salvato una parte dei cels e li hanno venduti nei negozi di studio o li hanno presentati come regali ai visitatori.

Sovrapposizione cellulare

Un cel overlay è un cel con oggetti inanimati utilizzato per dare l'impressione di un primo piano quando posato sopra una cornice pronta. Questo crea l'illusione della profondità, ma non tanto quanto farebbe una fotocamera multipiano. Una versione speciale di cel overlay è chiamata line overlay , realizzata per completare lo sfondo invece di creare il primo piano, ed è stata inventata per gestire l'aspetto abbozzato dei disegni xeroxed. Lo sfondo è stato inizialmente dipinto come forme e figure in colori piatti, contenenti piuttosto pochi dettagli. Successivamente, una cella con linee nere dettagliate è stata posta direttamente su di essa, ogni linea viene disegnata per aggiungere ulteriori informazioni alla forma o figura sottostante e dare allo sfondo la complessità di cui aveva bisogno. In questo modo, lo stile visivo dello sfondo corrisponderà a quello dei caratteri xeroxed cels. Con l'evoluzione del processo xerografico, la sovrapposizione della linea è stata lasciata indietro.

Animazione pre-cel

How Animated Cartoons Are Made (1919), che mostra personaggi realizzati con carta ritagliata

Nei primissimi cartoni animati realizzati prima dell'uso del cel, come Gertie the Dinosaur (1914), l'intera cornice, compreso lo sfondo e tutti i personaggi e gli oggetti, veniva disegnata su un unico foglio di carta, quindi fotografata. Tutto doveva essere ridisegnato per ogni fotogramma contenente i movimenti. Ciò ha portato a un aspetto "nervoso"; immagina di vedere una sequenza di disegni di una montagna, ciascuno leggermente diverso da quello che lo precede. L'animazione pre-cel è stata successivamente migliorata utilizzando tecniche come il sistema slash and tear inventato da Raoul Barre ; lo sfondo e gli oggetti animati sono stati disegnati su fogli separati. È stata realizzata una cornice rimuovendo tutte le parti bianche delle carte dove sono stati disegnati gli oggetti prima di essere posizionati sopra gli sfondi e infine fotografati.

Animazione limitata

Nelle produzioni a basso budget, le scorciatoie disponibili tramite la tecnica cel sono ampiamente utilizzate. Ad esempio, in una scena in cui una persona è seduta su una sedia e parla, la sedia e il corpo della persona possono essere gli stessi in ogni fotogramma; solo la loro testa è ridisegnata, o forse anche la loro testa rimane la stessa mentre si muove solo la loro bocca. Questo è noto come animazione limitata . Il processo è stato reso popolare nei cartoni animati della United Productions of America e utilizzato nella maggior parte delle animazioni televisive , in particolare quella di Hanna-Barbera . Il risultato finale non sembra molto realistico, ma è poco costoso da produrre e quindi consente di realizzare cartoni animati con budget televisivi ridotti.

"Tiro a due"

I personaggi in movimento vengono spesso uccisi "a due". Viene mostrato un disegno per ogni due fotogrammi di pellicola (che di solito viene eseguito a 24 fotogrammi al secondo), il che significa che ci sono solo 12 disegni al secondo. Anche se la frequenza di aggiornamento dell'immagine è bassa, la fluidità è soddisfacente per la maggior parte dei soggetti. Tuttavia, quando a un personaggio è richiesto di eseguire un movimento rapido, di solito è necessario tornare all'animazione "su uno", poiché i "due" sono troppo lenti per trasmettere il movimento in modo adeguato. Una miscela delle due tecniche inganna l'occhio senza costi di produzione inutili.

L'animatore candidato all'Oscar Bill Plympton è noto per il suo stile di animazione che utilizza pochissimi passaggi intermedi e sequenze eseguite "a tre" o "a quattro", tenendo ogni disegno sullo schermo da 1/8 a 1/6 di un secondo. Sebbene Plympton utilizzi prese di tre fotogrammi quasi costanti, a volte l'animazione che ha una media di otto disegni al secondo è anche definita "su tre" e di solito viene eseguita per soddisfare i vincoli di budget, insieme ad altre misure di riduzione dei costi come tenere lo stesso disegno di un personaggio per un periodo di tempo prolungato o passare in rassegna un'immagine fissa, tecniche spesso utilizzate nelle produzioni televisive a basso budget. È comune anche negli anime , dove la fluidità viene sacrificata al posto di uno spostamento verso la complessità nei design e nelle sfumature (in contrasto con i design più funzionali e ottimizzati della tradizione occidentale); anche i film ad alto budget come quello dello Studio Ghibli utilizzano l'intera gamma: dall'animazione fluida "su uno" in inquadrature selezionate (di solito accenti di azione rapida) all'animazione comune "su tre" per dialoghi regolari e riprese a ritmo lento.

Ciclo di animazione

Un cavallo animato dal rotoscoping dalle foto del XIX secolo di Eadweard Muybridge . L'animazione è composta da 8 disegni che sono "loop", cioè ripetuti più e più volte. Anche questo esempio è "girato a due", cioè mostrato a 12 disegni al secondo.

La creazione di loop di animazione o cicli di animazione è una tecnica che fa risparmiare lavoro per animare movimenti ripetitivi, come un personaggio che cammina o una brezza che soffia tra gli alberi. Nel caso della camminata, il personaggio è animato facendo un passo con il piede destro, poi un passo con il sinistro. Il ciclo viene creato in modo che, quando la sequenza si ripete, il movimento sia continuo. In genere vengono utilizzati solo con parsimonia da produzioni con budget moderati o alti.

Il cortometraggio Walking di Ryan Larkin , nominato all'Oscar nel 1969 dal National Film Board of Canada , fa un uso creativo dei loop. Inoltre, un video musicale promozionale dei Groovies di Cartoon Network con la canzone "Circles" dei Soul Coughing ha preso in giro i loop di animazione come spesso si vedono in The Flintstones , in cui Fred e Barney (insieme a vari personaggi di Hanna-Barbera andati in onda su Cartoon Network), presumibilmente camminando in una casa, si chiedono perché continuano a passare lo stesso tavolo e vaso più e più volte.

Processo multipiano

Il processo multipiano è una tecnica utilizzata principalmente per dare un senso di profondità o parallasse ai film d'animazione bidimensionali. Per utilizzare questa tecnica nell'animazione tradizionale, l'opera d'arte viene dipinta o posizionata su livelli separati chiamati piani. Questi piani, tipicamente costruiti con piani di vetro trasparente o plexiglass, vengono quindi allineati e posizionati con distanze specifiche tra ciascun piano. L'ordine in cui sono posizionati i piani e la distanza tra loro è determinato da quale elemento della scena si trova sul piano e dalla profondità prevista dell'intera scena. Una telecamera, montata sopra o davanti ai piani, sposta la sua messa a fuoco verso o lontano dai piani durante l'acquisizione dei singoli fotogrammi di animazione. In alcuni dispositivi, i singoli piani possono essere avvicinati o allontanati dalla fotocamera. Questo dà allo spettatore l'impressione di muoversi attraverso gli strati separati dell'arte come in uno spazio tridimensionale.

Storia

I predecessori di questa tecnica e delle attrezzature utilizzate per implementarla iniziarono ad apparire alla fine del XIX secolo. Le lastre di vetro dipinte sono state spesso utilizzate in scatti opachi e scatti di vetro, come si vede nel lavoro di Norman Dawn . Nel 1923, Lotte Reiniger e il suo team di animazione costruirono una delle prime strutture di animazione multipiano, un dispositivo chiamato Tricktisch . Il suo design verticale dall'alto verso il basso ha consentito la regolazione dall'alto di singoli piani fissi. Il Tricktisch è stato utilizzato nelle riprese de Le avventure del principe Achmed , una delle opere più famose di Reiniger. I futuri dispositivi di animazione multipiano userebbero generalmente lo stesso design verticale del dispositivo di Reiniger. Una notevole eccezione a questa tendenza è stata la Setback Camera, sviluppata e utilizzata dai Fleischer Studios . Questo dispositivo utilizzava modelli tridimensionali in miniatura di set, con celle animate posizionate in varie posizioni all'interno del set. Questa posizione dava l'aspetto di oggetti che si muovevano davanti e dietro i personaggi animati ed era spesso chiamata Metodo da tavolo.

Impatto

La diffusione e lo sviluppo dell'animazione multipiano ha aiutato gli animatori ad affrontare i problemi con il rilevamento del movimento e la profondità della scena e ha ridotto i tempi di produzione e i costi per le opere animate. In una registrazione del 1957 , Walt Disney spiegò perché il rilevamento del movimento era un problema per gli animatori, così come cosa l'animazione multipiano poteva fare per risolverlo. Utilizzando un fermo immagine bidimensionale di una fattoria animata di notte, la Disney ha dimostrato che lo zoom sulla scena, utilizzando le tecniche di animazione tradizionali dell'epoca, aumentava le dimensioni della luna. Nell'esperienza di vita reale, la luna non aumenterebbe di dimensioni mentre uno spettatore si avvicinava a una fattoria. L'animazione multipiano ha risolto questo problema separando la luna, la fattoria e il terreno agricolo in piani separati, con la luna più lontana dalla telecamera. Per creare l'effetto zoom, i primi due piani sono stati avvicinati alla telecamera durante le riprese, mentre l'aereo con la luna è rimasto alla sua distanza originale. Ciò ha fornito una profondità e una pienezza alla scena che era più simile alla vita reale, che era un obiettivo importante per molti studi di animazione dell'epoca.

Xerografia

Applicata all'animazione da Ub Iwerks presso lo studio Walt Disney durante la fine degli anni '50, la tecnica di copia elettrostatica chiamata xerografia consentiva di copiare i disegni direttamente sui cels, eliminando gran parte della parte "inchiostrazione" del processo di inchiostro e pittura. Ciò ha consentito di risparmiare tempo e denaro e ha anche permesso di inserire più dettagli e di controllare le dimensioni degli oggetti e dei personaggi xeroxed. All'inizio, il risultato era un aspetto più abbozzato, ma la tecnica è stata migliorata nel tempo.

L'animatore e ingegnere Disney Bill Justice aveva brevettato un precursore del processo Xerox nel 1944, in cui i disegni realizzati con una matita speciale sarebbero stati trasferiti su una cella a pressione e quindi fissati. Non è noto se il processo sia mai stato utilizzato nell'animazione.

Il metodo xerografico è stato testato per la prima volta dalla Disney in alcune scene della Bella Addormentata ed è stato utilizzato per la prima volta completamente nel cortometraggio Golia II , mentre il primo lungometraggio che utilizzava interamente questo processo è stato I cento e una dalmata (1961). Lo stile grafico di questo film è stato fortemente influenzato dal processo. Alcuni inchiostri a mano erano ancora usati insieme alla xerografia in questo film e nei successivi quando erano necessarie linee colorate distinte. Successivamente sono diventati disponibili toner colorati e si potevano utilizzare diversi colori di linea distinti, anche contemporaneamente. Ad esempio, in The Rescuers i contorni dei personaggi sono grigi. I toner bianco e blu sono stati utilizzati per effetti speciali, come neve e acqua.

Il processo APT

Inventato da Dave Spencer per il film Disney del 1985 The Black Cauldron , il processo APT (Animation Photo Transfer) era una tecnica per trasferire l'arte degli animatori su cels. Fondamentalmente, il processo era una modifica di un processo repro-fotografico; il lavoro degli artisti è stato fotografato su pellicola "litografia" ad alto contrasto e l'immagine sul negativo risultante è stata quindi trasferita su un cel ricoperto da uno strato di colorante fotosensibile. Il cel è stato esposto attraverso il negativo. I prodotti chimici sono stati quindi utilizzati per rimuovere la parte non esposta. Piccoli e delicati dettagli venivano ancora inchiostrati a mano se necessario. Spencer ha ricevuto un Academy Award for Technical Achievement per lo sviluppo di questo processo.

Rotoscopio

Il rotoscoping è un metodo di animazione tradizionale inventato da Max Fleischer nel 1915, in cui l'animazione viene "tracciata" su filmati reali di attori e scenari. Tradizionalmente, il live-action verrà stampato fotogramma per fotogramma e registrato. Un altro pezzo di carta viene quindi posizionato sopra le stampe live-action e l'azione viene tracciata fotogramma per fotogramma utilizzando un lightbox. Il risultato finale sembra ancora disegnato a mano, ma il movimento sarà straordinariamente realistico. I film Waking Life e American Pop sono film rotoscopi a figura intera. L'animazione rotoscopica appare anche nei video musicali della canzone degli A-ha " Take On Me " e di " Heartless " di Kanye West . Nella maggior parte dei casi, il rotoscoping viene utilizzato principalmente per aiutare l'animazione di esseri umani resi realisticamente, come in Biancaneve e i sette nani , Peter Pan e La bella addormentata nel bosco .

Successivamente è stato inventato un metodo correlato al rotoscoping convenzionale per l'animazione di oggetti solidi inanimati, come automobili, barche o porte. Un piccolo modello live-action dell'oggetto richiesto è stato costruito e dipinto di bianco, mentre i bordi del modello sono stati dipinti con sottili linee nere. L'oggetto è stato quindi filmato come richiesto per la scena animata spostando il modello, la telecamera o una combinazione di entrambi, in tempo reale o utilizzando l'animazione stop-motion. I fotogrammi del film sono stati quindi stampati su carta, mostrando un modello composto dalle linee nere dipinte. Dopo che gli artisti hanno aggiunto dettagli all'oggetto non presente nella fotografia live-action del modello, è stato eseguito xerox su cels. Un esempio notevole è l'auto di Crudelia de Vil in I cento e una dalmata della Disney . Il processo di trasferimento di oggetti 3D in cels è stato notevolmente migliorato negli anni '80, quando la computer grafica è avanzata abbastanza da consentire la creazione di oggetti 3D generati al computer che potevano essere manipolati in qualsiasi modo gli animatori desiderassero e quindi stampati come contorni su carta prima di essere copiati su cels usando la xerografia o il processo APT. Questa tecnica è stata utilizzata in film Disney come Oliver and Company (1988) e La sirenetta (1989). Questo processo è stato più o meno sostituito dall'uso del cel-shading.

Relativi al rotoscoping sono i metodi di vettorizzazione di filmati live-action, al fine di ottenere un aspetto molto grafico, come nel film di Richard Linklater A Scanner Darkly .

Ibridi live-action

Simile all'animazione al computer e agli ibridi di animazione tradizionali descritti sopra, occasionalmente una produzione combinerà sia filmati live-action che animati. Le parti live-action di queste produzioni vengono solitamente girate per prime, gli attori fingono di interagire con i personaggi animati, gli oggetti di scena o lo scenario; l'animazione verrà quindi aggiunta al metraggio in un secondo momento per far sembrare che sia sempre stata lì. Come il rotoscoping, questo metodo è usato raramente, ma quando lo è, può essere fatto con un effetto straordinario, immergendo il pubblico in un mondo fantastico in cui umani e cartoni animati coesistono. I primi esempi includono i cartoni animati muti Out of the Inkwell (iniziati nel 1919) di Max Fleischer e Alice Comedies di Walt Disney (iniziati nel 1923). Live-action e animazione sono stati successivamente combinati in film come Song of the South (1946), The Incredible Mr. Limpet , Mary Poppins (entrambi nel 1964), Chi ha incastrato Roger Rabbit (1988), Cool World (1992), Space Jam (1996), Looney Tunes: Back in Action (2003), The SpongeBob SquarePants Movie (2004) e Enchanted (2007), tra molti altri. La tecnica ha anche visto un uso significativo negli spot televisivi, in particolare per i cereali per la colazione commercializzati ai bambini per interessarli e aumentare le vendite.

Animazione con effetti speciali

Oltre a personaggi, oggetti e sfondi animati tradizionalmente, vengono utilizzate molte altre tecniche per creare elementi speciali come fumo, fulmini e "magia" e per conferire all'animazione, in generale, un aspetto visivo distinto. Oggi gli effetti speciali sono per lo più realizzati con i computer, ma prima dovevano essere eseguiti a mano. Per produrre questi effetti, gli animatori hanno utilizzato diverse tecniche, come pennello asciutto , aerografo , carboncino, matita grassa , animazione in controluce, schermi diffondenti, filtri o gel . Ad esempio, il segmento Nutcracker Suite in Fantasia ha una sequenza di fate in cui vengono utilizzati cels puntinati , creando un morbido look pastello.

Tecniche moderne

I metodi sopra menzionati descrivono le tecniche di un processo di animazione che originariamente dipendeva dai cel nelle sue fasi finali, ma i cel dipinti sono rari oggi poiché il computer si sposta nello studio di animazione e i disegni di contorno vengono solitamente scansionati al computer e riempiti con dipingere invece di essere trasferito su cels e poi colorato a mano. I disegni sono composti in un programma per computer su molti "strati" trasparenti più o meno allo stesso modo di cels, e trasformati in una sequenza di immagini che possono poi essere trasferite su pellicola o convertite in un formato video digitale .

Ora è anche possibile per gli animatori disegnare direttamente su un computer utilizzando una tavoletta grafica come Cintiq o un dispositivo simile, dove i disegni di contorno sono realizzati in modo simile a come sarebbero sulla carta. Il cortometraggio Pippo How To Hook Up Your Home Theater (2007) ha rappresentato il primo progetto Disney basato sulla tecnologia paperless disponibile oggi. Alcuni dei vantaggi sono la possibilità e il potenziale di controllare le dimensioni dei disegni mentre si lavora su di essi, disegnando direttamente su uno sfondo multipiano ed eliminando la necessità di fotografare i test di linea e la scansione.

Sebbene l'animazione tradizionale sia ora comunemente eseguita con i computer, è importante differenziare l'animazione tradizionale assistita dal computer dall'animazione 3D al computer , come Toy Story , Shrek , Jimmy Neutron: Boy Genius e Ice Age . Tuttavia, spesso l'animazione tradizionale e l'animazione 3D al computer verranno utilizzate insieme, come in Titan AE di Don Bluth e Hercules della Disney , Tarzan , Atlantis: The Lost Empire e Treasure Planet . La maggior parte degli anime e molte serie animate occidentali utilizzano ancora oggi l'animazione tradizionale, come Ghost in the Shell , Neon Genesis Evangelion e Cowboy Bebop . Jeffrey Katzenberg , dirigente della DreamWorks , ha coniato il termine "animazione tradigitale" per descrivere i film d'animazione prodotti dal suo studio che incorporavano allo stesso modo elementi di animazione tradizionale e al computer, come The Road to El Dorado , Spirit: Stallion of the Cimarron e Sinbad: Legend of the Sette Mari .

Molti videogiochi come Viewtiful Joe , The Legend of Zelda: The Wind Waker , Ico , Ōkami , Mirror's Edge e altri utilizzano filtri di animazione " cel-shading " o sistemi di illuminazione per far apparire la loro animazione 3D completa come se fosse disegnata in uno stile cel tradizionale. Questa tecnica è stata utilizzata anche nel film d'animazione Appleseed e l'animazione 3D cel-shaded è tipicamente integrata con l'animazione cel nei film Disney e in molti programmi televisivi, come Futurama della Fox , I Griffin e American Dad! ed entrambe le serie animate di Nickelodeon Invader Zim e The Fairly Oddparents . In una scena del film Pixar del 2007 Ratatouille , un'illustrazione di Gusteau (nel suo libro di cucina), parla a Remy (che, in quella scena, si era perso nelle fogne di Parigi) come frutto dell'immaginazione di Remy; questa scena è anche considerata un esempio di cel-shading in un film d'animazione. Più recentemente, cortometraggi animati come Paperman , Feast e The Dam Keeper hanno utilizzato uno stile più distintivo di animazione 3D cel-shaded, catturando un aspetto simile a un "dipinto in movimento".

Computer e videocamere digitali

Tra i tipi più comuni di telecamere da rostro di animazione c'era l'Oxberry. Tali telecamere erano sempre realizzate in alluminio anodizzato nero e comunemente avevano 2 barre di fissaggio, 1 nella parte superiore e 1 nella parte inferiore del lightbox. La Oxberry Master Series aveva 4 barre di fissaggio, 2 sopra e 2 sotto, e talvolta utilizzava anche una "barra di fissaggio fluttuante". L'altezza della colonna su cui era montata la fotocamera determinava la quantità di zoom ottenibile su un'opera d'arte. Tali telecamere erano enormi affari meccanici che potevano pesare vicino a una tonnellata e richiedere ore per essere smontati o installati.

Negli ultimi anni dell'animazione della telecamera da rostro, motori passo-passo controllati da computer erano collegati ai vari assi di movimento della telecamera, risparmiando così molte ore di manovella da parte degli operatori umani. A poco a poco, le tecniche di controllo del movimento sono state adottate in tutto il settore.

I processi di pittura e inchiostro digitale hanno gradualmente reso obsolete queste tecniche e apparecchiature di animazione tradizionali.

I computer e le videocamere digitali possono essere utilizzati anche come strumenti nell'animazione cel tradizionale senza influire direttamente sul film, assistendo gli animatori nel loro lavoro e rendendo l'intero processo più semplice e veloce. Fare i layout su un computer è molto più efficace che farlo con i metodi tradizionali. Inoltre, le videocamere danno l'opportunità di vedere un'"anteprima" delle scene e di come appariranno una volta terminate, consentendo agli animatori di correggerle e migliorarle senza doverle prima completare. Questo può essere considerato una forma digitale di test con la matita .

Il dispositivo più famoso utilizzato per l'animazione multiplo era la fotocamera multiplo . Questo dispositivo, originariamente progettato dall'ex animatore / direttore dei Walt Disney Studios Ub Iwerks , è una gru verticale dall'alto che riprende scene dipinte su più piani di vetro regolabili individualmente. I piani mobili consentivano una profondità variabile all'interno delle singole scene animate. Negli anni successivi i Disney Studios avrebbero adottato questa tecnologia per i propri usi. Progettata nel 1937 da William Garity , la fotocamera multipiano utilizzata per il film Biancaneve e i sette nani utilizzava opere d'arte dipinte su un massimo di sette piani mobili separati, nonché una fotocamera verticale dall'alto verso il basso.

L'ultimo film d'animazione della Disney che prevedeva l'uso della loro fotocamera multiplo è stato La sirenetta , anche se il lavoro è stato esternalizzato poiché l'attrezzatura Disney non era operativa in quel momento. L'utilizzo della fotocamera multiplo o di dispositivi simili è diminuito a causa dei costi di produzione e dell'aumento dell'animazione digitale. Cominciando in gran parte con l'uso di CAPS , le fotocamere digitali multipiano aiuterebbero a semplificare il processo di aggiunta di livelli e profondità alle scene animate.

Guarda anche

Riferimenti

Citazioni

Fonti

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