La sepoltura del conte di Orgaz -The Burial of the Count of Orgaz

La sepoltura del conte di Orgaz
Spagnolo : El Entierro del Conde de Orgaz
El Greco - La sepoltura del conte di Orgaz.JPG
Artista El Greco
Anno 1586
medio Olio su tela
Dimensioni 480 cm × 360 cm (190 pollici × 140 pollici)
Posizione Iglesia de Santo Tomé , Toledo, Spagna

La sepoltura del conte di Orgaz (in spagnolo : El Entierro del Conde de Orgaz ) è un dipinto del 1586 di El Greco , un importante pittore , scultore e architetto rinascimentale diorigine greca . Ampiamente considerato tra le sue opere migliori, illustra una leggenda popolare locale del suo tempo. Un dipinto eccezionalmente grande, è diviso in due sezioni, celeste in alto e terrestre in basso, ma dà poca impressione di dualità, poiché le sezioni superiore e inferiore sono riunite compositivamente.

Il dipinto è stato lodato dagli studiosi d'arte, caratterizzato, tra l'altro , come "una delle pagine più veritiere della storia della Spagna", come un capolavoro dell'arte occidentale e del tardo manierismo , e come l'epitome dello stile artistico di Greco.

Tema

Il tema del dipinto si ispira a una leggenda del primo Trecento. Nel 1323 (o nel 1312), morì un certo don Gonzalo Ruiz de Toledo , sindaco della città di Orgaz (la sua famiglia ricevette in seguito il titolo di conte, con cui è generalmente e postumo conosciuto). Don Gonzalo Ruiz de Toledo era un discendente della nobile famiglia Paleologo , che ha prodotto l'ultima dinastia regnante dell'Impero Bizantino . Un pio Caballero , il Conte di Orgaz fu anche un filantropo , il quale, tra gli altri atti di beneficenza, lasciò una somma di denaro per l'ampliamento e l'abbellimento della chiesa di Santo Tomé ( chiesa di El Greco), dove volle essere sepolto.

Secondo la leggenda, al momento dell'assassinio del Conte, Santo Stefano e Sant'Agostino scesero in persona dal cielo e lo seppellirono con le proprie mani davanti agli occhi abbagliati dei presenti. L'evento è rappresentato nel dipinto, con ogni dettaglio del soggetto dell'opera descritto nel contratto firmato tra Greco e la Chiesa. Il miracolo è citato anche nell'iscrizione epitaffia latina, incastonata nella parete sottostante il dipinto. Pur rispettando i termini del contratto, Greco introdusse alcuni elementi che "modernizzarono" la leggenda, come una serie di elementi attribuiti a un consueto corteo funebre cinquecentesco, i paramenti dei due santi, nonché la raffigurazione di eminenti figure toledane del suo tempo. La "modernizzazione" della leggenda serve allo scopo didattico del dipinto, che, in accordo con le dottrine della Controriforma , sottolinea l'importanza sia della venerazione dei santi che delle buone azioni per la salvezza dell'anima.

Storia

Particolare del dipinto
Particolare del dipinto, che mostra El Greco

Il dipinto fu commissionato da Andrés Núñez, parroco di Santo Tomé, per la cappella laterale della Vergine della chiesa di Santo Tomé. Núñez, che aveva avviato un progetto di ristrutturazione della cappella funeraria del Conte, è ritratto nella lettura del dipinto (a destra della parte inferiore della composizione). La commissione del dipinto fu l'ultimo passo nel piano del prete per glorificare la parrocchia.

Firmato il 18 marzo 1586, il contratto tra Núñez ed El Greco prevedeva specifiche esigenze iconografiche, prevedeva che l'artista pagasse i materiali e prevedeva la consegna dell'opera fino al Natale del 1587. Greco doveva aver lavorato a ritmo frenetico, e terminò il dipinto tra la fine del 1587 e la primavera del 1588. Seguì un lungo dibattito tra i preti e il pittore sul valore dell'opera di quest'ultimo, per la quale il contratto prevedeva che fosse determinata per perizia. Inizialmente intransigente, Greco alla fine ha compromesso e si è accontentato della prima "stima da esperto" inferiore, accettando di ricevere 13.200 reales .

Già nel 1588 la gente si accalcava a Santo Tomé per vedere il dipinto. Questa immediata accoglienza popolare fu dovuta principalmente alla rappresentazione realistica degli uomini illustri di Toledo dell'epoca. Era consuetudine che gli uomini eminenti e nobili della città assistessero alla sepoltura dei nobili, ed era stipulato nel contratto che la scena dovesse essere rappresentata in questo modo.

El Greco renderà omaggio all'aristocrazia dello spirito, al clero, ai giuristi, ai poeti e agli studiosi, che hanno onorato lui e la sua arte con la loro stima, immortalandoli nel dipinto. La Sepoltura del Conte di Orgaz è stata ammirata non solo per la sua arte, ma anche perché è una galleria di ritratti di alcune delle personalità più importanti dell'epoca a Toledo. Nel 1612, Francisco de Pisa scrisse: "La gente della nostra città non si stanca mai, perché [...] ci sono ritratti realistici di molti uomini notevoli dei nostri tempi".

Analisi del dipinto

Particolare del dipinto.

Secondo i termini stipulati nel contratto e l'approccio erudito prevalente, il dipinto è diviso in due zone, giustapponendo il mondo terreno a quello celeste, che sono accomunati compositivamente (ad esempio, dalle figure in piedi, dalla loro variata partecipazione al mondo terreno e celestiale, dalle fiaccole, dalla croce ecc.). Franz Philipp sottolinea l'elemento dell'assunzione dell'anima ( assumptio animae ), e sostiene che l'opera va considerata come tripartita: la divisione centrale del dipinto è occupata dall'assumptio animae , in forma di neonato, "etereo" bambino. La percezione di Agostino dell'anima e la sua ascesa, che si è evoluta da una base neoplatonica , è una possibile ispirazione per l'immaginario del pittore dell'assumptio animae . Il modo del Greco di collegare tematicamente e artisticamente la zona superiore con quella inferiore del dipinto è stato caratterizzato dagli studiosi d'arte come ingenuo e come ulteriore adempimento del messaggio principale del dipinto, che la venerazione e le buone opere portano alla salvezza .

Nella parte superiore, quella celeste, le nuvole si sono divise per ricevere il "giusto" in Paradiso . Il paradiso è evocato da vorticose nuvole ghiacciate, semiastratte nella loro forma, ei santi sono alti e simili a fantasmi. Cristo , vestito di bianco e in gloria, è uno splendore di luce, e il coronamento del triangolo formato dalle figure della Madonna e di San Giovanni Battista nella tradizionale composizione ortodossa della Deesis . Queste tre figure centrali della gloria celeste sono circondate da apostoli, martiri, figure bibliche (tra cui Mosè , Noè e David ) e Filippo II di Spagna , sebbene fosse ancora vivo. Il "giusto" Filippo II è spiritualmente unito a Cristo e alle creature celesti in una Città di Dio come concepita da Agostino. La terra celeste e quella terrestre si fondono insieme in modo sorprendente, ma c'è poco senso di dualità. Nella parte centrale della composizione, un angelo spinge potentemente verso l'alto l'anima nascente, movimento interpretato ancora una volta come visualizzazione dell'insegnamento della salvezza controriformista.

La scena del miracolo è raffigurata nella parte inferiore della composizione, nella sezione terrestre, dove tutto è normale per quanto riguarda la scala e le proporzioni delle figure. Sant'Agostino, che porta le caratteristiche di Gaspare de Quiroga y Vela , arcivescovo di Toledo , e Santo Stefano, rispettivamente in vesti dorate e rosse, si chinano riverenti sul corpo del conte, che è vestito di una magnifica armatura che riflette il giallo e il rosso delle altre figure. L'armatura è contemporanea all'epoca di Greco e ispirata all'abito militare da cerimonia dei reali spagnoli come raffigurato nei ritratti di Tiziano . I nobili contemplano l'evento in modo distaccato e sobrio. La loro sommessa compostezza è stata interpretata sia come un ulteriore elemento visivo della finalità didattica della pittura sotto l'influenza della Controriforma, sia come espressione delle origini bizantine dell'arte del Greco. Il ragazzo a sinistra è il figlio di El Greco, Jorge Manuel; su un fazzoletto in tasca è incisa la firma dell'artista e la data 1578, anno di nascita del ragazzo. L'inclusione di Jorge Manuel sottolinea lo scopo didattico del dipinto: il ragazzo occupa una posizione di rilievo vicino allo sguardo dello spettatore, dirigendolo con il dito puntato. L'artista stesso può essere riconosciuto direttamente sopra la mano alzata di un cavaliere dell'Ordine di Santiago .

Il dipinto ha un'armonia cromatica molto ricca, espressiva e radiosa. Sulle vesti nere a lutto dei nobili sono proiettati i paramenti ricamati in oro, creando così un intenso carattere cerimoniale. Nello spazio celeste predominano le armonie trasparenti di iridescenze e grigi avorio, che si armonizzano con le ocra dorate, mentre nel maphorion (mantello) della Madonna il blu intenso è strettamente unito al rosso vivo. La retorica delle espressioni, degli sguardi e della traduzione gestuale rendono la scena molto commovente.

Influenze

La Dormizione della Vergine . La Dormizione è stata suggerita come modello compositivo per La sepoltura del conte di Orgaz .

La composizione del dipinto è stata strettamente legata all'iconografia bizantina della Dormizione della Madre di Dio . L'argomentazione a sostegno di questo punto di vista si concentra sull'icona della Dormizione di El Greco, rinvenuta nel 1983 nella chiesa omonima di Syros . Robert Byron, secondo il quale il tipo iconografico della Dormizione sarebbe stato il modello compositivo per La sepoltura del conte di Orgaz , afferma che El Greco come autentico pittore bizantino lavorò per tutta la vita con un repertorio di componenti e motivi a piacimento, a seconda le esigenze narrative ed espressive dell'art.

D'altra parte Harold Wethey respinge come "poco convincente" l'idea che la composizione della Sepoltura derivi dalla Dormizione , "poiché l'opera è più immediatamente correlata ai prototipi rinascimentali italiani". In relazione alla sua eliminazione della profondità spaziale comprimendo le figure in primo piano, sono citati i primi manieristi fiorentini - Rosso Fiorentino , Pontormo e Parmigianino - e due dipinti di Tintoretto : la Crocifissione e la Resurrezione di Lazzaro , quest'ultimo a causa della fila orizzontale di spettatori dietro il miracolo. Il raggruppamento ellittico dei due santi, mentre abbassano il cadavere, sarebbe più vicino alla prima Deposizione di Tiziano che a qualsiasi altra opera. Wethey afferma che "il metodo di composizione manierista di El Greco non è espresso più chiaramente che qui, dove tutta l'azione si svolge sul piano frontale".

Philipp sostiene che il dipinto è fortemente influenzato dall'arte funeraria spagnola contemporanea e che Greco ha aderito a questa tradizione artistica sepolcrale adattando un soggetto religioso popolare, la Deposizione di Cristo , alle esigenze del suo incarico. Sarah Schroth ritiene che di Tiziano Deposizione viene utilizzato da Greco come modello per sottilmente passare il suo messaggio didattico per il valore delle buone opere, e lei parla di Albrecht Dürer s' Adorazione della Trinità come fonte di ispirazione per la composizione bi-partite del dipinto e la rappresentazione dei laici contemporanei della zona terrena inferiore. Tuttavia, Scroth si discosta dal rifiuto assoluto di Wethey della presenza di elementi bizantini nel dipinto e accetta la Dormizione come un'influenza per la rappresentazione della sepoltura dell'assumptio animae . Una terza opera di Tintoretto, Il Giudizio Universale , è citata da Schroth come possibile influenza per la rappresentazione della sepoltura di Gloria, poiché Greco voleva incorporare elementi della liturgia funeraria nella parte superiore del dipinto.

La scena centrale del dipinto è stata raffigurata sulla banconota da 500 Pesetas del 1940 .

Valutazioni

Indipendentemente dai loro diversi approcci in relazione alle influenze del dipinto, la Sepoltura è celebrata unanimemente dagli studiosi d'arte come un capolavoro. È anche considerata la prima opera completamente personale dell'artista, il culmine dei suoi primi dieci anni di creatività a Toledo, iniziando il suo periodo artistico maturo, nonché i processi di spiritualizzazione e smaterializzazione, che proseguiranno nelle sue opere successive. Secondo Lambraki-Plaka, la sepoltura è una pietra miliare nella carriera dell'artista: "È qui che El Greco ci presenta, in una forma altamente compressa, la saggezza che ha portato alla sua arte, la sua conoscenza, la sua esperienza, la sua immaginazione composita e la sua forza espressiva. È l'enciclopedia vivente della sua arte senza cessare di essere un capolavoro con continuità organica ed entelechia".

L'impressionante rappresentazione di membri di spicco della società toledana nella zona inferiore, afferma Greco come un abile ritrattista , con una profonda conoscenza della fisionomia e dei gesti. L'armonia cromatica e l'uso di colori incredibilmente ricchi, espressivi e radiosi confermano il suo talento di colorista, mentre le scene raffigurate sui paramenti ricamati rivelano un miniatore di talento . La composizione complessiva con gli elementi innovativi già citati - la peculiare sintesi del reale con il surreale, la negazione della profondità spaziale e l'imponente schiera dei ritratti - svelano tutti gli aspetti della straordinaria arte di Greco. Interpretando l'osservazione di Francisco de Pisa in relazione al dipinto, che "ci sono sempre cose nuove da contemplare in esso", Schroth caratterizza la Sepoltura come "fonte inesauribile di istruzione oltre che di piacere".

Nei suoi diari di viaggio dell'Estremo Oriente, della Palestina e della Spagna, Albert Einstein definisce la Sepoltura come "un magnifico dipinto" e "tra le immagini più profonde che abbia mai visto".

Guarda anche

Riferimenti

Fonti

link esterno